100 % création

Emmanuelle Jodan Adjovi est une créatrice de mode béninoise installée au Sénégal depuis 1996. Elle y a fondé sa maison de mode Emma Style. Passionnée, résiliente et engagée, elle a su transformer sa passion en entreprise florissante, créant ainsi des emplois. Elle est également active dans le coaching et l'accompagnement des femmes, notamment via le réseau « Fiers d'Elles », qu'elle a contribué à développer. Le parcours d'Emmanuelle Jodan Adjovi est une déclaration d'amour à la mode, mais aussi un engagement pour l'émancipation des femmes africaines. Nous l'avons rencontrée lors du Yas FIMO228 à Lomé. « C'est mon défouloir, mon exutoire. J'adore créer. J'adore créer des vêtements, vous voir, avoir envie de vous créer quelque chose en fonction de votre travail, de vos activités, quelque chose de pratique, et aussi les relations clients. Mais créer, cela m'apaise », nous dit-elle. Elle nous explique la genèse de son projet : « J'ai lancé la marque parce que les gens me complimentaient sur ce que je portais. Alors je me suis dit ''comment je vais nommer la marque ?''. Étant du marketing, je trouvais qu'Emmanuelle Style, cela faisait très long. J'ai coupé Emmanuelle en Emma, donc, Emma Style. » Née à Cotonou, au Bénin, Emmanuelle Jodan Adjovi a grandi et vécu son enfance en France. Elle suit tout d'abord des études en pharmacie avant d'être rattrapée par sa passion pour la mode. En 2006, cette autodidacte lance officiellement son atelier et sa marque Emma Style. Elle raconte : « J'avais 24 ans, j'ai commencé par le marketing et la communication. C'était génial. De plus, j'aime tout ce qui est métiers de contact. J'ai commencé ma carrière professionnelle par la communication et j'aimais m'habiller un peu différemment. J'aimais porter le tissu autrement parce que c'est simple. Les copines avec qui j'avais les mêmes goûts, nous nous retrouvions à avoir les mêmes hauts, c'était marrant. Suite aux compliments des gens que je rencontrais, je me suis dit ''tiens, pourquoi je ne lancerais pas ma marque de vêtements ?'', comme un jeu. J'ai travaillé comme déléguée médicale dans un laboratoire pharmaceutique au Sénégal, et quand j'ai décidé de me lancer, j'ai pris une disponibilité, puis j'ai créé ma société. Aujourd'hui, la maison de mode est toujours rue Carnot. Et avant, j'avais créé mon agence de communication. » C'est au Sénégal, un pays qu'Emmanuelle Jodan Adjovi aime profondément, qu'elle trouve sa voie. Agence de communication, coaching, maison de mode... La créatrice béninoise lance également son édition du Emma Style Show. « Tout ce que j'ai appris dans la mode, je l'ai appris avec mes tailleurs. J'ai gardé mon agence de communication, les clientes que je rencontrais dans le cadre de mon travail faisaient des tenues chez moi. Au fur et à mesure, j'ai appris les codes de la mode. Après, j'ai lancé mon dîner de gala Emma Style Show parce que je voulais me faire connaître. Mais j'ai eu le syndrome de l'imposteur. Je me disais ''mais comment je vais venir dire que je suis styliste ? Les gens me connaissent déléguée médicale''. J'ai appris comment faire des collections, qu'il fallait avoir un fil conducteur. Au bout de la quatrième édition, les autres créateurs, dont Gilles Touré, qui était la personne qui m'inspirait le plus, ont voulu participer à cet événement. Puis, c'est devenu un dîner de gala international. Aujourd'hui, c'est un dîner caritatif, et chaque créateur vient montrer ce qu'il sait faire. Quand je me suis lancée dans la mode, je ne l'ai pas dit à mes parents. À la cinquième édition du Emma Style Show, le président Wade, en son temps, m'a reçu en audience et a été le parrain de l'événement. Là, j'ai invité mes parents. Et quand ils sont venus, vous imaginez tout le protocole. Mon père m'a dit "Tu fais quoi déjà au Sénégal ?". Il a vu tout le monde, un dîner de 350 personnes. Il a dit à ma mère ''Tu es sûre que ta fille fait de la couture et que cela rapporte ?''J'ai dit ''Mais papa, la mode c'est une entreprise". » Née d'une envie d'habiller différemment, de casser les codes, de valoriser la culture africaine à travers des tissus comme le wax ou le pagne tissé, Emmanuelle Jodan Adjovi voit la mode comme un outil d'engagement social, à l'instar de la collection qu'elle a présentée au Yas Fimo228, placée sous le thème « La mode pour un monde sans cancer ».  « Cela part un peu du noir et du doré, parce que la thématique du cancer, c'est quelque chose d'assez lourd. Et puis, cela passe à des couleurs un peu plus joyeuses et d'espoir pour dire ''oui, c'est vrai, cela existe, on va se sensibiliser, on va essayer de porter la voix à travers la mode pour cela''. Et la collection finit avec du rouge bordeaux, de la broderie. Aujourd'hui, ce qui fait la particularité d'Emma Style au Sénégal, c'est le mélange de cultures. Parce que j'ai décidé d'être sénégalaise. Mes enfants sont nés au Sénégal. Je pense que j'ai vécu la majorité de ma vie là-bas, même si on bouge beaucoup. Pouvoir mélanger toutes ces cultures pour pouvoir offrir une mode engagée. On a mis des cristaux pour donner cet éclat, parce que même malade, on reste une femme. On voit de beaux témoignages. Je me dis que cela donne espoir et c'est motivant », explique-t-elle.  Pour Emmanuelle Jodan Adjovi, la mode et le textile sont des moyens d'expression. Elle incarne une femme africaine qui ose, innove, qui valorise ses talents et sa culture. Un message clair : tout est possible avec force et résilience. « À Dakar, on m'appelle ''Madame tout est grâce'', parce que je dis tout le temps ''tout est grâce''. Je me dis que tout est opportunité, je pars de ma propre histoire. Aujourd'hui, j'ai plaisir à dire aux jeunes ou aux étrangers qui viennent au Sénégal que mes sociétés, je les ai créées avec mon passeport béninois. Il faut avoir la force d'y croire. On a eu à créer le réseau "Fiers d'elles" au Sénégal pour dire aux femmes qu'elles sont fortes. Ce n'est pas être féministe du tout, mais on est dans des environnements où la femme manque de confiance en elle, où elle fait des actions extraordinaires, mais elle ne le sait pas. Petit à petit, on va y arriver. C'est une manière d'impacter la génération montante et de dire "oui, tout n'est pas si noir". Dire aux autres femmes qu'être une femme de pouvoir, ce n'est pas d'avoir à jouer des coudes ou une promotion canapé. Nous rencontrons plein de dames qui sont de vraies success story. Elles vous racontent leur histoire, vous vous dites ''waouh !'', de la vendeuse de beignets à une petite couturière. C'est une de mes passions », s'exclame la femme d'affaires.  La mode d'Emmanuelle Jodan Adjovi est un véritable outil de sensibilisation et d'engagement social. Elle ne se contente pas de créer des vêtements ; elle permet aux femmes de s'affirmer, de sortir de leur zone de confort. Elle explique : « J'ai appris dans la mode qu'il fallait avoir son empreinte. C'est en côtoyant les podiums que j'ai appris qu'il faut que, quand on voit une tenue, on sache que c'est du Emma Style. Je ne le savais pas, au début. Quand on voit une tenue Gilles Touré, on sait que c'est du Gilles Touré. Quand tu le travailles, cela se développe bien. Par exemple, on a une collection impératrice qui marche tellement que, des fois, je dis ''je ne veux plus faire des impératrices !''. Les clientes me disent ''on s'en fiche, on en veut'' ! En travaillant un peu le wax différemment, en le découpant différemment. Je réalise des tenues pratiques, des tenues de ville à 70%, des tenues pour le travail. Durant le Covid, c'était un peu compliqué. À un moment, on s'est dit qu'on allait fermer et les clientes me disaient ''non, nous on va soutenir la structure. On va faire des tenues''. Mais il y avait nulle part où aller. Vraiment je les remercie, c'est grâce à elles que nous avons tenu bon. » La transmission des savoirs, notamment auprès des jeunes générations, est essentielle pour assurer la pérennité de cette industrie en pleine croissance. Emmanuelle Jodan Adjovi milite pour une meilleure structuration du secteur. « Malheureusement, les PME et les TPE s'éteignent avec le créateur. Je pense à cela parce que il faudrait que cela puisse nous survivre. C'est une question que je travaille, j'essaie de renforcer les systèmes au niveau de la société pour que cela tourne sans moi et pouvoir gérer la transmission. J'aurais aimé que ma fille reprenne, mais apparemment, cela ne lui dit rien. Je voulais un business, mais faire de la mode, c'est une manière de se définir. Pour moi, développer l'industrie de la mode, c'est très important. Il faudrait que tout suive, parce que c'est un domaine pourvoyeur d'emplois. On a des gros chiffres, et aujourd'hui, je pense que c'est un domaine qui devrait être développé. Parce qu'aujourd'hui, entre mes trois sociétés, je pense que la maison de mode, c'est ma vache à lait. Et quand ça ne va pas bien là-bas, je le sens tout de suite. Nous devrions encourager les jeunes vers ce métier, mais en se structurant. Je suis dans le collectif des designers sénégalais, je suis la vice-présidente. Je suis vice-présidente de l'association des Fashion Week africaines avec Jacques Logoh. Nous faisons la promotion des métiers de la mode en disant "'c'est une entreprise". Quand les jeunes rentrent dans la mode, ils doivent savoir que c'est une entreprise et qu'il faut la gérer avec le cash-flow, le chiffre d'affaires, tout ce qui va avec. Et dès qu'on en en pris conscience, cela change la donne », raconte la créatrice.  Pour assurer la pérennité et la croissance de ses projets, Emmanuelle Jodan Adjovi mise sur une communication efficace auprès de son réseau et des réseaux sociaux. « Internet aide beaucoup, même si moi, je dis souvent je suis de l'âge de la pierre, donc j'ai eu du mal à démarrer sur internet et les réseaux sociaux. L'erreur que j'avais commise au lancement d'Emma Style à Dakar, c'était que beaucoup de femmes ne portaient pas le wax. Et quand j'ai commencé à proposer mes offres, la clientèle venait à moi. J'étais bloquée

Le salon du made in France aura lieu, à Paris, du 6 au 9 novembre prochain. Cette 13ᵉ édition du MIF Expo célèbre la fabrication française. Une belle occasion de découvrir un homme qui incarne la tradition bretonne et le savoir-faire français : François Le Goff, propriétaire de la faïencerie Henriot. Nous avons visité cette Faïencerie installée à Quimper depuis un tiers de millénaire avec son bol emblématique breton au prénom du destinataire.  François Le Goff nous raconte comment derrière chaque objet fait main, il y a une histoire, une passion, une tradition. Son parcours témoigne d’un attachement profond à ses racines bretonnes, aux techniques artisanales, et à la transmission de ce savoir-faire aux générations futures. « Tout est fait dans un même bâtiment. Nous n’avons rien d'autre à l'extérieur. Le stockage et la transformation de la matière première pour faire ce que nous fabriquons. Nous façonnons tout. On sèche, cuit, stocke le produit fini et on le vend dans notre magasin d'usine qui est au même endroit », détaille François Le Goff, directeur et propriétaire de la faïencerie Henriot.  « Les trois grands postes : la terre, les émaux et les pigments de couleur, parce que la terre, nous sommes obligés de l'acheter à l'extérieur parce que nous sommes en plein centre-ville. Historiquement, c'est ici que la faïence a commencé. Les bâtiments extérieurement sont tous un peu différents au niveau de la structure parce qu’ils ont été construits au fur et à mesure. La faïencerie s'est agrandie dans l'enclave du bâtiment, ils ont rajouté des bâtiments successifs et nous avons six bâtiments de styles différents, parce que c'est au fur et à mesure qu'ils aménageaient un bâtiment, plus un bâtiment, plus un bâtiment. », décrit François Le Goff Né à Paris, mais Breton d’origine, François Le Goff a vécu toute son enfance à Nantes. Cet ingénieur, en 2011, décide de racheter la faïencerie Henriot, alors en liquidation.  « C'est quand même bizarre qu'un fleuron de fabrication française s'arrête, c'était dommage et donc nous avons fait une proposition et nous étions les seuls à proposer de continuer l'activité en France. Nous étions, peut-être, un peu naïfs parce que nous n’étions pas du tout du milieu. Je suis de formation ingénieur en électronique, donc rien à voir avec la faïence, rien à voir avec la technique de la faïence. Mais par contre, à partir du moment où on s'intéresse au fonctionnement et qu'on met les mains dedans, ça reste un procédé de fabrication ancestral. Nous n’avons pas des machines ultra-sophistiquées, nous sommes sur des tours qui ont une cinquantaine ou centaines d'années. Cela reste de la mécanique pure. En réfléchissant pour essayer de comprendre comment à l'époque les gens avaient conçu ces machines-là, on arrive à les entretenir, les réparer et potentiellement améliorer quelques systèmes pour que cela fonctionne aujourd'hui. » La démarche de François Le Goff est motivée par un attachement sentimental, mais aussi par la volonté de préserver un patrimoine régional et national. « Mes parents sont bretons à l'origine, mes grands-parents également. Nous venions en maison de vacances, il y avait du Henriot chez nous parce que, en gros, tout Breton a forcément dans sa maison quelque chose en Henriot. Avant les années 2000, on avait besoin d'une assiette, d'un bol, c'était forcément du Henriot parce qu'il n'y avait pas Internet. On ne faisait pas 50 kilomètres pour aller visiter une fabrique de faïence ou autre chose. Cela a vraiment changé. C’est à partir des années 2000, qu’il y a eu le déclin de la faïence, parce que les gens pouvaient acheter à distance. Ils ont pu se rendre compte qu'il y avait d'autres formes, d'autres choses qui se faisaient, la diversité de l'offre fait que, forcément, les Bretons se sont inspirés et sont allés chercher des pièces ailleurs. Ce qui est logique. Et inversement. Et c'est pour ça qu'on a des commandes qui viennent des États-Unis, d'Australie, de Nouvelle-Zélande, parce que les Français expatriés là-bas veulent ramener un petit bout de leur patrimoine." La faïencerie Henriot avec ses 335 ans d’existence fait partie des dix plus anciennes entreprises de France, elle a su traverser les siècles en conservant ses méthodes de fabrication. Installée en plein cœur de Quimper, ses ateliers sont remplis d’un savoir-faire notamment dans la maîtrise des formes et la décoration à la main, comme celui de son bol iconique en céramique blanche au motif folklorique et prénom du destinataire. Un souvenir incontournable de la Bretagne. « Le bol, il y en a partout ! Mais, il faut bien différencier le bol qui est 100 % fabriqué à Quimper, à la main, du bol fabriqué à la chaîne à la fois en Chine, au Portugal et même maintenant en France. Il y a des usines qui se sont implantées en France parce que les coûts de transport et la main d'œuvre à l'étranger sont devenus plus cher. C'est très bien qu'il y ait une demande. Le seul souci, c'est que nous, ce qui nous dérange le plus, c'est quand les gens pensent acheter du Henriot, donc du fait main, du