磨时艺见

从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。近日，北京师范大学纪录片研究中心、五洲传播中心等机构发布的《中国纪录片发展研究报告2020》指出，新媒体正在重塑纪录片产业的规则和版图，中国纪录片正迎来蓬勃发展。该报告显示，在过去的一年，新媒体的迅猛崛起改变了纪录片的观看模式，越来越多的纪录片在网络上播出，甚至只投放网络媒体。例如，腾讯视频出品的纪录片《水果传》、《风味原产地·潮汕》，哔哩哔哩出品的纪录片《人生一串》等都通过独播创造了品牌价值。哔哩哔哩出品纪录片《人生一串》而且，为了适应观众收看方式的变化，纪录片传统制播机构也在逐渐重视与新媒体机构的深度合作，播出渠道正在从原来的以传统电视媒介为主，向传统电视媒介与新媒体播出渠道并重的趋势演变。此外，对于中国纪录片而言，新媒体不仅是主要传播平台，也正在成为主要生产平台。2019年，新媒体机构纪录片产能达到新高度：优酷原创纪录片260个小时，占播出总量35%；腾讯视频自制纪录片23部，约占全年新上线项目1/3；哔哩哔哩出品并上线纪录片16部，合计55.6小时；爱奇艺自制加联合出品纪录片15部。腾讯视频出品纪录片《潮汕：风味原产地》同时，报告还指出，随着智能手机的普及和信息视频化程度的提高，短视频收看人群增长迅速，催生大量短视频形态的微纪录片。相比于长纪录片对事物深度认知的考验，微纪录片可以在短时间内达到一个信息点的刺激，有其自身的独特优势。腾讯视频出品微纪录片《武汉战疫纪》简而言之，微纪录片的兴起，使纪录片生产方式从专业创作开始向社会创作和平民创作转化。创作主体的多元化和创作题材的多样化，将进一步扩大纪录片的社会影响，强化纪录片的生活化和新闻化特征。磨时艺见，每晚9点，准时更新。

莫瑞吉奥·卡特兰从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。莫瑞吉奥·卡特兰（Maurizio Cattelan）是20世纪90年代以来活跃在国际当代艺术领域最重要的意大利艺术家之一,他的“雕塑”作品《喜剧演员》虽然只是一根被灰色强力胶带固定在展墙上香蕉，却以12万美元的价格售出。卡特兰在上海大型群展“艺术家此在”（The Artist is Present）展会上接受媒体的采访时，就发表了自己对于艺术作品复制与原创的观点。莫瑞吉奥·卡特兰的作品：《完美的一天》卡特兰表示，人们都有一种自然的思考方式，就是通过参照物来理解，大脑总会寻找那些已经知道的东西。例如，当我们想到足球队时，最先会想到的是像皇家马德里队这样有名的例子。艺术的思考也是如此，艺术家都是从复制远古时代的艺术开始的。但是，即使是复制品也是和原创一样真实的。原创是“神的事情”，而只要能给予人启发的作品就是一件有原创性的作品。莫瑞吉奥·卡特兰的作品：《不怕爱》卡特兰还认为，艺术作品应该要有能力带领人们进入自己最深层次的意识，它必须能颠覆人们的情绪，让人们感到震惊，继而发现那些自己未曾探索、未曾体验也因此未曾理解的意识。艺术可以通过暴力、好奇心、怜悯、厌恶等方式做到这点，而这些挑衅方式都是合理的，因为艺术不应该被等同于道德课，而是一座特洛伊木马，它让人们直面潜意识，激发想象力和本能反应。莫瑞吉奥·卡特兰的作品：《无题》最后，卡特兰表示，复制和原创之间的关系就像意大利的番茄一样，虽然番茄是意大利厨房中最重要的食材之一，但是它是在意大利文明业已经形成之后，才从秘鲁和墨西哥引进欧洲的。同理，人们永远不知道自己会从复制、混合和迁徙中创造出什么，每个人都在以自己的方式复制，而这就是原创性。磨时艺见，每晚9点，准时更新。