personnalisé et faire vraiment tourner l'artisanat local et que finalement, ils achètent un bol qui vient d'une usine où l'humain est très peu présent et au final tout le monde a le même bol. Il y a des gens qui venaient pour acheter un bol en pensant l'acheter 10 € qui finalement l'achètent à 50 parce qu'ils ont compris. Ils voient qu'il y a l'usine qui est à Quimper qui se visite alors que les autres usines ne se visitent pas. Faire des visites, des ateliers, montre bien que tout est fabriqué ici et à la main. Nous leur expliquons qu’au lieu d'en acheter quatre, peut-être en acheter un neutre à utiliser au quotidien, mais il ne sera pas personnalisé parce qu'on préfère en acheter un seul plutôt que quatre ‘touristiques. » Fondée il y a plus de trois siècles, à Quimper, en Bretagne, la faïencerie Henriot incarne longévité et résilience, symbole de l’excellence artisanale et de l’identité culturelle de la région. « Dans un monde où on robotise tout et on automatise tout, garder le style ancien et la façon de fabriquer à l'ancienne, c'est ça qui est le plus difficile aujourd'hui et c'est pour cela que nous nous battons. On fabrique aujourd'hui en 2025, comme les gens fabriquaient dans les années 1800, à part le Tour qu'on a automatisé avec un moteur pour qu'il tourne plus facilement, au lieu de pédaler comme ils le faisaient avant. Aujourd'hui, on a un moteur qui le fait, mais c'est la seule chose qu'on ait faite pour simplifier le travail. Sinon, tout est de la mécanique, pure et dure. Le leitmotiv d'Henriot, c'est de tout faire à la main, à la fois la fabrication des formes, c'est-à-dire qu'on est propriétaire de l'ensemble de nos formes, des choses que l'on fabrique, des dessins. Tout appartient à Henriot, donc c'est pour cela que nous sommes capables, 20 ans ou 30 ans après, de continuer à faire les mêmes formes, les mêmes décors, étant donné qu'on a tout cela est en stock. » Aujourd’hui, la faïencerie Henriot compte neuf salariés, mais leur savoir-faire est précieux. La décoration, par exemple, est réalisée par des artisans qui ont plus de 20 ans d’expérience. « Sans décoration, Henriot n'est rien. C'est-à-dire qu'on a des formes, mais les formes, on peut en trouver un peu à droite à gauche. Le procédé d'émaillage, ça se fait habituellement pour des assiettes blanches qu'on peut trouver. Par contre, pour nous aujourd'hui, la force d'Henriot, c'est le décor peint main. Sur les neuf personnes, il y en a cinq qui sont dédiées à la peinture. C'est le poste important d'Henriot et ce sont les personnes qui ont toutes 20 à 25 ans d'ancienneté afin de pouvoir garantir les décors sur 20/30 ans. Et quand on a une demande particulière pour un bateau ou une personnalisation particulière, on ne se pose pas la question de savoir est-ce qu'on va réussir à le faire ? Nous savons qu'avec ces personnes et leur savoir-faire, on sait qu'elles vont être capables de dessiner du premier coup quelque chose de parfait. » Le plus difficile pour François Le Goff c’est le maintien des outils de production de la faïencerie Henriot. « On utilise des machines de 1960, les fours sont de 1984. Il faut maintenir en état les fours d'époque parce qu'ils avaient une technicité, une forme et un fonctionnement qui étaient très intelligentes, à l’époque, comme les fours navettes. C'est le four qui se déplace au-dessus des pièces avant cuisson. L’avantage, c'est qu'on pouvait déplacer le four, du coup, on était capable de cuire le soir et de charger le lendemain à un autre endroit. À l'époque où il y avait énormément de demandes, cela permettait avec un seul four d'avoir une cuisson tous les soirs parce qu'il fallait normalement laisser un peu de temps pour refroidir. Aujourd'hui, il y a très peu de faïencerie qui aurait l'utilité d'avoir ces fours-là, mais nous, on a du matériel qui nous reste d'une usine qui avait 250 personnes à la décoration et à la fabrication. Nous gardons de vieilles machines qui gardent nos formes et on essaie de les faire fonctionner de la meilleure façon, comme quand elles fonctionnaient il y a cinquante ans. » La fabrication d’objets personnalisés ou sur-mesure permet aussi de répondre aux demandes actuelles tout en respectant la tradition, selon François Le Goff. « Nous avons une clientèle fidèle et nous avons créé "une gamme naissance" à la demande de notre clientèle se plaignant de ne pas avoir d'idées de cadeau à chaque naissance. Au final, les gens ne se posent plus la question. Il y a une naissance, ils passent, ils nous appellent à la boutique, ou bien, ils passent commande sur le site internet, ils font livrer directement chez la personne. Nous mettons une petite carte qui indique la personne qui a offert la vaisselle avec le petit message et, au final, c'est quelque chose de personnalisé, un peu comme le bol que les gens vont pouvoir garder tout le temps. » Abonnez-vous à "100% création"  "100% création" est disponible à l’écoute sur toutes

Aujourd’hui, nous vous emmenons à la rencontre d’une femme passionnée, Jacquie Atandji, créatrice togolaise. Son travail incarne la richesse de l’artisanat africain. Bijoux, accessoires et vêtements à travers ses créations, elle veut contribuer à moderniser la mode africaine tout en valorisant son histoire. Son parcours voit la beauté dans la tradition, tout en la rendant moderne et accessible à tous.  Nous l’avons rencontrée lors du Yas FIMO228 à Lomé, un évènement mode organisé par Jacques Logoh.  C'est une bouffée d'oxygène, une thérapie. La création, je crois que cela prend tout mon temps, enfin 90% de mon temps. Mais comme c'est une passion, je n'ai pas l'impression de travailler. Cela fait partie de moi, je ne me pose pas de questions ! Jacquie Atandji, fondatrice de Jacquie Créations.  Je me lève, je me mets au travail. Ce que j'ai rêvé la nuit, j'essaye de le créer ou ce à quoi j'ai pensé dans la semaine ou la veille parce que j'ai vu une forme ou une couleur, ou j'ai vu passer quelqu'un qui a un joli tissu. Enfin, j'essaie de mettre mes inspirations en forme. Jacquie Atandji est une créatrice togolaise reconnue pour ses bijoux et accessoires en matériaux locaux. Autodidacte, elle a lancé sa marque dans les années 2000. D’abord en façonnant des bijoux, puis des sacs, des vêtements et enfin des objets de décoration intérieure. Elle combine son amour de l’artisanat africain et sa vision contemporaine de la mode. Son parcours est marqué par une détermination sans faille qui incarne la force créative de l’Afrique. Ses collections sont dédiées à ses matières préférées. « Je voulais montrer la diversité des tissus qui se trouvent en Afrique en passant par le tissé main, le batik en passant par des tissus plus soyeux, plus luxueux, rajouter une touche de maroquinerie et de bijoux. Il faut que je montre ce que je fais avec la matière qu'on trouve en Afrique, parce qu'on a vraiment de belles matières premières pour la création. J'aime toutes les matières que j'utilise. Je n'aime pas les matières synthétiques. Ma préférence va aux tissés main de différents pays où je vais. Donc, je travaille pas mal les tissés. Mais j'aime aussi le cuir pour le côté luxueux que cela donne aux créations de sacs et de pochettes que je propose. J'aime aussi le bronze parce que je trouve qu'on peut le travailler, le moduler comme on veut. Ce sont mes trois matières de prédilection », souligne-t-elle.  Jacquie Atandji a commencé son aventure dans un contexte où la mode africaine était encore perçue comme traditionnelle ou peu adaptée à la vie moderne. Elle a su faire évoluer cette perception en créant des bijoux, sacs et vêtements ainsi que des objets de décoration intérieure qui mêlent savoir-faire ancestral et design contemporain. « Cela s'est fait naturellement parce qu'au début, quand je faisais les bijoux, j'avais toujours des pantalons en wax et j'avais toujours des bouts de tissus qui traînaient. Je ne savais pas quoi en faire, mais je ne voulais pas jeter. À l'époque, j'étais très économe et donc je gardais tous les morceaux. Quand j'ai ouvert ma boutique, j'ai commencé à faire les premiers accessoires en wax parce que j'avais des restants de mes vêtements. Évidemment, au Togo, le wax se porte coupé à la madame et tout le monde me disait : "Qui va acheter ?" Mes amies me disaient : "Jacquie, on veut bien te soutenir, on va acheter des bijoux, mais on ne va pas acheter des sacs et des pochettes en wax." Curieusement, les Occidentales venaient acheter mes sacs en wax, pas les Togolais au départ. Maintenant, cela a changé. Tout le monde porte le wax ! Tout le monde le porte de toutes les façons possibles. Et je pense que c'est aussi parce que nous avons modernisé la façon de couper, de coudre et de le porter. Avant, cela se portait en jupe pagne, plus le haut, plus le troisième pagne que tu mets par-dessus. Maintenant, en wax, il y a des combinaisons, jupes, pantalons, des vêtements modernes, contemporains », explique-t-elle. Son processus créatif est spontané. Jacquie Atandji s’inspire de ses balades sur les marchés, des couleurs, des formes, et de ses voyages, d’une silhouette qui passe. « Je peux très bien tomber sur de la matière première qui me plaît par la forme, la couleur, et puis j'achète. Je me dis : "Ah, tiens, ça, je peux en faire quelque chose." Quelquefois, c'est juste une odeur ou une balade dans un marché qui m’inspire. J'imagine quelque chose que je dessine à l'avance et je sais ce que je veux faire. Mais souvent, je change d'avis en cours de création parce que je peux commencer, donner une autre forme, surtout pour les bijoux. Finalement, je me retrouve avec cinq modèles différents qui deviennent tous des pièces uniques, alors que je voulais faire un collier et la même chose pour les vêtements. Je pars sur une idée et puis, parfois, je pars, je finalise presque et puis à l'atelier, je le change. Imaginez quelque chose, vous rêvez de quelque chose et arrivez à vraiment le créer de mes mains. Entre le dessin, ce que j'ai imaginé, quand cela prend forme, c'est l'aspect qui me plaît le plus. Je pourrais créer tous les jours, tous les jours et ne pas vendre ce que je crée, mais je ne pourrais pas vivre sans créer. C'est le côté créatif qui me plait le plus. » Jacquie Atandji implique dans sa démarche des artisans locaux, valorisant des matières comme le wax, le cuir, le bronze, et le bois, pour donner vie à ses collections. « Oui, je travaille avec des artisans. Pour les bijoux, j'y intègre beaucoup de matières, par exemple de la corde, de l'os, du bois et bien d’autres matières. Pour cela, j'ai deux ébénistes qui travaillent pour la marque quasiment à temps plein et qui font toutes les formes de pièces que je pourrais imaginer et que j'intègre dans mes bijoux. Pareil pour le bronze, il y a des formes que je fais faire, donc il y a une dizaine d'artisans qui travaillent pour la marque et ils sont choisis comme d'habitude, cela passe par le coup de cœur. Après, on voit si professionnellement la personne a la technique. Nous avançons ensemble et la plupart sont avec la marque depuis le début. C'est toujours les mêmes. On va dire qu'on s'accompagne mutuellement depuis le départ. » Du travail, de la discipline et de la transmission des savoir-faire. Malgré les défis financiers, le succès a souri à Jacquie Atandji. « Les gens pensent que c'est très facile de se lever et de créer ! En fait, non. Si on veut le succès, il faut travailler dur. Le succès, ce n’est pas le loto ! J'aimerais bien que les gens comprennent qu'il faut se lever tous les jours, même si on n'est pas en forme, même si ça va mal et se mettre au travail. Il n'y a que comme cela qu'on évolue, qu'on est autonome, qu'on peut faire progresser l'Afrique. Mon métier exige beaucoup de discipline et de sacrifices. Financièrement, au départ, c'était très difficile, démarrer quelque chose avec des fonds, pour cela, il faut faire des économies. Moi, j'ai commencé avec moins de 300€, mais c'était beaucoup d'argent à l'époque. Pourtant, entre la construction du local pour présenter mes bijoux et les produits, les pièces à créer, c'était très difficile. Il y a toujours beaucoup de contraintes, mais quand on aime, rien n'est difficile. » Consciente que préserver ces métiers manuels est essentiel pour l’avenir de l’artisanat africain, Jacquie Atandji transmet ses techniques à son équipe. « Faire des bijoux, c'est très manuel et très physique. Au début, j'avais quelques filles qui venaient travailler avec moi pour apprendre un peu, mais elles sont toutes parties parce que c'est trop difficile pour le dos, les reins, c’est physique. Je comprends, mais dans la vie, rien n'est simple, rien n'est facile. Maintenant, je transmets mon savoir, ce que je sais puisqu'on fait un mix entre beaucoup de choses. Je transmets à des ouvrières qui ont déjà une base, à qui j’explique le travail, les finitions, les techniques, les petites astuces pour réaliser mes créations. Les chefs d'atelier restent même si quelques ouvrières et ouvriers quittent le nid. À leur tour, ils font et retransmettent à d'autres ou créent leur propre atelier. »   Abonnez-vous à 100% création 100% création est disponible à l’écoute sur toutes les plateformes de podcasts : PURE RADIO | Apple Podcast | Castbox | Deezer | Google Podcast | Podcast Addict | Spotify ou toute autre plateforme via le flux RSS. 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Aujourd’hui, métiers d’art et reconnaissance d’un savoir-faire d’excellence avec Jean-Brieuc Chevalier, prix Liliane Bettencourt pour l’Intelligence de la Main, dans la catégorie Talents d’exception. Ce prix distingue un artisan d’art pour la réalisation d'une œuvre résultant d’une maîtrise parfaite des techniques et des savoir-faire des métiers d’art, tout en révélant un caractère innovant qui contribue à l’évolution de ce savoir-faire. Pour Jean-Brieuc Chevalier, ébéniste, marqueteur et brodeur sur bois, cette distinction, plus qu’un aboutissement, est le début d’une nouvelle étape dans sa recherche artistique. Nous l’avons rencontré lors de la présentation de son œuvre primée Mille fleurs. Nous avons la possibilité de faire tout ce que nous voulons, de fabriquer, de construire quelque chose, de pouvoir voir physiquement le travail fait. C'est assez grisant et c'est vraiment unique. Jean-Brieuc Chevalier, ébéniste, marqueteur et brodeur sur bois, fondateur de Jean-Brieuc Atelier. À la fin de mes études, pendant six mois, j'ai cherché du travail et je n'en ai pas trouvé. J'ai mis six mois à monter le projet de mon atelier et le jour où il a fallu remplir les papiers, je n'avais aucune idée de ce que j'allais mettre. Finalement, j'ai mis mon prénom. J'ai eu la chance, j'ai un prénom composé qui n'est pas commun. J'ai mis mon prénom, accolé atelier et puis c'est tout. Né à Brest, Jean-Brieuc Chevalier débute des études de physique-chimie mais, passionné par le bois et la création manuelle, il se réoriente vers l’ébénisterie, CAP, brevet de métiers d’art et diplôme des métiers d’art en poche, il fonde son atelier. Il réalise des pièces uniques en bois avec l’envie d’approfondir d’autres techniques comme la marqueterie et la broderie sur bois. « Nous faisons de l'ébénisterie, marqueterie, broderie, nous avons appris en pratiquant. Ce sont des métiers qui restent encore très cloisonnés, en tout cas dans l'apprentissage. C'est l'héritage des différentes corporations. C'est plus une envie, du désir d'approfondir là-dessus parce que j'ai envie de le faire, j'en ai fait à l'atelier. Plus largement, c'est un métier passion donc il exige tout mon temps, toutes mes pensées. Je me lève le matin, je pense à mon boulot, je me couche le soir, je dors avec mon boulot et toute ma vie, tous les jours de ma vie sont tournés autour de mon boulot. » Jean-Brieuc Chevalier, dans son atelier avec son équipe de huit personnes, associe techniques traditionnelles et recherches. Pour la réalisation de broderies à base de perles de nacre, il conçoit au préalable le dessin de l’œuvre sur ordinateur. Une méthode, sans aucune improvisation, qui lui permet d’obtenir une précision extrême et des motifs complexes. « Tous les décors sont dessinés à l'avance, toutes les perles sont mesurées, tous les trous sont programmés. Nous brodons deux fois. Une première broderie à l'ordinateur où on place toutes les perles une par une, où on dessine tout dans le détail de la broderie. Tout est dessiné et décidé à l'avance. Après, il y a la deuxième broderie. Une fois le panneau percé, nous rebrodons entièrement le panneau. Il y a zéro improvisation. Pour l'instant, je ne fais que des décors qui sont perlés. J'utilise des perles qui viennent du Japon, de la marque Miyuki parce que ce sont des perles qui sont extrêmement calibrées. Et comme nous dessinons tout à l'avance, il faut utiliser des perles bien calibrées, surtout à l'échelle, parce que nous faisons des objets avec 60 000 ou 300 000 perles. Nous ne pouvons pas avoir une perle sur deux qui ne soit pas à la bonne dimension. Il faut que tout soit parfait. » Le prix Liliane Bettencourt pour l’Intelligence de la Main, dans la catégorie Talents d’exception a été décerné à Jean-Brieuc Chevalier, cette année, pour la réalisation de son œuvre intitulée Mille fleurs. Cette marqueterie haute couture est un paravent d’inspiration médiévale avec une profusion de fleurs et de végétaux, d’animaux réels ou imaginaires. Un hommage à la tradition de la tapisserie avec une touche contemporaine. « C'est un grand paravent de 2 mètres 80 de haut par 2 mètres 50 de large. Il est composé de six panneaux. C'est un paysage de fleurs entièrement marqueté dans le fond. Tout le feuillage est en marqueterie de bois avec trois ou quatre bois. Tout est rehaussé de broderie. Il y a une dizaine de fleurs différentes qui forment un peu un parterre. Cela remplit à peu près les deux tiers du paravent, les deux tiers bas et le haut. Le bois évoque l'horizon du paysage. Et au milieu de toutes ces fleurs, il y a des petits lapins qui jouent, se baladent dans le paravent, et notamment, il y a un petit lapin qui rentre dans un terrier et qui, deux panneaux plus loin, ressort du terrier. C'est un clin d'œil à la tapisserie de l'Apocalypse que nous avons à Angers. Angers est une ville de la tapisserie. Elle n'a pas la renommée d'Aubusson, ni les Ateliers d'Aubusson, mais c’est une ville très imprégnée par la tapisserie. C'était aussi faire un clin d'œil, un hommage à cette ville dans laquelle je travaille. » Bois, marqueterie, broderie, au-delà du procédé, c’est la passion mais aussi l’innovation qui animent cet artisan d’art. « Je pense que la recherche est évidemment au centre de tout. À la fois sur la technique, la création, motifs, ce que nous voulons exprimer. La technique, oui, parce que quand j'ai commencé la broderie et ce que je fais aujourd'hui, elle n'a rien à voir avec la technique que je faisais. J'avais déjà commencé à faire de la couture sur du bois pendant mes études. Aujourd'hui, j’ai résolu beaucoup de questions sur la réalisation pour que l'ensemble soit vraiment parfait et propre. J'ai mis beaucoup de temps à trouver les bonnes colles, les bonnes solutions. Avant, je brodais sur du placage et maintenant j'arrive à broder sur la marqueterie, la manière de percer a changé aussi. J’ai réussi à changer pas mal de choses quand on a commencé à travailler pour l'Orient-Express, parce que je fais des lits pour le nouvel Orient-Express, pour Maxime D'angeac. Évidemment, les conditions du train ne sont pas les mêmes qu'un meuble, nous avons donc eu pas mal de recherches pour "upgrader" (valoriser) notre technique. Sur le décor, on touche à la fois à l'ébénisterie et sur la broderie, et un peu par extension, à la mode, les applications, les inspirations sont infinies. La broderie, c'est quelque chose de commun à l'humanité. Dans tous les pays, toutes les civilisations, il y a toujours eu des décors brodés. Et la créativité autour de la broderie est infinie, donc il y a encore beaucoup de recherches à faire dessus. » Chêne, noyer ou peuplier, pour la naissance d’une œuvre unique, Jean-Brieuc Chevalier sélectionne le bois le plus adapté. « J'aime beaucoup le chêne, mais le noyer est un bois très doux et soyeux. On va surtout huiler le noyer. C'est un bois qui s'huile super bien et qui est assez sensuel quand on le caresse. Il y a quelque chose d'assez extraordinaire, je pense, avec ce bois et surtout le noyer blond. Le noyer blond est d’une beauté hors du commun. Beaucoup de panneaux bois sont fabriqués en France, nous avons beaucoup d'usines de grands fabricants, que ce soit du mélaminé, du contreplaqué. Les panneaux comme le bouleau viennent de Finlande, de Russie ou d'Ukraine, mais là on n'a pas le choix, parce que le bouleau, c'est un bois qui vient du Nord. Mais nous avons encore beaucoup de bois français. Les gens nous connaissent et je ne sais pas pourquoi, quand une entreprise ferme, on nous appelle : "Est-ce que vous voulez récupérer notre stock de placages ?" Nous avons donc beaucoup récupéré de placages de partout. Nous avons une belle collection de placages que nous n’avons pas achetés, que nous recyclons et que nous utilisons. » Jean-Brieuc Chevalier doit sa reconnaissance professionnelle aux rencontres et surtout à celle de son conjoint qui l’a soutenu, y compris financièrement, à ses débuts. « Nous ne faisons pas une création à deux. C'est lui qui a investi dans mon entreprise, quand j'ai démarré. Il faut toujours aussi quelqu'un qui soit carré dans la vie, parce que moi, je ne le suis pas. Quelqu’un qui aime l'administratif. Les premières années, c'est lui qui faisait ma comptabilité aussi. Il est chirurgien de la main et il m'accompagne. Je pense que sans lui, l'atelier n'existerait pas comme il l'est aujourd'hui. Parce que grâce à lui, je n’ai pas de pression financière de fou. Et cela m'a permis de réinvestir tout ce que j'ai pu gagner avec l'entreprise. J’ai réinvesti dans les créations, les machines. Aujourd'hui nous pouvons faire des choses assez dingues et c'est aussi parce que j'ai eu la chance d'être avec lui. Nous avons trois profils : un profil d'ébéniste qui va fabriquer les meubles, toutes les étapes pour l’ébénisterie, une équipe de marqueterie et une de broderie. Moi, j'ai la chance d'avoir une super équipe. Tous les jours, c’est du bonheur d'aller œuvrer avec toutes les personnes avec qui je travaille. » Abonnez-vous à 100% création 100% création est disponible à l’écoute sur toutes les plateformes de podcasts : PURE RADIO | Apple Podcast | Castbox | Deezer | Google Podcast | Podcast Addict | Spotify ou toute autre plateforme via le flux RSS.  Si vous aimez ce podcast, donnez-lui 5 étoiles et postez un commentaire sur ces applications pour qu'il soit visible et donc encore plus écouté. Retrouvez-nous aussi sur nos réseaux sociaux : Instagram 100% Création | Facebook 100% Création-RFI

Adjiwanou Howandé est une styliste-modéliste togolaise, basée à Abidjan. Cette diplômée de l’École des Arts et de la Mode à travers sa marque Howandé Création redéfinit l’élégance féminine. Elle conçoit des pièces élégantes et soignées qui célèbrent la force et la détermination des femmes contemporaines. Sa mode exprime l’élégance, la liberté, la sensualité, avec un message fort : encourager les femmes à s’affirmer, à connaître leur propre style et à vivre selon leurs principes.   Nous l’avons rencontrée lors du Yas FIMO228 à Lomé.  C'est magnifique parce que quand j’arrive à créer quelque chose qui n'existait pas, que je crée mon monde, je crée une petite magie. Adjiwanou Howandé, fondatrice de la marque Howandé Création   Le Graal, c'est quand j’arrive à transmettre cette magie aux personnes qui ne sont pas forcément "fashion addict", et qu’elles se sentent heureuses de porter une pièce créée de mes mains. C'est vraiment génial ! Adjiwanou Howandé est une styliste togolaise basée à Abidjan. Née à Lomé, elle voulait être généticienne et a commencé à suivre des études en sciences. Lors des semaines culturelles de sa faculté, elle découvre le monde de la mode, devenue une véritable passion. Elle raconte : « Avant même de découvrir ce milieu, j'avais une frustration en tant que cliente dans les ateliers de couture. Les délais n'étaient pas respectés, mes désirs n'étaient pas respectés. Cela a été un déclic, à ce moment-là, autour de moi, il y a énormément de personnes qui avaient cette même frustration, je me suis dit que cela serait une belle porte à ouvrir. C'est de là que tout est parti. » Après avoir décidé de se reconvertir, Adjiwanou Howandé intègre une école de mode à Lomé, où elle se forme en modélisme et stylisme pendant deux ans avant de lancer sa marque en 2012. Cette créatrice indépendante a une organisation flexible mais efficace. Elle travaille principalement seule depuis ses débuts, privilégiant la création à domicile pour concilier vie de famille et passion. « J'ai démarré modestement, je travaillais beaucoup à la maison. Je suis une maman poule avec mes enfants. Jusqu’à maintenant, je fonctionne comme cela. Je travaille seule, mais quand il y a beaucoup de charge de travail, je prends ponctuellement des ouvriers. Quand il s'agit d'un défilé de mode, je commence par la musique et ensuite le choix des matières. Maintenant, quand il s'agit de commandes personnelles, je commence par discuter avec le client et à faire un croquis pour avoir une idée de sa demande et ensuite par rapport au thème de son événement, je lui fais des propositions parce qu'il s'agit aussi de prodiguer des conseils aux personnes qui ne sont pas du milieu pour mieux les guider », explique-t-elle. La créatrice de mode togolaise voit la mode comme un moyen d’évasion et de transmission de ses valeurs, à l’instar de sa collection : la danse des étoiles. « De l'élégance, du glamour, de la sophistication, de la légèreté, la collection raconte tout cela. Elle raconte qu'une femme peut être libre et élégante dans le monde que nous avons aujourd'hui. Elle raconte qu'une femme peut être tout ce qu'elle veut. Il y a des modèles assez séduisants, mais je ne pense pas vulgaires, sensuels, on va dire. Malheureusement, on parle encore et encore du combat des femmes. Cela n'en finit pas parce qu'on n'arrive pas à en voir le bout, donc on va continuer à en parler. Et j'ai envie de dire qu'une femme a le droit d'être ce qu'elle veut vraiment, d'être libre et de vivre et de se découvrir. C'est vraiment cela le message pour les femmes. Apprenez à vous connaître, découvrez-vous, bien sûr dans certains milieux professionnels par exemple, il faut faire des efforts, il y a des codes à respecter. Bien évidemment, quand on est en société, on respecte les autres. À part cela, découvrez-vous et habillez-vous comme vous le sentez », conseille-t-elle. L’inspiration d’Adjiwanou Howandé provient de sources diverses : la rue, avec ses styles urbains et ses expressions culturelles, ainsi que la nature. Elle utilise aussi des techniques qu’elle a apprises lors de sa formation, telles que le travail de la dentelle, devenue une signature dans ses créations. Elle précise : « Souvent, j’utilise de la dentelle qui est brodée. C'est une broderie qui est populaire, mais j’arrive à agencer plusieurs broderies ou à refaire les dessins de sorte à avoir un modèle personnalisé. Cela demande beaucoup de temps et de patience, mais le résultat est toujours unique et moi, j'adore ! Il faut déjà découper et puis réagencer sur le tissu choisi, de sorte parfois à montrer la peau subtilement à des endroits qu'on a choisis. » Dans son parcours, Adjiwanou Howandé a dû faire face à des difficultés. Les réticences de ses proches face à ses choix professionnels, les réticences sociales liées à la reconnaissance d’un métier peu valorisé. « Dans ma famille d'abord, mes parents n'étaient pas d'accord. Mon métier ici, on ne dit pas designer, styliste, on dit couturière d'une manière très péjorative. Cela avait l'air réservé pour les personnes qui ne pouvaient pas ou qui n'avaient pas envie d'aller à l'école, de faire des études. Cela a entraîné des réticences de la part de la famille, des parents, beaucoup d'amis qui m'ont dit : "Mais tu ne veux faire que cela, tu n'as pas d'ambition." Le fait d'avoir une famille, d'être maman aussi, parce qu'il n'y a pas d'heure, il faut pouvoir être prêt à bouger à tout moment. Mais quand on a la passion, on essaie de trouver des solutions et avec un peu de chance, on trouve des personnes sur notre route qui nous soutiennent beaucoup. Il y avait les pressions sociales, j'en étais consciente, mais je n'étais pas atteinte. Cela ne m'a jamais dérangé. J'ai toujours suivi mon propre chemin. J'avais mes propres limites à dépasser et ce n'était pas celles-là. J'avais d'autres combats à mener », affirme-t-elle. Plus que des vêtements, Adjiwanou Howandé véhicule des valeurs fortes à travers son travail. Pour la créatrice togolaise, la mode est plus qu’un métier : c’est une forme d’évasion et d’expression personnelle. Elle voit ses créations comme un moyen de transmettre des messages, qu’ils soient culturels, sociaux ou personnels mais toujours avec de l’élégance, du glamour et de la légèreté. Elle ajoute : « Je suis une personne de nature introvertie, mais j'aime aujourd'hui quand je vois les réactions face à mes créations sans que j’aie à parler à tout le monde. Qu'on me dise "c'est chic, c'est bien, c'est élégant". Des gens arrivent à capter à travers mes créations les choses que j'aime, comment j'aime me sentir, ce que je veux transmettre. J'arrive à atteindre mon objectif. Si je peux passer mon message sans avoir à ouvrir la bouche, juste en montrant mes robes, c'est que je commence à faire du bon travail. J'aurais tellement, tellement de messages. Mais le plus important : n'abandonnez pas vos rêves, n'abandonnez pas vos principes pour rien, pour personne. »       Abonnez-vous à « 100% création »  « 100% création » est disponible à l’écoute sur toutes les plateformes de podcasts : PURE RADIO, Apple Podcast Castbox Deezer Google Podcast Podcast Addict Spotify ou toute autre plateforme via le flux RSS.   Si vous aimez ce podcast, donnez-lui 5 étoiles et postez un commentaire sur ces applications pour qu'il soit visible et donc encore plus écouté  Retrouvez-nous aussi sur nos réseaux sociaux : Instagram 100% Création Facebook 100% Création-RFI 