克里·詹姆斯·马歇尔从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。当我们回顾20世纪之前的西方艺术史时会发现，黑人艺术家、黑人主题的作品很少出现在主流视野当中，这是诸多历史因素所导致的现象。这种黑人艺术创作的边缘化状态，正是艺术家克里·詹姆斯·马歇尔一切创作的来源。 马歇尔作品《在聚光灯下》黑人的身份让马歇尔在十几岁的时候，才有机会走进美术馆参观。他说，那是自己第一次可以不被歧视地尽情参观，所以他在每层楼都细细地参观，不放过任何内容。马歇尔发现，被载入史册的艺术作品中严重缺失对黑人的描绘，而人们谈及有关艺术和美的想法时，黑人的形象也是缺席的。所以他决定要深入了解艺术史的轨迹，试图将黑人主题纳入其中。 马歇尔作品《呜咽呜咽》 1978年，马歇尔从洛杉矶奥蒂斯艺术学院毕业之后，就开始了自己的艺术之路。他在绘制人物的时候，配色都是碳黑、玛斯黑和象牙黑，偶尔会使用黄色或蓝色的阴影。马歇尔表示，这样创作的原因之一是为了打破“黑色无法变得复杂多样”的固有顾念，当照明方式或参观位置发生变化时，画中的人物会在眼前若隐若现，使其同时具有可见性和隐形性。马歇尔作品《艺术家为不及往昔的自己所作的肖像》 1993年的时候，马歇尔的作品《样式》成为第一幅被大型美术馆收藏的作品，到了1997年，马歇尔被授予“美国麦克阿瑟基金会奖”，从此作品价格大涨。但是当马歇尔知道自己的作品要被拍卖出售时，他感到十分苦恼，不明白为什么要把作品送给只想用它们来赚钱的人。 马歇尔作品《知识与奇迹》时至今日，年过花甲的马歇尔依然每天在工作室绘画，所有事情都是他自己身体力行。马歇尔表示，面对黑人形象在艺术史上的缺失，自己的兴趣在于对其进行扩展而非批评。黑人艺术家可以等着别人让他走进艺术世界，也可以把自己放在平等的位置上，放在自己想看的故事里。磨时艺见，每晚9点，准时更新。

“熊本熊”设计师水野学从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。提起熊本熊，想必你一定不陌生。贱萌的长相、笨拙的行动以及出现在社交软件上的各种表情包，让它成为全日本最受欢迎的网红IP。今天我们要介绍的就是“熊本熊之父”、日本知名品牌设计师水野学。在水野学看来，设计光好看没有用，只有卖出去才算成功。熊本熊他表示，设计是建立在商业之上的，离开了商业的设计和涂鸦没什么区别。那种看上去很厉害，实际上却完全卖不动的设计，谁都做得出来，只有在商业上做出成绩的设计才会得到客户的信赖。熊本熊衍生产品水野学还主张创新不是从无到有，而是让本来有的东西再生出新产品。他设计的熊本熊所有元素都是来自日常的或已存在的事物，例如“熊本熊”这一名字就来源于熊本县，而黑色的造型则来自熊本城黑色的城市格调。水野学的设计作品水野学能在品牌设计领域如此成功，与其“独特”的项目流程离不开关系。据他介绍，他的公司项目不会给客户开发布会，再由客户决定是否通过这样的流程，而是会在例行商谈中和客户一起讨论，共同决定各种各样的事宜，在不断的双向沟通中，确定创意和设计方案。当然，这一切必须要建立在设计师有足够的沟通能力和洞察能力的基础上。水野学的设计作品此外，如何定义“品味”这一词汇，水野学的理解也和大众不一样。水野学认为品味不是精英阶级的专属，而是每个人与生俱来的能力，只是后天的培养、运用和锻炼导致巨大的差异。在他看来，提升品位的关键在于感受他人的感受和积累的知识，像一个旅人一样充满好奇，透过沟通、聆听、观察和感受各种资讯，加以消化整理成为自己的知识库。以上内容由磨时艺见整理，希望能对你有所启发。磨时艺见，每晚9点，准时更新。

安藤忠雄从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。提起建筑设计，人们通常联想到它的专业性强、涉及面广、复杂严苛。日本建筑大师安藤忠雄则用他建筑启蒙绘本和“绘本教材”让建筑设计和儿童联系在了一起。安藤忠雄的绘本处女作《喜欢恶作剧的建筑家》与他标志性的“清水混凝土”建筑风格完全不同。色彩鲜明的绘本以儿童的视角描绘了一对小学生兄妹跟着一位神似安藤忠雄的建筑师探索图书馆的故事。《喜欢恶作剧的建筑家》在绘本里，安藤忠雄不仅普及建筑知识，还回答了兄妹俩关于建筑设计的问题，比如为什么要建造这栋建筑？什么是舒适的感觉？建筑师的工作是什么？小读者们通过阅读这本建筑启蒙书里，就能得到顶级建筑大师的指导。《喜欢恶作剧的建筑家》不仅如此，大师的“配套教材”也是独一无二的，因为绘本中孩子们参观的图书馆是真实存在的。它叫做“童书森林-中之岛”，是安藤忠雄捐赠给故乡大阪的儿童图书馆。“童书森林-中之岛”这座图书馆馆外立着和绘本封面一模一样的绿色大苹果，馆内的立式书架全部由宽敞的书廊和阅读阶梯代替。通高的格子书柜还充当了墙面，方便孩子们浏览和取阅。图书的分类也是按照孩子们的理解来摆放，如美丽的事物、动物爱好者等，跳出了阅读年龄的局限性，让孩子们能探索到更多的乐趣。“童书森林-中之岛”让孩子从小接触到美的事物，体验到建筑设计的魅力，也许就会在他们心里播下成为一名优秀建筑设计师的种子。就像图书馆官网上给孩子们的留言说的，他们鼓励孩子不受限制地翻阅各个领域的书籍，以此来帮助孩子寻找、激发和探求自己的兴趣。 以上内容由磨时艺见整理，希望对你有所启发。磨时艺见，每晚9点，准时更新。