Fanny Litzia est plumassière, un métier d’art ancien et méconnu, qu’elle pratique avec passion. Elle travaille principalement sur des tableaux de grands formats et propose des créations sur mesure, notamment dans la décoration et l’art contemporain. Cette artiste a su écouter son cœur, suivre ses passions, et transformer ses rêves en réalité. Innovation, poésie et technique, Fanny Litzia dans son parcours navigue entre ses racines et ses passions, afin d’explorer la matière plume sans limites. En premier, la connaissance des plumes. Dans tous mes tableaux, je peux vous dire du premier coup d'œil à quel oiseau correspond quelle plume. Fanny Litzia, artiste et plumassière. Ensuite, il y a des techniques de montage, par exemple pour faire tout le côté très floral, très végétal, où on oublie la matière plume, il y a une manière de travailler la plume. Il y a des termes techniques, on peut parer, frimater, faire des plumetis, friser, coller. Ce sont des techniques que j'utilise au quotidien dans mon atelier. Née en région parisienne, Fanny Litzia, a grandi dans un environnement où l’engagement social et l’aide aux autres étaient au cœur de sa vie professionnelle. Éducatrice de jeunes enfants, elle a consacré de nombreuses années à accompagner des jeunes, des mamans migrantes, des personnes en difficulté. Parallèlement à sa vie professionnelle, elle est percussionniste et danseuse de samba. Passionnée par le Brésil et sa culture, c’est lors d’un voyage à Rio que tout a changé. « J'ai beaucoup voyagé au Brésil, j'ai vécu à Rio et j'ai défilé au carnaval. Je suis partie pendant six mois. J'ai démissionné pour aller vivre cette aventure. Le carnaval, je ne sais pas si vous l'avez déjà fait, mais c'est magique à Rio. Vous avez des plumes par centaines, par milliers. Ça brille, il y a des couleurs, c'est fou, absolument fou. J'ai complètement eu un coup de foudre sur les plumes. J'ai commencé à faire mes propres costumes de samba. C'est là que j'ai connu la plume, évidemment, les strass, j'ai brodé, j'ai fait des costumes de samba entièrement, pour moi, pour d'autres personnes. C'est comme cela qu'est venu l'amour de la plume », raconte Fanny Litzia. En 2022, elle décide de se reconvertir dans la plumasserie. Elle suit donc une formation spécialisée, apprend à connaître chaque plume, à maîtriser les techniques de montage, de coloration, de création : « En autodidacte, j'avais déjà certaines bases parce qu'il faut une certaine dextérité. Dans la vie, je ne suis ni soigneuse, ni patiente, mais avec la plume, je suis soigneuse et patiente. J'avais déjà cette dextérité parce que j'ai toujours fait des choses de mes mains, à côté de ma vie professionnelle. Mais malgré tout, les techniques de plumasserie, ce sont des choses qu'il faut apprendre. Donc, je me suis formée en formation adulte avec le Greta au lycée Octave Feuillet à Paris, c'est le lycée des accessoires de la mode où on peut apprendre la plumasserie, la fleur artificielle, la broderie, etc. » La maîtrise des techniques de montage, la connaissance des plumes, et la recherche constante de nouvelles formes artistiques permettent à Fanny Litzia de transmettre une dimension émotionnelle et poétique à ses œuvres. « J'ai un carnet où je note les idées, ce qui ne signifie pas que je vais tout de suite les faire, mais régulièrement, je le re-regarde. Mon meilleur moment, c'est soit celui où je m'endors, soit celui où je fais des insomnies. Dans ces cas-là, la machine se met en route et je pense à des trucs, ce sont des flashs. Je note et après, je retravaille dessus au fur et à mesure. Mon cerveau, il fonctionne beaucoup. Au début, je regardais ce que faisaient les autres plumassiers, je ne le fais quasiment plus. Pour une raison très simple, la limite est très ténue entre s'inspirer et copier. Il faut l'intégrer, le digérer et se l'approprier. Ce n'est pas aussi simple que cela. Je vais donc regarder d'autres choses qui n'ont rien à voir avec la plumasserie à partir desquelles je vais m'inspirer. Moi, ce sont les graphismes et les couleurs. Et je suis toujours très fière quand quelqu'un m'achète une création parce qu’ils les achètent pas par besoin, mais parce qu'ils ont une émotion », explique Fanny Litzia. Derrière la créativité, Fanny Litzia doit aussi faire face à la réglementation, notamment la Convention de Washington, qui protège les espèces animales. Elle privilégie donc des plumes issues d’espèces non menacées, teintes avec soin pour respecter l’environnement, précise-t-elle : « Pour l'achat des plumes, on doit respecter impérativement la convention de Washington créée en 1973 et régulièrement mise à jour. Elle répertorie les espèces animales et végétales qui sont protégées à travers le monde, évidemment, les oiseaux en font partie. La plumasserie, malheureusement, a fait beaucoup de mal aux oiseaux exotiques. Avant, ce n'était pas protégé, donc on importait, tuait, ce n'était pas un problème. Il y a des espèces qui ont été soit éteintes, soit quasiment en voie d'extinction. Aujourd'hui, c'est extrêmement réglementé. Il y a trois annexes. Si c'est cité dans la première ou la deuxième, nous n'avons pas le droit de l'utiliser. Même si je voyage au Costa Rica où il y a des oiseaux incroyables et que je trouve des plumes ou un oiseau mort, je ne peux pas récupérer ces plumes, je n'ai pas le droit ! » « Je ne travaille qu'avec des espèces qui sont en annexe trois, qui sont, pour des raisons culturelles protégées, mais qui ne sont pas du tout en voie de disparition. Et j'ai un panel déjà suffisamment large. Souvent, les gens, quand ils voient mes créations, ils disent "mais tout ça, c'est sur des oiseaux, mais sur quel oiseau ? C'est dingue, je n’ai jamais vu". Je fais avec ce panel pour les oiseaux de couleur naturelle. Après, il y a des plumes d'oie et des plumes de dinde, celles-ci, je peux les teindre. J'ai donc quasiment des couleurs à l'infini en fonction de la teinture que je souhaite leur donner », poursuit-elle. Fanny Litzia aime voir ses œuvres susciter des émotions. Ses tableaux sont vivants, changeant selon la lumière, la couleur, le mouvement. Ses œuvres poétiques reflètent sa propre énergie. « Mon univers n'appartient qu'à moi. Il n'appartient à personne d'autre. Et s'il y a des personnes qui cherchent à me copier, peu importe, qu'elles le fassent. Moi, j'aurai toujours des nouvelles idées, affirme-t-elle. Parce qu'au fond, la plumasserie, c'est un métier de niche, il y a d'autres personnes qui sont très talentueuses et qui travaillent la plume. Mais mon univers, mon histoire et mes racines, et d'où cela vient, personne ne l'a ».  Abonnez-vous à « 100 % création » « 100 % création » est disponible à l’écoute sur toutes les plateformes de podcasts : PURE RADIO, Apple Podcast Castbox Deezer Google Podcast Podcast Addict Spotify ou toute autre plateforme via le flux RSS.   Si vous aimez ce podcast, donnez-lui 5 étoiles et postez un commentaire sur ces applications pour qu'il soit visible et donc encore plus écouté.   Retrouvez-nous aussi sur nos réseaux sociaux : Instagram 100% Création Facebook 100% Création-RFI

Eliette Lesuperbe est une créatrice de mode passionnée dont le parcours exceptionnel témoigne d'un engagement profond envers l'art, la culture et la transmission. Elle est née en Guadeloupe, mais elle fait rayonner son talent à travers le monde, tout en restant fidèle à ses racines. La passion, la rigueur et le partage ont transcendé les frontières pour cette créatrice de mode qui, à travers ses collections, porte haut les couleurs de ses racines et de sa culture, à l’instar de son défilé lors de l’édition France du Yas FIMO228, organisé par Jacques Logoh, à Paris, samedi dernier. La mode nous permet d'extérioriser des choses et de faire que cela soit beau. Quand nous avons eu mal, cela nous permet de dire j'ai eu mal, mais je peux créer de belles choses, que cela soit quelque chose de posé pour se sentir bien. Eliette Lesuperbe, créatrice de mode de la marque éponyme « Eliette, c'est mon prénom, Lesuperbe, c'est mon nom. Tout le monde me dit que c'est un nom prédestiné, donc la marque, c'est cela. Pour symboliser la marque, j'ai gardé le E d'Eliette, le L de Lesuperbe et le logo, c'est la forme du corps de la femme et le chas de l'aiguille au bout », explique la créatrice. Née à Pointe-à-Pitre, en Guadeloupe, Eliette Lesuperbe a toujours été attirée par l’art et la mode. Dès son jeune âge, elle rêve de créer, d’inventer. Son parcours commence dans un lycée professionnel local, où elle obtient un CAP, puis un BEP en industrie de l’habillement. À 17 ans, elle arrive à Paris pour poursuivre ses études, intègre une école privée de mode, suit une formation de costumière. Avide de découvrir les coulisses de la création, elle fréquente les salons de mode professionnels, tout en travaillant chez Bernard Perris, créateur de mode avant-gardiste. Son talent la mène de Paris à la Jamaïque, mais en 1994, elle rentre en Guadeloupe, et commence modestement. « Il y avait le garage qui était libre et qui avait un accès vers l'extérieur, donc j'ai aménagé. J'ai une petite clientèle, je revenais à Paris de temps en temps et puis quelque temps après, j'ai été repérée grâce à mes vêtements et la Caraïbe a voulu que je vienne, la Jamaïque m'a invitée, raconte Eliette Lesuperbe, J'œuvre avec l'Institut Franco Caraïbes, avec l'ambassade qui m'invite à chaque fois. J'ai eu un Award de leur part. C'est comme cela que les choses se sont enclenchées. Tout en gardant mon identité, ma culture, mon travail parce que ce que j'ai appris à Paris, c'est vraiment ce que j'aime. J'aime l'histoire de l'art, j'aime les tableaux. » Dakar, Montréal, Paris, New York, Eliette Lesuperbe participe aux fashion weeks, reçoit des prix, et collabore avec des artistes. « J'ai fait une collaboration avec un peintre qui s'appelle Antoine Nabajoth, qui est très connu chez nous. Je mélange la peinture et le textile. Un jour, Antoine m'a offert une grande toile. Et quelque temps après, je lui présente un bustier avec cette toile. Cela a été une collaboration artistique. Et autour des bijoux aussi, de temps en temps, quand on arrive à rentrer dans le même monde et que cela se correspond, on arrive à faire des collaborations. J'en fais avec des artistes parce que cela ouvre l'esprit, donne une autre dimension. La mode ne s'arrête pas qu'au textile. Moi, j'utilise pratiquement tout, cela m'inspire », affirme Eliette. Les expériences et rencontres d’Eliette Lesuperbe en Jamaïque, en Afrique ou à Cuba enrichissent sa vision créative. Elle lance sa marque éponyme en 2012, mais elle a plus de 30 ans d’expérience dans le monde de la mode. Son identité artistique, mêlant culture antillaise et savoir-faire français, fait d’elle une figure incontournable au style reconnaissable : « La mode, ce n’est pas simplement la mode. Je suis designer, je fais passer des messages, je soutiens à travers ma marque. Je mets ma culture, mais je mets aussi la qualité du travail, ce que j'ai appris parce que j'aime les matières, j'aime la dentelle, les matières vraiment nobles. À travers mon travail, les gens disent que quand on regarde une pièce, on sait que c'est du Eliette Lesuperbe. Cela veut dire que j'ai une manière de penser, de couper, ils disent "tu as un bon coup de ciseau, tu as des mains en or", ils voient la différence de la manière de penser, la manière dont je vais emboîter, la manière que je vais poser ma pince, de la manière dont je vais rebroder un textile. C'est ma vision, c’est la coupe, mais la créativité aussi. Il y a toujours un petit truc qu'on va retrouver qui m’est propre. » La créatrice guadeloupéenne voit la mode comme un moyen d’émancipation, de confiance en soi et de liberté : « Quand je crée, je peux aller là où normalement, on ne va pas. J’utilise beaucoup de choses. L'imagination est très fertile, je peux me permettre beaucoup de choses. Je crois aussi que dans certains pays, la mode, cela devient une arme. C'est une façon de s'exprimer, c'est une façon de faire passer des choses et des fois, nous n’en sommes pas conscients. Je suis allée dans un pays et les designers ne pouvaient pas tout faire. Tout art nous permet d'avoir une liberté. On ne peut pas nous brider. On va essayer de nous cadenasser, mais c'est une manière de voir aussi le corps de la femme. C'est une manière aussi de soutenir, de dire à l'autre même si tu es comme ça, mais moi je peux t'habiller. On redonne confiance. Je pense que la mode, c'est un vecteur de beaucoup de choses. Simplement, il faut savoir l'utiliser à bon escient et correctement pour avoir une vision très large. » Eliette Lesuperbe a toujours transmis. Depuis ses débuts, elle partage son savoir avec les jeunes créateurs, en étant une figure de mentorat. L’échange et la transmission nourrissent sa créativité : « Garder pour soi des choses ne nous nourrit pas. Nous sommes là aussi pour la transmission, pour laisser des traces. Il n'est pas permis à tout le monde de le faire, tout le monde n'a pas envie de le faire. Mais être égoïste, ce n'est pas bon. Si, par exemple, les jeunes me posent des questions, je suis en droit de répondre parce que j'ai choisi d'être artiste, d'être créatrice, d'être dans la mode. La mode, il faut aussi qu'il y ait d'autres personnes derrière. On n'est pas éternel, non plus. Après, je suis comme tous les créateurs, tous les couturiers. Il y a des choses très personnelles parce que c'est un travail, avec une base, mais après, on a une marque, des techniques propres à chacun. Les jeunes, quand ils sont face à moi, ils sont toujours très étonnés. Ils posent plein de questions, ils sont émerveillés parce que chez nous, je crois que sans prétention, je suis la seule à avoir choisi d'être basée en Guadeloupe et aussi à Paris par transmission. Mais il n'est pas facile d'être aux Antilles et d'être sur d'autres podiums, cela demande beaucoup et quelquefois, ils me posent beaucoup de questions : « Comment ce processus se met en place quand on veut être à l'extérieur ? Je leur explique qu’il faut déjà aimer le travail, être passionné. Ce n’est pas facile ! Tout le monde peut prétendre être styliste, créateur, mais pour sortir du lot, il faut donner un peu de soi. Ce n’est pas facile. » Abonnez-vous à « 100% création » « 100% création » est disponible à l’écoute sur toutes les plateformes de podcasts : PURE RADIO, Apple Podcast Castbox Deezer Google Podcast Podcast Addict Spotify ou toute autre plateforme via le flux RSS. Si vous aimez ce podcast, donnez-lui 5 étoiles et postez un commentaire sur ces applications pour qu'il soit visible et donc encore plus écouté. Retrouvez-nous aussi sur nos réseaux sociaux : Instagram 100% Création Facebook 100% Création-RFI

Pendant la 42e édition des Journées européennes du patrimoine, des lieux magiques, dont certains sont habituellement fermés, ouvrent leurs portes. L’atelier Fonderie ArtCulture de Noufou Sissao et Moussa Ouattara participe à cet évènement. Cette mise en lumière sur l’activité de fonderie d’art à la cire perdue permet à Noufou Sissao, artiste sculpteur-fondeur reconnu, de faire connaitre ses méthodes ancestrales et les technologies modernes qu’il utilise pour réaliser des œuvres d’art. Noufou Sissao est un autodidacte qui a baigné dans les connexions interculturelles. Toutes ses expériences ont enrichi son parcours artistique. Nous sommes allés à sa rencontre dans son atelier en région parisienne.   La création, c'est une continuité. Les créations de mes premières sculptures, quand j'avais 17-18 ans, quand je les regarde aujourd'hui, par rapport à ce que je fais, c'est une continuité de la vie. Pour Noufou Sissao, sculpteur fondeur et co-fondateur de la Fonderie ArtCulture, « la culture n'a pas de frontière ». Il est né au Burkina Faso. Très jeune, il a commencé sa carrière dans le théâtre et le cinéma en tant que décorateur. « Entre huit et douze ans, j'étais dans mon village de naissance. Moi, j'aimais la sculpture. Mon rapport de l'enfance était avec le feu. Je voyais le feu, mais je n'avais pas le droit d'exercer ce métier de forgeron de par mon ethnie, dans le village. J'étais dans le quartier des nobles et les nobles n'avaient pas le droit d’être forgeron. Je n'ai pas eu la chance de faire ce métier. J'ai arrêté l'école en classe de troisième et je me suis dirigé dans le cinéma, parce que mon grand-oncle était un acteur fétiche de Peter Brook, le cinéaste, mon grand-oncle Sotigui Kouyaté, très connu dans le monde du cinéma et du théâtre européen et africain, vivait en Europe. Grâce à lui, je suis rentré dans le théâtre. Quand j'ai arrêté le théâtre, il fallait choisir quelque chose qui me plaisait. Le fait d'avoir été interdit dans ce métier m’a conduit à demander, par le biais de mes connaissances, à continuer dans ce métier du feu et je ne voulais pas faire de la forge, forcément. J'ai choisi la sculpture parce que le travail de sculpteur et le travail sur les décors étaient beaucoup plus propices à faire la sculpture. » Il découvre sa passion pour la sculpture et la fonderie au cours de son enfance avec un attachement particulier pour la technique de la cire perdue. « La cire, cela me renvoie à l'enfance. Cette matière qui a un rapport avec le feu. Quand je rentre dans l'atelier, l'odeur de la cire, c'est l'envie d'avoir le rapport avec une matière, avec le feu. C'est cela qui me plaît beaucoup. À chaque fois qu'il y a une nouvelle naissance d'une œuvre, je pense à la cire. C'est une matière dont je ne peux pas m'en passer. C'est pour cela que nous disons "fonte à la cire perdue". Sans la cire, nous ne pouvons rien faire. » Après avoir enseigné le modelage à Paris Atelier et œuvré dans ce secteur, notamment de nombreuses années à la Fonderie Clémenti, Noufou Sissao crée donc en 2017 avec Moussa Ouattara la Fonderie ArtCulture. « Lorsque je suis arrivé, je faisais la navette entre l'Afrique et la France. Puis, je me suis installé en 2007 en France en tant que fondeur d'art. À ce moment-là, j’ai découvert que le métier de sculpteur n’était pas celui de fondeur. Cela m’a sidéré. Pour moi, le sculpteur, il fond, il crée tout. » « Après mon installation, je me suis rendu au Musée du quai Branly afin de découvrir l'art africain que je n'avais jamais vu. C'est un moment qui est resté dans ma mémoire. J'ai été impressionné, et cela m’a encore plus motivé à suivre mon chemin artistique et à être au service des artistes par le biais de la fonderie. » Le processus de création d'œuvres d'art en bronze et les techniques de fonderie, notamment à la cire perdue, illustrent un savoir-faire technique et artisanal en plusieurs étapes. « Un : le moule silicone ; deux : la cire ; trois : le moule de potée ; quatre : la fusion du métal pour couler dans la pièce ; cinq : la ciselure de l'œuvre complète et enfin six : la patine. C’est plusieurs personnes qui travaillent sur une pièce par rapport à la technique ancestrale africaine, où c'est une seule personne qui fait tout le procédé. Ici, nous sommes polyvalents. Joël va faire le moulage, Didier et Pascal, eux, font la ciselure, Karim et Abou le moulage, moule de potée. Moussa lui fait essentiellement la cire. Moi, ma partie essentielle dans la fonderie, c'est la patine, plus précisément la finition de la patine sur l'œuvre. Enfin, tout le monde se rejoint pour la coulée. » Que ce soit pour des projets personnels ou pour répondre à des commandes, la réflexion sur la création artistique, la recherche de l'expression personnelle sont les défis auxquels se confrontent Noufou Sissao et son équipe. Afin de promouvoir et soutenir la création artistique, il propose des solutions sur mesure. Il met à la disposition des artistes son savoir-faire et son expertise à chaque étape de la création. « Pour l’entreprise, décrit-il, on est au service des artistes. Les artistes nous apportent leurs projets, avec leurs modèles. Nous, on regarde ce modèle, on estime le temps de travail et la prestation qu'il faut pour l'œuvre. Une fois que nous sommes tous en accord, on entame la technique de procédure de la fonderie d'art. Pendant les Jeux olympiques, nous avons rénové, place de la Concorde, douze bronzes à patiner sur place. Cela a été une de nos plus grandes réalisations. Pendant un mois et demi, avec nos chalumeaux, nous avons patiné les bronzes afin qu’ils soient parfaits pour cette période. On travaille également pour des mairies : pour la ville de Dourdan, on a réalisé le buste de De Gaulle qui se situe dans la mairie de cette dernière. D’un autre côté, lorsque l’on travaille pour un artiste contemporain dont la création n'a rien à voir avec les sculptures du passé, cela nous permet de donner de l'avenir à notre métier (notamment avec les tirages imprimante 3D). Aujourd'hui, on travaille, on collabore avec des entreprises qui nous apportent des modèles à partir des tirages imprimante 3D. On travaille également pour des designers, pour l'immobilier et pour certaines boutiques parisiennes. » L'amour du travail, du feu, de la cire et du bronze symbolisent le parcours de Noufou Sissao et sa connexion à l'art.« C'est très difficile d’alterner entre la gestion de la vie de l'entreprise et la création. J'ai du mal à me concentrer. Pour moi, les plus beaux moments de ma créativité ont été les moments où j'avais une liberté totale de faire à 2 ou 3 heures du matin une œuvre. Celles créées durant ces moments-là ont vraiment donné de beaux résultats. Maintenant, avec la vie de l'entreprise, je me donne d'autres moments pour cela. Plus tard, je pourrai m'investir dans la vision de différents projets, les faire naître. Ce qui est le plus important, c'est de garder le métier avant de penser à soi-même pour le moment. » ► Abonnez-vous à 100% création 100% création est disponible à l’écoute sur toutes les plateformes de podcasts :  Pure radio | Apple Podcast | Castbox | Deezer | Google Podcast | Podcast Addict | Spotify ou toute autre plateforme via le flux RSS.   Si vous aimez ce podcast, donnez-lui 5 étoiles et postez un commentaire sur ces applications pour qu'il soit visible et donc encore plus écouté. Retrouvez-nous aussi sur nos réseaux sociaux : Instagram 100% Création | ​​​​​​​Facebook 100% Création-RFI

Didier Ahadji est un artiste togolais, sculpteur de métal. Il fait naître des sculptures à partir de tôles de voitures anciennes récupérées. Une démonstration saisissante d’économie circulaire, de maîtrise du métal et d’imagination. Cet artiste soudeur démontre que l’art peut naître du quotidien et du réemploi. Ses sculptures nous invitent à regarder autour de nous et à être attentifs aux interactions humaines comme autant de sujets universels. Nous avons rencontré Didier Ahadji dans son atelier à Lomé, au Togo, où il vit et travaille, poursuivant son engagement artistique empreint de sincérité, de poésie et de sensibilité sociale.    « Quand je rêve la nuit, je crée des choses, grâce à mon imagination. Je me lève pour dessiner, pour écrire quelque chose. Ensuite, le matin lorsque je viens au travail, je vais commencer la création. »  Didier Ahadji artiste soudeur togolais, sculpteur de métal.  « Un jour, j’ai espéré que les gens s’intéressent à ce que je faisais. » Dès son enfance, Didier Ahadji fabrique des jouets en fer pour lui et ses amis.   « Durant mon enfance, c'est tout le temps ce que j'étais en train de faire. J’ai commencé avec des boîtes de conserves de tomate, de sardines. C'est dans mon sang, j’ai toujours aimé cela », raconte-t-il. Durant son adolescence, Didier Ahadji vend ses premières sculptures au grand marché de sa ville natale, Vogan. Jeune adulte, il travaille d’abord comme apprenti puis comme carrossier soudeur à Lomé. Après sa journée de travail, il s’installe dans la rue afin de vendre ses créations aux passants, essentiellement des touristes. C’est là que tout a commencé.  « Avant, j’exposais au bord de la route. Quand les gens passaient, ils regardaient. Il y a notamment un Européen qui passait souvent et qui était très intéressé. Il m’a énormément aidé. D’origine allemande, il expose à travers tout son pays. Après cela, j’ai longtemps travaillé avec Monsieur Ogawa. Lui aussi, il expose dans son pays natal, la Chine. Et enfin, monsieur Jean-Yves Augel a également collaboré avec moi, longuement. C'est pourquoi on m’a reconnu à travers le monde entier », explique-t-il. Cet artiste soudeur décide en 1994, à 24 ans, de se consacrer pleinement à la sculpture en utilisant principalement des matériaux recyclés tels que des bidons en tôle et des pièces de voiture. Découpe, soudure et peinture donnent naissance à des sculptures hyperréalistes mêlées de poésie et d’humour souvent inspirées de la vie quotidienne. La tôle de voitures anciennes est une matière première à la fois humble et précieuse. Ce matériel exige aussi une vraie maîtrise technique du métal pour devenir une scène, un décor, une histoire. « Ce qui se passe, c'est cela que je regarde lorsque je marche sur la route. Je regarde partout et notamment au marché. De même, lorsque je commence mon travail, j’imagine et je regarde. Avant, il y avait beaucoup de tôle, ce qui n’est plus le cas maintenant. Aujourd’hui, il est très difficile d’en trouver. Néanmoins, je me promène toujours pour en chercher. Je finirai par en trouver », explique-t-il. À travers les noms évocateurs de ses œuvres comme Déménagement à vélo, Revendeuse de pagnes ou encore Transport scolaire, Didier Ahadji porte un regard plein d’esprit et de sensibilité sur la condition humaine et les enjeux sociaux : « Les gens s’intéressent beaucoup aux choses qui se passent dans la vie quotidienne. Néanmoins, si le client vient avec sa propre idée, son rêve qu’il m’explique clairement, je peux aussi le faire. En coopérant avec lui, je lui fais le dessin au crayon ». Le processus de fabrication des œuvres de Didier Ahadji est rigoureux et pensé en plusieurs étapes. D’abord la découpe, ensuite la pose de mastic, puis le ponçage et l’application d’une peinture acrylique, et enfin le décor avec des motifs rappelant les vêtements des personnes représentées. Tout cela demande patience et précision, la sculpture n’est pas instantanée, elle est bâtie pas à pas. « Le processus de création entier d’une sculpture va prendre trois ou quatre semaines. On commence par faire le mastic, puis le ponçage, la peinture intérieure, la teinte, et enfin on va décorer la chemise ou bien le pantalon », confie-t-il. En parallèle de ses créations, Didier Ahadji n’a jamais cessé d’effectuer des travaux de carrosserie. Il a ainsi formé de nombreux apprentis. Toutefois, même si la diffusion du savoir demeure un enjeu et un défi, ses créations artistiques sont, selon Didier Ahadji, un don qu’il ne peut transmettre. « J’ai eu beaucoup d'apprentis, plus de 30 personnes. La plupart sont partis. Pour les sculptures, il a été difficile de léguer mes connaissances. Lorsque tu n'as pas de sagesse, de patience, que tu es avide d’argent, tu ne peux pas faire ce travail. C'est pourquoi cela s’est avéré très compliqué pour beaucoup d’apprentis et je n’ai pas voulu forcer. Seulement le travail de voiture a pu être transmis, j’ai un apprenti pour ce domaine », raconte-t-il. 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 Aujourd’hui, émerveillement, questionnement et appropriation avec Muriel Blanc Duret, une artiste textile spécialisée dans le tissage d’œuvres d’art uniques. Après une carrière dans le conseil et le management, elle procède à une reconversion vers le tissage et les tapis. Elle quitte son cadre habituel pour s’installer à Aubusson, mondialement connue comme la capitale de la tapisserie. Formée à la Cité de la Tapisserie et sur différents métiers jusqu’à maîtriser des techniques multiples, le parcours de Muriel Blanc Duret est celui d’une reconversion consciente et réfléchie guidée par le sens et la matière qui sont au cœur de sa pratique artisanale et artistique. Plus que la création, c'est la capacité de l'homme à créer qui m'intéresse. Je ne suis pas venu pour faire ce que d'autres font déjà très bien. Je suis venu pour explorer de nouveaux univers, de nouvelles possibilités, de dépasser de nouvelles contraintes, d'inventer peut être des choses, ou en tous cas dans la conjugaison des techniques d'inventer quelque chose qui me soit personnel, qui me soit propre et qui contribue aussi à ma signature. Muriel Blanc Duret, artiste textile et fondatrice de l’atelier Tributs. « J'ai pris la décision de changer d'orientation professionnelle et d'embrasser une nouvelle carrière, au mi-temps de ma vie. J'ai eu des rencontres qui ont été extraordinaires, qui m'ont facilité la vie. C'était un bilan qui me permettait de dire merci. J'ai pu faire ce que j'avais envie de faire, le dire et le déclarer avec le nom de marque qui est aujourd'hui le mien : c'est Tributs, donc, je paie mon tribut et je sais ce que je dois. Je me rappelle ce que je dois et à qui je le dois, sans être dans la vassalité. Mais sans oubli », précise-t-elle. Muriel Blanc Duret est née à Lyon, dans le sud-est de la France. Après ses études à Sciences Po Lyon et une année en marketing à Clermont-Ferrand, elle débute une carrière dans le conseil en architecture évènementielle, tertiaire et commerciale en tant que cadre dirigeant et consultante. À mi-parcours de vie, elle opère une reconversion vers le tissage et les tapis. Muriel Blanc Duret a ressenti le besoin d’une quête de sens après une vie professionnelle intense : « Comme beaucoup, j'étais un cadre débordé, proche de la rupture et il fallait absolument que je fasse autre chose sous peine de presque de mourir, c'est ce que je ressentais à ce moment-là. J'aimais beaucoup ma vie professionnelle, mais elle était devenue excessive donc dangereuse pour ma santé. J’ai, donc, entamé une réflexion et je suis allé chercher ce que j'aimais fondamentalement. J'aimais deux choses le tissage, plus précisément les tapis. Et puis j'aimais les mots et je me suis interrogé longtemps. Est-ce que je vais faire le choix des mots ? Et puis le tissage, c'était une folie. » « Finalement, il y a une histoire importante autour du tapis. Pendant 30 ans, j'ai arpenté la planète et je l'ai arpenté en priorité en partant vers l'est. En partant vers l'est, j'ai reçu une hospitalité que je ne pourrai jamais rendre. Cela a commencé en Europe centrale jusqu'à la chute du mur Berlin. Et puis avoir connu l'ouverture formidable des frontières de l'est, je n'ai jamais cessé d'aller vers l'est. Plus on va vers l'est, plus on croise des tapis, on rencontre les cultures du tapis. J'ai beaucoup vécu, mangé, dormi, fait connaissance sur les tapis. Quand je me suis questionné sur le tissage, finalement c'était une évidence que de faire des tapis, que de tisser des tapis pour rendre un petit peu ce que j'avais reçu. » Muriel Blanc Duret quitte peu à peu son ancien cadre de vie pour s’installer à Aubusson, où elle suit une formation à la Cité de la Tapisserie : « Je voulais une technique à forte valeur ajoutée parce que j'ai une vision business de mon projet. Dans la Creuse, il y avait de quoi me former, tout l'écosystème, toute la chaîne de valeur était là. Je suis parti en pleine pandémie, c'était un saut dans le vide et c'est resté un saut dans le vide. Aujourd'hui encore, je continue de me dire que c'est une folie. Mais j'aime vivre avec cette folie, c'est à dire la part d'étourdissement que cela me donne et qui est un étourdissement qui est sain par rapport à ce que je vivais précédemment, mais qui me minait petit à petit. J'ai utilisé mes droits à la formation en les complétant un petit peu, j'ai pu apprendre à tisser dans l'orthodoxie aubussonnaise pendant huit mois. Au terme des huit mois, j'ai pris la tangente tout de suite, dans un premier temps, en changeant de type de métier à tisser, parce qu'au niveau ergonomique, le métier aubussonnais ne me convenait pas particulièrement. J'ai réappris à tisser sur un métier vertical comme ceux de la manufacture des Gobelins. » « J'ai commencé à explorer toutes les techniques qui allaient me permettre d'arriver à la vision que je me faisais des tapis. Ce que j'avais appris Aubusson était une très bonne base, mais n'était pas suffisant. J'ai quêté de nouvelles techniques et aujourd'hui je conjugue de manière tout à fait singulière, et je pense tout à fait unique, un certain nombre de techniques : américaines, andines, macramé, qui me permettent d'arriver à mes fins. » Le travail de Muriel Blanc Duret est pensé pour des pièces volumineuses et conceptuelles. La laine locale est issue des filatures et ateliers proches d’Aubusson, avec une logique de circuit court. « En étant Aubusson, je fais avec ce qui est. Je fais avec la laine qui est filée à proximité. Nous avons la chance à Aubusson d'être à proximité de deux filatures, une qui me fournit un fil de qualité français costaud, qui n'a jamais trop été utilisé pour le tapis, mais quand j'ai démarré, j'ai fait des tests et cela fonctionnait. Je me fournis à Felletin, à une dizaine de kilomètres de mon atelier, donc le fil est disponible, c'est pratique. Les membres de la Filature, c'est une filature familiale, font partie de l'écosystème et en étant installés sur place, nous sommes peu nombreux finalement dans la Creuse, nous nous connaissons tous. Je les connais. Cela me fait plaisir aussi d'aller leur rendre visite. Et j'ai une autre source d'approvisionnement qui n'est pas la laine, ce sont les fins de cônes. Une fois qu'une pièce a été tissée, et cela peut être dans les grandes manufactures comme dans les ateliers plus modestes, soit les pelotes, les fins de cônes sont conservées, soit ils vont finir par prendre la poussière dans un coin. Moi, je les achète ou on me les donne dans le cadre de ma palette colorielle. Je fais donc avec ce que j'ai et je trouve cela plaisant, cela impose une certaine sobriété et on ne peut plus tendance pour le coup ! Mais je pense que c'est la vie dont j'avais besoin. Cette reconversion, elle répond à cela aussi, à me recentrer, à me réinscrire dans la terre. Je me sens pleinement bien dans le Massif central et réinstallé dans la Terre », raconte-t-elle. La pratique de cette artiste textile interroge l’époque et l’histoire : pouvoir, orgueil et dynamiques sociétales sont traduits en motifs et en langage visuel sur ses œuvres. « Ce qui m'intéresse, c'est la vie des hommes, la marche du monde. Le début du processus créatif, c’est un sujet. Une fois que j'ai déterminé et pris position par rapport à un sujet. Et, il y a énormément de sujets qui me préoccupent et en même temps que j'ai envie d'émerveiller un peu. Une fois que j'ai pris position, je vais rentrer dans un processus créatif assez classique, c'est-à-dire que je vais chercher la source qui va générer le graphisme de mes œuvres et de mes tissages. On peut prendre l'exemple de la tiare de Babel et qui est aussi significative à la fois de mon amour pour les mots, de mon amour pour le concept et du processus. La tiare de Babel parle de l'orgueil. L'orgueil aujourd'hui fait partie de ce qui met le monde en mouvement. J'observe celui de certains dirigeants, qu'ils soient politiques, qu'ils soient économiques. Il est inspiré par la tour de Babel, puisqu'on reprochait aux bâtisseurs de la Tour, de vouloir gagner les cieux et d'être orgueilleux de pouvoir le faire. Ce tapis est aussi inspiré de la tiare papale. Une petite tiare de Calder qui, comme la tiare papale, reprend trois niveaux. Je pose le sujet et j'observe que les autorités, quelles qu'elles soient, y compris religieuses, cherchent aussi à se hisser vers les cieux. Avec ces supports graphiques que je vais entremêler, avec les mots avec lesquels je vais jouer, parce que plutôt que de parler de la tour de Babel, je parle de la tiare de Babel. Je vais me servir de la proximité phonétique des mots pour à la fois donner un nom à mes pièces et leur donner une physionomie et une forme », explique-t-elle. Muriel Blanc Duret travaille avec d’autres artisans : tourneurs sur bois, tapissière, ateliers d’Aubusson et acteurs culturels afin que ses pièces prennent vie : « Je positionne mes tapis soit au sol, soit sur des rouleaux et quand ils deviennent des rouleaux, ils sont une promesse de l'histoire que chacun raconte et ils sont un peu plus énigmatiques. Ils ressemblent à des Torahs anciennes ou à des parchemins, des manuscrits enroulés sur des barres. Pour que ces tapis puissent exister sur les rouleaux, j'ai besoin d'un tourneur sur bois, donc, je travaille avec un tourneur dans la Creuse. Je travaille avec une tapissière qui a trouvé une bonne solution en positionnant des sangles sur les barres qui me permettent de solidariser les tapis avec les barres, de sorte qu'ils puissent tenir à la verticale. » « Et c'est la position que je leur souhaite quand ils ne sont pas déployés sur le sol. Je suis solitaire pendant une partie de mon travail et de toute manière, le tissage, c'est, je crois, une activité, un métier, un artisanat qui nécessite d'être seul, c'est-à-dire, je m'abîme dans tissage, il y a un moment où j'atteins cet état et je m'abandonne à tisser. À ce moment-là, c'est important d'être seul. Mais il est tout aussi important d'être impliqué dans l'écosystème et de profiter, dans le bon sens du te

La série estivale de 100% Création consacrée aux métiers d’art du Mobilier national, se termine avec Paul Laroche. Ce jeune talent de l’atelier-école, prépare la relève de ces artisans d’art. Le Mobilier national propose, aussi à travers son École des arts textiles, des formations complètes sanctionnées par des diplômes de l’Éducation nationale (CAP et BMA, brevet des métiers d’art). Grâce à ces formations, les élèves acquièrent des compétences techniques en tissage : tapisserie de haute-lice, basse-lice, de savonnerie et en restauration de tapis et tapisserie. Cette formation longue et exigeante permet d’atteindre l’excellence dans ces métiers d’art, qui mêlent habileté manuelle, créativité et respect du patrimoine. Ce dernier épisode est consacré à Paul Laroche, étudiant BMA en basse-lice à l'École des arts textiles au Mobilier national. Un étudiant qui croit en l’avenir de l’artisanat. Globalement, j'aime créer. Je ne fais plus du tout de textile maintenant à côté parce que je n'ai plus besoin de beaucoup créer pour ne pas le montrer. Quand je crée, c'est pour offrir des cadeaux. « J’ai besoin de la création par cycle, explique Paul Laroche, étudiant BMA Haute-Lice. Il y a des moments où je ne vais rien faire pendant un mois et cela me va très bien. Il y a des moments où, j'ai envie de dessiner pendant une ou deux semaines, je ne vais faire que cela sur carnet, iPad. Dans un atelier, il y a de la productivité à avoir, une productivité que je ne suis pas obligé d'avoir dans ma création personnelle. » Né à Villeneuve-Saint-Georges, près de Paris, Paul Laroche, dès son jeune âge, manifeste un attrait pour les arts, notamment le dessin, la gravure et la typographie. Après un baccalauréat littéraire (bac L), il obtient un master en design typographique. Une fois ses études terminées, il exerce dans une petite société d’événementiel comme directeur artistique. Son envie de se reconvertir dans une profession manuelle s’est renforcée pendant la pandémie du Covid-19. Il se tourne vers un métier manuel et artisanal, plus proche de ses passions pour le dessin, la gravure, le bois, et le textile, et il s’engage dans une formation au métier de licier en tapisserie à École des Arts textiles au Mobilier national. « Je suis resté au chômage partiel plus longtemps que la moyenne des gens qui y sont restés pendant le Covid-19. J’ai eu le temps de réfléchir à ce que j'aimerais bien faire, parce que le métier de graphiste ne me plaisait plus. J'étais trop sur mon ordinateur, je ne retrouvais pas tout ce que je faisais à la main, que je faisais dans mes études : du dessin de lettres ou même juste de la peinture ou de la gravure. J'ai voulu retourner vers plus d’artisanal, plus de manuel. Je regardais aussi beaucoup tout ce qui était métiers du bois, parce que j'aime bien ce travail aussi, même à côté encore aujourd'hui. J'avais des amis qui étaient dans la formation. Je discute un peu avec eux. » « Puis, j'ai fait les journées portes ouvertes. Je m'intéressais déjà au textile, je faisais de la broderie, j'avais vu plusieurs expos, des tapisseries, à la Galerie des Gobelins. C'est un milieu qui m'intéressait, mais c'était un peu opaque parce que, en soi, le Mobilier national, on connaît tout ce qui est collection de meubles, restauration, tout ça, mais pas forcément les ateliers de création. Quand j’ai su qu'il y avait aussi des ateliers de création. C'est cela qui m'a aussi intéressé. » Pour sa candidature à la formation au métier de licier en tapisserie, Paul Laroche a préparé un dossier. « J'avais pas mal de linogravures, donc j'ai mis un peu de linogravure pour montrer que je maîtrisais mes mains, vu que c'était une formation textile. Je faisais un peu de broderie, donc je me suis mis à faire des pièces spécifiques pour les présenter. J’avais un petit métier de table chez moi, donc j'ai fait des échantillons de tapisseries et j'avais aussi montré des projets de typographie parce que je savais qu'il y avait quand même du dessin dans la formation. Dans le métier, plus tard, il faut avoir une main assez souple dans le trait de dessin, même quand on réalise des calques. Donc j'ai montré tout cela en dix minutes, j'ai distribué un peu à tout le monde tous mes échantillons au hasard. Le jury a posé des questions, mais j'avais bien préparé mes explications de techniques », raconte-t-il. Paul Laroche a choisi la tapisserie de basse-lice, c’est-à-dire sur un métier horizontal : « Contrairement à la haute-lice qui est un métier vertical, la basse-lice est un métier horizontal avec la chaîne qui se croise directement et qui se décroise en activant les pédales qui sont en bas. Cela s'appelle basse-lice parce que les lices sont attirées par les pédales qui attirent la chaîne, les lices sont vers le bas, d’où le nom basse-lice. Quand on lice, les lices sont en haut au-dessus de la tête du licier. Nous avons juste à faire un coup sur deux sur la pédale pour croiser la chaîne, et ensuite la flûte passe dans les chaînes. Notre fils dans les chaînes, on appelle cela une passe en basse-lice. Pour faire notre tissage, on fait un coup sur deux de la pédale et après on gratte, on tasse, cela fait notre trame. » Sa formation, d'une durée de quatre ans, a permis à Paul Laroche d'acquérir des savoir-faire techniques en tapisserie et de découvrir l'étendue de ce métier. Passionné par la technique du tissage, les couleurs et l'histoire de l'art appliquée au textile, Paul Laroche aime aussi la précision et la préparation rigoureuse que la tapisserie requiert, ainsi que le lien entre création et conservation patrimoniale : « Nous créons du patrimoine, mais nous le conservons en même temps, en conservant cette technique et en utilisant à peu près les mêmes outils qui étaient utilisés encore il y à cinq siècles. Adaptés et améliorés parce que maintenant, au Mobilier, nous ne sommes plus sur des métiers en bois, mais sur des métiers en fonte. Il y a tout ce côté patrimonial qui m'intéressait aussi. En entrant en création, j'étais plus intéressé par tout ce qui était création et moderne. La création d'aujourd'hui est le patrimoine de demain. » À la fin de sa formation, Paul Laroche veut passer et obtenir le concours d'entrée dans la fonction publique afin d'intégrer la manufacture de Beauvais ou celle des Gobelins. À savoir le Mobilier national. « Nous avons des épreuves d'histoire de l'art écrites et orales, une épreuve technique, écrite et orale aussi et des épreuves de dessin. Nous allons dessiner des pièces des collections, donc mobilier ou décoration. Il y aura aussi une épreuve étude de rythme, un exercice classique de dessin, à partir d’une œuvre nous devons faire un croquis avec des contrastes de lumière, un autre avec les lignes de force ainsi qu’une explication détaillée. Ensuite, il y aura une épreuve de cinq semaines de tissage à partir d’un échantillon d'une tapisserie qui a été tissée aux Gobelins, échelle une. Nous devrons le reproduire en cinq semaines de manière assez libre entre guillemets, comme à l'atelier où nous choisissons la technique, les mélanges de couleurs, etc… Les couleurs sont imposées pour nous faciliter la tâche, mais assez libres. Cela reste assez sportif de finir un échantillon de 40 sur 40 en cinq semaines avec la pression du concours. Puis, après le concours, en fonction des besoins des ateliers, c'est forcément intégré vu que je suis en basse-lice à la manufacture de Beauvais, donc soit Beauvais Ville, soit Beauvais Paris. » Abonnez-vous à « 100% création »  « 100% création » est disponible à l’écoute sur toutes les plateformes de podcasts : PURE RADIO, Apple Podcast Castbox Deezer Google Podcast Podcast Addict Spotify ou toute autre plateforme via le flux RSS.   Si vous aimez ce podcast, donnez-lui 5 étoiles et postez un commentaire sur ces applications pour qu'il soit visible et donc encore plus écouté.  Retrouvez-nous aussi sur nos réseaux sociaux : Instagram 100% Création Facebook 100% Création-RFI.

100% Création poursuit sa série été consacrée aux métiers d'art du Mobilier national, en neuf épisodes. L'atelier restauration mobilier contemporain de l'établissement public dédié aux arts décoratifs joue un rôle essentiel dans la conservation des meubles contemporains en assurant leur entretien, leur restauration et leur mise en valeur dans des lieux emblématiques comme l'Élysée ou les ministères.   Cet épisode est consacré à Sandrine Bandeira, tapissière d'ameublement à l'atelier restauration mobilier contemporain. Avec patience et expertise, son travail, discret mais essentiel, témoigne de son attachement au patrimoine français et conjugue le passé et le futur. « Nous avons de grands ateliers lumineux, expose-t-elle. Nous travaillons avec du beau textile fabriqué en France. Nous y faisons attention, c'est important de travailler avec de beaux matériaux. Au bout d'un an au Mobilier national, j'ai travaillé avec Pierre Paulin, un designer. C'est un souvenir qui m'a marqué. C'était le premier avec qui j'ai travaillé. Cela étant, j'ai eu Pierre Bocher, Noé Duchaufour-Lawrance, j'ai travaillé pour le Palais de l'Élysée... Nous allons dans des lieux superbes, des ministères, des lieux importants pour la France. Les premières fois, je me suis dit "je suis quand même au palais de l'Élysée !". Mais maintenant, je connais les lieux par cœur. » Née à Châteaubriant près de Nantes, à l'ouest de la France, Sandrine Bandeira, dès son plus jeune âge, s'est intéressée au métier de tapissier d'ameublement, notamment grâce à une famille de menuisiers, et à la décoration d'intérieur. Elle débute sa formation par un CAP en tapisserie d'ameublement, suivi d'un brevet technique en garniture du siège effectué en alternance. Elle découvre le Mobilier national grâce à des documentaires. « Des reportages que je voyais à la télévision, et je me disais ''pourquoi pas un jour travailler dans cet institut'', retrace-t-elle. Par le biais de la famille qui était à Paris, j'ai pu passer le concours. Je l'ai eu et je suis arrivée dans cet atelier de restauration de sièges contemporains. Au départ, c'était pour faire la restauration de sièges traditionnels en garniture, comme je l'ai appris. Ensuite, il y a eu une place dans cet atelier qui venait d'être créé par Nathalie Célas. Il y avait un besoin de restauration de sièges contemporains, donc elle m'a pris dans son équipe. Maintenant, je restaure les sièges contemporains, quand on dit ''contemporain'', c'est en mousse. » Après plusieurs années d'expérience en artisanat et en industrie, elle rejoint le Mobilier national en 2007. Ici, le mobilier contemporain est déterminé par rapport à la garniture. Pour la période traditionnelle de tapisserie, la garniture est en crin d'animal ; pour la période contemporaine, la garniture est en mousse. Tout ce qui est garni en mousse passe donc par l'atelier dans lequel travaille Sandrine Bandeira, où il faut avoir de la curiosité pour de nouvelles matières. « Même en maîtrisant la mousse, il y en a différentes, avec des façons différentes de poser, fixer. Et c'est cela qui est intéressant, parce que finalement, cela change, explique la tapissière. Un siège traditionnel, il y a des étapes qui ne changent pas, c'est toujours le sanglage, le guindage, la mise en crin. Alors qu'avec la mousse, cela peut être d'autres façons de faire. Il faut toujours jours réfléchir, regarder l'objet terminé avant de le commencer. Il faut avoir l'image de la forme finale en mousse. Alors que le traditionnel, ce sont toujours les mêmes étapes. Bien sûr, il ne faut pas changer l'aspect du siège, trouver des solutions pour rester dans le même modèle que le designer ou l'artiste a dessiné. Rester dans son idée, donc à nous de nous adapter. »   À la réception du mobilier, il y a plusieurs étapes que Sandrine Bandeira renseigne, en détail, dans un document. « Dans un dossier de restauration, nous allons mettre la photo d'avant la restauration dans l'atelier, détaille-t-elle. Tous les sièges ont un numéro d'inventaire – par exemple GMT pour Garde Meuble Tapissier –. Avec un numéro, nous mettons la date du début de la restauration et la date de fin. Comme cela, nous savons combien de temps nous avons passé pour le restaurer. Nous indiquons aussi l'état du textile, de la garniture, s'il y a des rayures, les matériaux à utiliser, les sangles, le tissu et sa référence, le jersey, la couleur, le fil utilisé... Si par exemple sur un siège, sur la housse, il y a une surpiqûre, une couture apparente, la couleur sera indiquée, et la mesure du point pour refaire à l'identique. Ensuite, nous mettons les étapes ​​​​​​​: le dégarnissage avec des photos d'illustration, la réalisation, des petits échantillons du tissu, du jersey. Et enfin, nous mettons une photo de la restauration terminée. »  La maîtrise des techniques traditionnelles de tapisserie d'ameublement associée à la capacité à intégrer les innovations technologiques, ainsi que des outils adaptés aux sièges contemporains, sont nécessaires à l'exercice du métier de Sandrine Bandeira. «​​​​​​​​​​​​​​ ​​​​​​​Pour donner la forme, nous utilisons des scies à mousse, indique-t-elle. C'est une sorte de couteau électrique. Souvent, les assises, ce sont des mousses fermes et un peu plus souples au niveau du dossier. Les mousses arrivent en bloc. Nous faisons donc différentes coupes au plus près de nos repères. Cela nous arrive de brosser la mousse pour vraiment donner une forme. Ensuite, il y a de la ouate et le jersey. Dans le traditionnel, le siège est mis en blanc. Dans le contemporain, nous ne mettons pas une toile blanche, mais du jersey qui peut être gris. Il faut donner la forme finale avant de poser le tissu. Nous ne mettons pas le tissu directement sur la mousse. »  Passionnée par la restauration de sièges contemporains, Sandrine Bandeira a collaboré avec des designers de renom comme Pierre Paulin à ses débuts au Mobilier national, et aujourd'hui, elle participe à la restauration du salon crée par le designer français : « Sur un mobilier comme le canapé Paulin que nous allons restaurer cette année, nous allons consulter les photos, quelques documents à l'atelier de recherche et création, expose-t-elle. Nous nous documentons avec les livres, et puis, nous allons dégarnir, garder le tissu pour voir la quantité qu'il faut. C'est dans le dégarnissage que nous allons apprendre des choses pour commander le cuir. Ici, c'est du cuir retourné. C'est une entreprise extérieure qui est venue pour son expertise sur le cuir. Nous avons échangé pour savoir ce qui pourrait ressembler le plus possible à ce qui était d'origine, retrouver les couleurs, parce qu'il y a eu des nettoyages, des tâches… Au dégarnissage, nous avons vu que la structure en métal était rouillée. C'était la colle néoprène utilisée à l'époque. Aujourd'hui, nous pouvons trouver d'autres moyens avec d'autres colles pour fixer la mousse. La structure doit être nettoyée à l'extérieur. Tout ce qui est structure, nous n'y touchons pas. S'il y a du bois, il y a un atelier au mobilier national qui peut le restaurer. Nous allons faire un dessin, un plan de coupe au niveau de la mousse, au niveau du tissu, tous les matériaux dont nous avons besoin, puis faire des gabarits. Nous travaillons avec l'atelier qui est à côté, l'atelier des tapissières pour faire les housses. Tout ce qui est couture, à la machine ou à la main, est réalisé par les tapissières. »   La veille technologique et la transmission du savoir-faire aux générations futures font également partie intégrante des missions de Sandrine Bandeira afin de maintenir l'excellence française dans le domaine du mobilier d'art. «​​​​​​​​​​​​​​ Je commence à transmettre, livre-t-elle. Dans notre équipe, le plus jeune, c'est Alexandre. À l'origine, il n'est pas tapissier, mais après avoir passé son examen tapissier d'ameublement, comme moi, il est passé par le traditionnel avant d'arriver au contemporain. Il y a donc beaucoup de choses que je lui transmets parce que lui, il a vraiment vu tout ce qui était garniture des sièges. Mais il faut plus que deux ans de formation pour connaître les techniques, les outils à utiliser. Avec Nathalie, nous lui transmettons le savoir-faire du tapissier d'ameublement. Il apprend très vite. Tout le monde a des méthodes différentes. Moi, j'ai appris dans le privé. Puis, quand je suis arrivée ici, il y avait d'autres méthodes. Au début, il faut écouter ceux qui ont l'expérience. Après, avec les années, nous aussi, nous commençons à avoir l'expérience et à choisir la façon avec laquelle nous sommes le plus à l'aise pour travailler. »   Abonnez-vous à 100% création 100% création est disponible à l'écoute sur toutes les plateformes de podcasts : PURE RADIO, Apple Podcast, Castbox,  Deezer, Podcast Addict, Spotify ou toute autre plateforme via le flux RSS.   Si vous aimez ce podcast, donnez-lui 5 étoiles et postez un commentaire sur ces applications pour qu'il soit visible et donc encore plus écouté. Retrouvez-nous aussi sur nos réseaux sociaux : Instagram 100% Création Facebook 100% Création-RFI         

100% Création poursuit sa série estivale, en neuf épisodes, consacrée aux artisans d'art du Mobilier national. La manufacture de la Savonnerie, spécialisée dans le tissage de tapis de velours, est rattachée depuis 1826 au site des Gobelins. Elle possède deux ateliers, l'un à Paris et l'autre à Lodève. Cet épisode est consacré à Justine Héricourt, licière à la manufacture de la Savonnerie. Elle préserve à la fois des savoir-faire ancestraux tout en explorant continuellement de nouvelles interprétations artistiques. Son métier exige aussi une grande précision, une capacité à collaborer étroitement avec des artistes, et une attention constante aux détails. « Je passe mon temps à faire des choses. J'adore récupérer. Parfois, ce sont des cartons pour faire des petites constructions miniatures. J'adore faire du tricot. Les activités manuelles, cela a toujours fait partie de ma vie », confie Justine Héricourt. La jeune femme est licière à la manufacture de la Savonnerie au sein du Mobilier national : « Pour moi, c'était important de continuer parce que c'est quelque chose qui me fait du bien, qui me vide la tête, qui me permet aussi de me recentrer sur l'instant, sur ce que je fais, sur ce que je suis. Pour moi, c'est important de pouvoir continuer de créer des choses avec des matières simples de tous les jours et de voir comment quelque chose de très simple peut devenir quelque chose de grand et de très beau. » Originaire de Pontoise, en Île-de-France, Justine Héricourt a nourri très tôt une fascination pour l'artisanat et les techniques manuelles, encouragée par sa famille. Sa passion pour le textile l'a conduite à faire un bac littéraire avec une option en arts plastiques, puis à s'intéresser aux métiers d'art. La découverte du Mobilier national, cet espace où patrimoine historique et création contemporaine se rencontrent, a été pour elle une révélation : « J'avais l'impression d'apprendre quelque chose qui existait il y a des siècles et des siècles, l'impression d'être dans un monde très contemporain où tout va très vite, avec la technologie, le numérique. Face à toute cette technologie, le fait de revenir à quelque chose de plus ancien et qui perdure dans le temps, c'est ce qui m'a frappé. Je me suis dit que j'avais envie de travailler là-dedans. J'avais envie de continuer à perpétuer ça et j'avais aussi envie, avec le temps, de transmettre cette technique et ces savoir-faire qui sont importants et qui parfois se perdent. Ici, nous avons la possibilité de prendre le temps de faire les choses, d'avoir des projets énormes et de travailler avec des artistes très connus ou un petit peu moins, mais d'avoir ces échanges à la fois anciens de par la technique et en même temps très ancrés dans notre époque, avec tout le côté création contemporaine, l'échange artistique et tout ce qu'il y a autour. » Entrée dans l'institution par concours, Justine Héricourt a choisi la manufacture de la Savonnerie, fascinée par la technique du velours tissé à partir de laine : « La technique de la Savonnerie consiste à faire des rangées de points noués en tapis. Le velours que nous voulons s'obtient avec la coupe de la laine qui correspond au cœur de la laine une fois coupée. Pour pouvoir la couper et que cela se maintienne, nous allons faire des points noués, sur une rangée complète, sur l'équivalent de deux fils. Comme nous avons deux chaînes, une chaîne avant, une chaîne arrière, nous faisons des points noués pour venir bloquer avec des fils de lin pour bien tasser, pour permettre que les points ne se détachent pas par la suite. Il faut que cela soit solide. Un tapis a pour vocation d'être au sol. On marche dessus, donc forcément, le tapis peut vite être abîmé. Donc il faut qu'il soit assez consistant, assez solide, et pour cela, nous avons besoin de densité. La duite et la trame permettent de bien maintenir chaque rangée et chaque point une fois coupées. Une fois la structure de la trame et de la duite mise en place, nous allons tondre chaque point. Ce sont des petites boucles qu'on vient tondre avec des ciseaux pour obtenir le velours du tapis. »   La recherche constante d'interprétation et de retranscription des œuvres d'art demande une créativité et une adaptation. Pour Justine Héricourt, la laine, avec ses contraintes, lui permet d'apporter sa touche personnelle : « En tapis, nous n'avons que la laine qui peut apporter le velours désiré. Ce que j'aime énormément dans cette technique, c'est de retrouver des projets où on se pose la question ''comment on va pouvoir retranscrire ?''. C'est-à-dire, sur une photo ou sur des compositions avec des parties un petit peu brillantes, un petit peu dorées, comment rendre l'effet doré avec de la laine ? Il y a de très belles couleurs, très vives, mais cela reste mat. Nous ne pouvons pas avoir certains effets de matière, et j'aime passer mon temps à chercher comment je peux retranscrire les différentes textures. Nous avons plein de possibilités, mais une seule matière. Et avec une matière, nous avons des possibilités. Je n'arrive pas à m'ennuyer de mon métier parce que dès que je me retrouve bloquée, en cherchant, je me rends compte que nous avons encore plein d'autres options. Et c'est pouvoir explorer ces options-là qui m'intéressent le plus. Savoir comment interpréter. » Pour réaliser des tapis, Justine Héricourt passe par plusieurs étapes : du travail du carton, à la teinture, puis au tissage et à la finition. « Il y a une phase d'échantillonnage, une phase test, une phase test de couleur où on tisse pour se rendre compte de ce que va rendre la laine, ou du moins les couleurs au contact les unes des autres sur une certaine surface. Sur un petit pompon, on va avoir cette couleur-là, mais tissée sur une certaine surface, la couleur peut changer de manière un peu subtile. Mais elle change. Ensuite, il y a la phase d'essai, où on va prendre certaines parties un peu stratégiques du carton pour régler les problématiques d'interprétation. On va proposer plusieurs interprétations possibles, avec des chinés, des mélanges de couleurs entre elles, avec des aplats, des piqués qui vont être des mélanges de couleurs entre elles, mais qui vont, comme le dit le terme, plus piquer à l'œil, qui vont être beaucoup plus visibles là où les chinés vont permettre de faire des passages de couleurs et des dégradés beaucoup plus subtils. Nous allons proposer plusieurs interprétations. C'est une discussion qu'on va avoir avec le chef de pièce et dans l'équipe, et avec le chef d'atelier, et après en discutant avec l'artiste où, effectivement, le but n'est de ne pas dénaturer son travail. Même si sur une retransposition, nous réinterprétons. Cela restera différent. Nous écoutons ce que lui ou elle a à dire et ce qu'il ou elle souhaite par rapport à son œuvre. Nous effectuons un travail en collaboration », explique Justine Héricourt.  Selon les projets, Justine Héricourt fait partie d'une équipe restreinte, souvent entre trois et cinq personnes. Elles travaillent en étroite collaboration pour garantir la qualité et la fidélité aux œuvres d'origine. Les archives ou des tapis de la même époque sont indispensables quand il s'agit de reproduire un motif historique : « C'est un retissage d'un tapis qui a existé, qui a disparu. Il y a eu plusieurs retissages, mais on n'a jamais retrouvé d'exemplaire de ce tapis, donc on n'a pas de référence visuelle du tapis en lui-même. On a juste une esquisse à la BNF des peintres cartonniers de l'époque, de ce à quoi le carton ressemblait dans sa globalité. On connaît plus ou moins les éléments et les compositions qu'il y avait au niveau des différents ornements et éléments du tapis. Mais une esquisse, cela reste flou. C'est pour faire une proposition de projet, ce n'est pas un dessin très détaillé. Les fleurs sont suggérées, mais elles ne sont pas dessinées avec précision. Nous avons des suppositions avec quelques archives et un tapis au château de Versailles, plus ou moins de la même époque. Pour nos essais, nous nous sommes basés sur ce tapis qui est encore à Versailles et qui est en très bon état vu son âge, pour voir les différents mélanges, les calibres de chaine, les interprétations, ce qu'ils avaient pu utiliser pour rendre le style Louis XV. » Au fil des années, Justine Héricourt a contribué à la préservation du patrimoine artistique français tout en participant à des projets d'envergure. Avec rigueur, patience et sa capacité à se remettre en question, elle a su relever les défis liés aux projets, souvent longs et complexes : « Je pense qu'il faut aussi surtout savoir quand on n'y arrive pas. Parfois, on se retrouve face à un élément ou une zone du tissage où on est perdu. Nous connaissons notre métier mais nous sommes perdus, nous ne savons pas comment faire. Tout nous paraît vite compliqué. Les petites solutions que nous avions en tête mais ne nous paraissent pas être les bonnes solutions. Le plus important, c'est de savoir se remettre en question, parce que cela nous permet du coup de mieux repartir et de mieux se réinterroger et de ne pas se bloquer. Nous avons de multiples solutions. Il faut juste savoir se dire ''ce n'est pas grave, là dans l'immédiat je n'ai pas la solution, je suis un peu perdu''. J'en discute avec les collègues de mon équipe, je réfléchis et cela permet d'avancer, d'apprendre et d'anticiper les prochaines difficultés et d'enrichir aussi notre répertoire d'expériences personnelles pour de futurs projets où on va avoir d'autres problématiques mais dans lesquelles on va pouvoir aussi apporter notre expérience. Se dire : "J'ai peut-être des idées et je peux peut-être apporter des solutions". »       Abonnez-vous à « 100% création »  « 100% création » est disponible à l'écoute sur toutes les plateformes de podcasts : PURE RADIO, Apple Podcast Castbox Deezer Google Podcast Podcast Addict Spotify ou toute autre plateforme via le flux RSS.   Si vous aimez ce podcast, donnez-lui 5 étoiles et postez un commentaire sur ces applications pour qu'il soit visible e

100% Création vous propose cet été, une série, en neuf épisodes, consacrée aux métiers d’art du Mobilier national. Cette institution où plus de 340 professionnels sont répartis dans 26 métiers d’art est un centre d’excellence qui conserve, restaure et valorise des pièces exceptionnelles, allant du mobilier aux textiles ou céramique, datant du XVIIᵉ siècle à nos jours. L’exemple de l’atelier de menuiserie en siège, dirigé par Cérile Faucheux, illustre parfaitement ces métiers. Ici, on restaure et travaille le bois en volume, en sculptant et tournant des carcasses ainsi que des éléments mobiliers. On s’occupe également de meubles en bois massif, souvent richement décorés : peints, vernis ou encore dorés comme les lits, torchères, consoles ou paravents. « Dans mon métier, il me fallait quelque chose qui me fasse m'évader, le toucher est important et j'ai retrouvé cela dans la menuiserie en siège, puisque c'est essentiellement un travail manuel et un travail de courbe. Nous utilisons tous les sens dans notre métier. » Cérile Faucheux, artisan d’art et responsable de l’atelier de menuiserie en siège au Mobilier national. « Dans l'établissement, nous sommes au cœur d'une pépite, avec des collections qui sont larges, diversifiées, de très beaux objets. C'est du bonheur au quotidien. Nous avons le temps de pouvoir mettre en œuvre des restaurations. La productivité est plus relative ici puisque l'objectif est plutôt sur la qualité, même si on a des temps à respecter, évidemment. Nous avons l'établissement en lui-même, le lieu, qui est assez magique. Et puis nous sommes amenés à travailler sur des lieux prestigieux et très intéressants. C'est un bonheur. » Cérile Faucheux a grandi en Île-de-France, passionné par le travail manuel et le bois depuis sa jeunesse, il choisit de se former à l’École Boulle à Paris de 1990 à 1995. Cette formation, axée sur la menuiserie en siège, lui a permis d’acquérir des compétences solides dans la fabrication et la restauration de mobilier ancien. Après la fin de ses études, Cérile Faucheux s’oriente vers le secteur public, privilégiant la qualité du travail à la rapidité ou la productivité.  « J'avais un objectif en sortant de l'école, j'avais une vision du travail bien fait, avoir le temps de faire les choses. Le productivisme ne m'intéressait pas Moi, j'avais décidé que soit je rentrais dans une institution type Mobilier national, soit j'arrêtais mon métier parce que courir après le temps et la productivité ne m'intéressait pas du tout. J'avais cet objectif en partie parce que je connaissais l'établissement, mon professeur à l'école m'avait aiguillé vers le Mobilier national, je l'avais visité à l'époque. Deux ans après ma sortie de l'école, j'ai été contacté pour pouvoir me présenter au concours. Ce que j'ai fait. Dans ce laps de temps, j'avais un emploi. Moi, quand j'étais étudiant, je travaillais dans la vente de papier peint/peinture. J'étais conseiller. Et puis il y a un poste qui s'est libéré au moment où je sortais de l'école, donc cela tombait très bien. J'étais déjà dans la vie active. J'ai fait la liaison avec le Mobilier national en 1997. » Aujourd’hui Cérile Faucheux est le responsable de l’atelier de menuiserie en siège au Mobilier national. L’expertise de cet atelier porte principalement sur la restauration de sièges anciens, maîtrisant les techniques de démontage, de restitution des éléments manquants, et de conservation fidèle aux techniques d’origine ainsi qu’aux différentes essences de bois.  « Il n'y a pas tant d'essences que cela pour les périodes sur lesquelles nous travaillons. Notre formation et puis nos habitudes nous amènent à facilement retrouver les essences. Nous mutualisons nos compétences et nos connaissances ici, en atelier. Nous n’avons pas tellement de difficultés sur ce sujet. Le siège, le constituant principal, dans tout ce qui est bois doré, bois peint, c'est essentiellement le hêtre qui a été utilisé pour ses qualités techniques et puis aussi pour sa proximité. Le chêne était plutôt utilisé dans le reste des objets mobiliers et en fonction des époques, des retours de colonies, de voyages, des différents voyages internationaux, des essences exotiques ont été amenées. Nous avons de la chance ici, nous avons constitué des stocks au fur et à mesure de l'histoire de l'établissement. Quand des intervenants ferment boutique, nous rachetons des stocks anciens. Nous avons la chance de ne pas être en pénurie de bois dit rare. Nous travaillons beaucoup sur les acajou d'Amérique, puisque la partie du XIXᵉ siècle est essentiellement constituée de bois verni avec des acajou d'Amérique, puis après des palissandres, des ébènes et puis quelques bois plus européens type noyer, merisier. Mais là déjà, cela devient un petit peu plus rare. Nous intervenons toujours en mesurant les actes et en remplaçant juste ce qui est nécessaire à remplacer. Il peut arriver que si on a des éléments manquants, on les restitue. Donc, là on aura une partie dite de fabrication reconstitution. Mais sinon, les volumes sont assez faibles dans la restauration. » Passionné par la richesse des collections et la diversité des défis techniques, Cérile Faucheux trouve dans son métier une source d’évasion et d’émerveillement. « Il y a une partie d'aventure puisque même si les objets, en apparence, se ressemblent, c'est toujours une problématique nouvelle. Il y a des problématiques un peu typiques mais il y a toujours quelque chose qu'on n'a pas forcément vu, pas forcément anticipé. Les objets ont tous une histoire différente. Nous voyageons, donc, avec les histoires de ces objets qui sont très particuliers. Notre base de données nous donne des éléments d'information. Il y a des marques aussi sur les objets qui donnent des traces de passage dans telle ou telle institution, lieu de pouvoir, etc. Il y a une histoire à la fois dans la documentation, l'objet, les essences de bois qui sont utilisés, les techniques, c'est quelque chose de très global. Il y a plein d'éléments. Il peut y avoir quelques petites découvertes, des traces qui n'avaient pas été forcément identifiées. C’est notre œil plus technique qui nous amène à déceler des choses. Et on vit aussi à partir des lieux dans lesquels ils ont été. On s'imagine dans certains lieux qui n'existent plus, d'ailleurs, comme le château de Saint-Cloud par exemple, il n'y a plus rien. Donc, on s'imagine un certain nombre de choses. » En tant que responsable d’atelier, Cérile Faucheux supervise une équipe de huit menuisiers en siège. Cette équipe polyvalente détermine les différentes étapes d’interventions sur l’objet a restauré. « Il y a déjà eu des étapes qui sont des étapes préalables puisqu'il y a des demandeurs, cela peut être des institutions, nos services de conservation, avec différents objectifs, soit un objectif de mise en dépôt, puisque c'est l'essentiel quand même de la fonction de l'établissement, ou alors des prêts pour des musées, des institutions dans le cadre d'expositions temporaires. Cela va, donc, déterminer l'axe de travail, c'est-à-dire le niveau d'intervention sur les objets. Quand un objet arrive, nous savons quel est cet objectif et ensuite nous allons faire un diagnostic, c'est-à-dire qu'à plusieurs nous regardons l'objet, ce qu'il y a à faire comme intervention dessus et nous adaptons à chaque objet les interventions. Quelquefois c'est aussi simplement pour une exposition. Dans ce cas, les interventions vont être minimalistes, simplement pour que ce soit acceptable d'un point de vue visuel et puis faire quelque stabilisation structurelle pour le transport, etc. Sinon, la plupart des objets sur lesquels nous travaillons ont un but d'usage dans le cadre des aménagements, notamment des hautes administrations de l'État. » La transmission des compétences, la recherche de l’exactitude technique, et la préservation du patrimoine constituent le cœur de métier de Cérile Faucheux. « J'ai appris beaucoup de choses et j'apprends tous les jours. Nous avons des métiers où c'est un peu un cycle sans fin. Il y a toujours quelque chose de nouveau à apprendre. J'ai eu une phase d'adaptation au poste de travail quand je suis arrivée, où mes collègues de l'époque m'ont transmis tous les actes élémentaires de restauration, ce que je fais aussi aujourd'hui auprès de mes collègues plus jeunes. Nous, ce que nous souhaitons, c'est que tout le monde puisse tout faire. Pourquoi ? Parce que quand on se spécialise, la difficulté, c'est quand le spécialiste n'est pas là ou qu'il s'en va. Comment fait-on ? Nous essayons d'être tous polyvalents. Après, effectivement, on a des appétences particulières les uns les autres, des envies et des aptitudes qui ne sont pas les mêmes. Alors là, on fait plutôt travailler sur tel ou tel projet, celui qui va restituer les choses de la meilleure façon. C’est aussi le rôle de l'encadrant : mesurer cela et définir et partager le travail au sein de l'équipe. Mais la notion d'équipe est importante parce qu'il n'y a pas une personne qui sait tout faire, mieux faire que tout le monde. C'est plutôt le complément des avis de chacun. Dans notre métier, on fait un diagnostic collectif minimum à deux et voire des fois trois ou quatre. Un de nos axes c'est la transmission des savoirs faire, c'est inscrit dans les missions de l'établissement, donc on restitue la transmission à différents niveaux. On peut avoir des stagiaires, des gens qui sont en formation de différents niveaux dans l'atelier et puis entre nous aussi, parce que cela, c'est très important. On a des jeunes, là, qui sont là depuis moins de cinq ans, il nous faut une dizaine d'années, le temps qu'ils aient l'ensemble des compétences dont nous avons besoin dans notre métier. » Sur des projets emblématiques comme celui du trône de Louis XVIII, la restauration implique une coordination avec d’autres ateliers du Mobilier national, des prestataires extérieurs, et des services scientifiques. « Le siège, en définitive, a peu évolué, de 1800 jusqu'à 1950 dans ses méthodes de constru

100% Création poursuit sa série estivale dédiée aux techniciens d’art du Mobilier national, qui façonnent, restaurent et font rayonner l’art de vivre à la française. Le Mobilier national ne se limite pas aux tapisseries anciennes ou aux meubles d’autres siècles ! Dans ce 5ᵉ épisode, nous allons vous faire découvrir l’ARC, l’Atelier de recherche et de création du mobilier national. Voulu par André Malraux, ministre de la Culture, en 1964, cet atelier est entièrement consacré à la recherche et à la création. Des designers audacieux et artisans d’exception unissent leurs savoir-faire pour imaginer des pièces uniques, toujours au service de l’État, des ministères et des ambassades. Une vraie fusion de savoir-faire et de modernité au cœur du patrimoine. Nous retrouvons Quiterie Feix, technicienne d’art, prototypiste bois à l’Atelier de recherche et de création, l’ARC. Quiterie Feix y conçoit, fabrique et finalise des meubles et objets pour les institutions publiques françaises, en étant à la fois créatrice, technicienne et gestionnaire de projets. « C'est important d'être curieux et je pense que c'est le cas de tous les agents du Mobilier national. Il y a cette curiosité, voir ce que font les autres ateliers, se balader dans les réserves, c'est aussi très enrichissant. » Quiterie Feix, technicienne d’art prototypiste bois au sein de l’ARC : « J'ai toujours aimé le côté manuel, depuis que je suis toute petite, je touche à tout, je fais des petites sculptures avec des bouts de bois, de la céramique, du dessin. Très vite, je me suis sentie plus à l'aise avec le bois et le tissu, au départ. C'est plus la matière qui a choisi pour moi. » Quiterie Feix, née à Brive-la-Gaillarde en Corrèze, a grandi à Paris. Son parcours commence par des études à l’école Boulle, où elle se spécialise en menuiserie en siège, le bois est une matière qui la fascine par sa dimension tactile et vivante. Poussée par l’envie de travailler avec ses mains, elle poursuit avec une licence en design, ce qui lui permet de développer une sensibilité à la conception et à l’esthétique. Elle entre au mobilier national en 2017. « Ici, cela fonctionne par concours, en règle générale, quand il y a un poste qui se libère, par exemple un départ à la retraite ou une ouverture de poste. C'est assez rare. À l'époque, on m'a dit "vas-y ! Le prochain concours, il peut être dans cinq ou dix ans, on ne sait pas trop, donc c'est maintenant ou jamais." J'avais fait un stage en menuiserie en siège en atelier de restauration. J'ai passé le concours en me disant ‘"si je l'ai, c'est cool, si je ne l'ai pas, tant pis." Et en sachant que c'était maintenant ou jamais. Voilà pourquoi je suis rentrée directement au Mobilier national après mes études. » Quiterie Feix fabrique du mobilier pour les ministères, l’Élysée, ou des institutions culturelles telles que la BNF, Bibliothèque nationale de France, ou des ambassades. De la réception des plans, à la réalisation de maquettes, en passant par la sélection des matériaux et la fabrication en atelier, tout se passe à l’ARC.  « Nous récupérons les plans du designer, généralement, nous prenons rendez-vous avec lui assez vite pour qu'il vienne voir à l'atelier. Nous réalisons une maquette échelle une du projet qu'il a dessiné, parce qu’avec le dessin en 3D, nous avons du mal à nous rendre compte du volume que cela prend dans un espace. Nous faisons rapidement une maquette en carton ou en bois, avec des matériaux rapides pour leur montrer l'espace que cela prend. Dans 100 % des cas, nous allons changer les dimensions. Quand c'est une lampe, on peut l'agrandir ou la rapetisser. Le paravent que je suis en train de faire, il était trop petit donc nous avons rajouté quelques centimètres à droite à gauche. C'est le moment où le designer vient et il nous dit de rajouter un peu où, la courbe, on la fait plus importante. C'est vraiment la première étape. Après nous, nous refaisons les plans en fonction des modifications qu'il y a eues pendant ce premier rendez-vous. Le choix des matériaux, soit le designer a une idée précise des matériaux qu'il va y avoir, soit il ​​​​​n'a pas forcément pensé aux matières et il nous fait aussi confiance là-dessus. Nous allons lui proposer différents choix. Cela peut être des matériaux, mais aussi des couleurs. C'est assez vague. Nous avons une matériauthèque  ». Pour finaliser les projets qui lui sont confiés, l’ARC doit faire des recherches constantes d’innovations techniques, afin de donner vie à des objets uniques, souvent en intégrant des matériaux modernes ou durables comme le liège. « En ce moment, nous faisons un projet avec du liège. C'est un choix du designer. Nous, on n'en avait jamais utilisé, donc, il y a énormément de recherche. Nous l’avons coupé avec une scie, en changeant la vitesse, avec la commande numérique aussi, pour voir le meilleur rendu. Par exemple, le liège, un peu trop humide, se coupait mal, l'hygrométrie était trop haute, et cela le déchirait entre guillemets. Ce sont des tests pour essayer de trouver la meilleure solution. Pour ce projet, nous avons une échéance, il fallait aller assez vite. Mais en règle générale, quand nous avons le temps, nous pouvons aller jusqu'au bout et pousser au maximum la recherche, en fonction du matériau, nous n’utilisons pas forcément les mêmes outils. C'est beaucoup de tests, de recherche en fonction de ce que veut le designer. Il y a des projets où cela peut aller vite, d'autres projets où cela peut être très compliqué. » Parmi les réalisations récentes de l’ARC, on peut citer la table du Conseil des ministres : Medulla. « Jusqu'à maintenant, la table du Conseil des ministres, c'était une planche, des tréteaux et une nappe par-dessus. Ils se réunissent tous les mercredis, mais parfois, ils sont 40, parfois, ils sont 20, parfois, ils sont quatre, cela dépend de l'ordre du jour. L'objectif, c'était de faire une table qui puisse être belle, qui puisse accueillir 20 personnes comme 40, et qui doit être démonté et monté dans la journée. Sur le projet de la table du Conseil des ministres, il y a eu un concours entre quatre grandes écoles d'art de Paris. Des étudiants ont travaillé sur le sujet. Le lauréat avait déjà choisi son matériau - le béton - et nous avons été contraints de travailler le béton. Au début, nous étions un peu stressés parce que le béton, ce n'est pas forcément quelque chose de léger, de résistant, qui peut prendre les chocs. Le travail le plus considérable, pour nous, a été de trouver ce matériau. Le projet est avec une fine couche de béton par-dessus pour donner l'effet béton, mais à l'intérieur, c'est un multiplis de bois et de nid d'abeille pour l'alléger au maximum. Pour la question résistance et rapidité d'installation, c'est l'atelier du métal de l’ARC qui a travaillé sur le projet, et bien réfléchi à un système d'assemblage et de désassemblage solide et rapide ». Depuis sa création, l’ARC a produit plus de 700 prototypes en collaboration avec plus d’une centaine de créateurs. Et quand le projet se réalise, il est référencé au Mobilier national. « Nous appelons cela les GMC Garde Meuble Création. Il y a les GME pour l'ébénisterie, GML pour les lustres et nous GMC, donc avec Garde Meuble Création. C’est un numéro qui avance. Nous sommes dans les 700 et quelques, je crois. C'est notre chef d'atelier qui nous dit ‘ le meuble que tu es en train de faire, il sera numéro GMC, 700 et quelques. »  Abonnez-vous à «100% création«  «100% création« est disponible à l’écoute sur toutes les plateformes de podcasts : PURE RADIO, Apple Podcast Castbox Deezer Google Podcast Podcast Addict Spotify ou toute autre plateforme via le flux RSS.   Si vous aimez ce podcast, donnez-lui 5 étoiles et postez un commentaire sur ces applications pour qu'il soit visible et donc encore plus écouté  Retrouvez-nous aussi sur nos réseaux sociaux : Instagram 100% Création Facebook 100% Création-RFI