阿吉从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。因为受疫情影响，2020年戛纳电影节被喊停。但却有一项戛纳金棕榈奖，却出人意料宣布了今年的得主，一只叫做阿吉（Uggie）小型梗犬狗。阿吉获得的奖是“戛纳狗王之王金棕榈大奖”，它诞生于2001年，是由一群戛纳电影节的专题记者组织举办的奖项，授予每年参赛或参展片中表现最为抢镜的狗狗演员，奖品是一条皮质狗狗项圈。例如去年“狗狗金棕榈奖”的得主就是《好莱坞往事》中布莱德·皮特所饰演的替身演员养的斗牛犬布兰迪。布兰迪 二十年来，《没有过去的男人》、《狗镇》、《绝代艳后》等影片中的狗狗演员都曾拿到过这一奖项。在2014年，“狗狗金棕榈奖”更是打破只数限制，被授予了匈牙利影片《白色上帝》中全部近三百条狗狗群演。“狗狗金棕榈奖”的组织者托比·罗斯（Toby Rose）表示，虽然今年的戛纳电影节不能如常举行，但他和其他几位评委决定借此机会回顾过去二十年里的所有“戛纳狗王”，评选出谁才是“戛纳狗王之王”。结果，评委一致同意将这份荣誉授予阿吉。狗狗金棕榈奖的logo阿吉2015年因病去世，享年十三岁。它的主人兼职业训犬师奥马尔·冯·穆勒（Omar von Muller）代表阿吉接受了这份荣誉。他表示，如果阿吉还活着，一定会感到十分自豪。除戛纳金棕榈奖之外，阿吉还是第一位在洛杉矶中国戏院门口的水泥地上留下“手印足印”的狗狗明星，也曾出席过金球奖和奥斯卡的颁奖典礼，此外，它还在名嘴艾伦（Ellen de Generes）的现场秀表演过溜滑板的绝技，精彩的演技甚至让网友发起过让阿吉参加奥斯卡影帝竞逐的请愿活动。阿吉 有哪些电影中的狗狗演员给你留下过深刻印象？欢迎留言与我们分享。磨时艺见，每晚9点，准时更新。

从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。近日，知名博主李子柒在YouTube上的粉丝突破1000万，成为首个在该平台粉丝破千万的中文创作者。此前，她就已经成为走红全球的文化名人，在海外社交媒体的影响力与美国最大的媒体CNN不相上下。目前李子柒的YouTube账号总订阅数约为1001万人，总观看量为13.5亿次，总观看时长约9185万小时，总视频数量108个。她的每一个视频，播放量几乎都在500万以上，其中播放量最多的年货零食合集，观看量达5300多万。从手工造纸，养蚕缫丝，再到制作各种家居物件等，李子柒的视频多以中国传统乡村生活及其中独特的物产为中心，凭借着浓郁的烟火味道和恬静的田园气息，吸引了世界各地观众，她也因此被称为“东方美食生活家”。李子柒为何会拥有如此多的海外粉丝？对此，《人民日报》评价称，李子柒的视频没有一个字夸中国好，但却讲好了中国文化，讲好了中国故事，满足了外国网友对中国的想象。同时，她的视频含有被外国网友广泛认同的情感需求和价值理念，满足了人们释放压力的心理需求。《人民日报》还表示，互联网时代使得文化交流与传播有了更丰富的载体和渠道。而李子柒和团队积极运用国际上具有影响力的传播平台，发布的短视频生动直观、新颖易懂。此外，她在视频中很少说话，这也使得视频突破了语言的局限性，让观看者专注于每集10分钟左右的视频内容，从而更具跨文化传播力。以上内容由磨时艺见整理，希望对你有所启发。磨时艺见，每晚9点，准时更新。

赵伟从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。对于我们很多人来说，蛋壳只是厨余垃圾，但有一个65岁的老太太，却用蛋壳来刺绣，甚至能用头发丝在蛋壳上作画，她就是蛋壳刺绣传承人赵伟。赵伟做蛋壳刺绣已经几十年了，她有一个“一蛋双绣”的绝技，能够把一半的蛋壳拿来绣花，另一半的蛋壳拿来绣草，绣完之后再把两半合在一起变成一个完整的鸡蛋。作为蛋壳刺绣的继承人，赵伟一直想做点什么来发扬这门技艺。2008年北京奥运会前夕，赵伟的妹妹剪断长发，赠送给她做绣线。为了发扬彩蛋文化，庆祝奥运会的举办，赵伟就用0.08mm的头发在蛋壳上绣出“喜迎奥运，爱我中华”八个大字。因为发丝太细，不易显色，赵伟需要来回穿针6次，才能在蛋壳上有清淡的黑色。稍微大力拉扯，不是头发断了，就是蛋壳裂了。同时，她还要做到分毫之间千针而过，这对于力度的掌握是一个严峻的考验。为了完成这幅作品，她需要手不抖、气不喘地绣了几个小时才能完成。因为发丝刺绣，赵伟受到了无数人的认可与追捧。但是她表示，传承不是死守，发展不是颠覆，自己只是用老祖宗留下来的东西向更新一层的境界迈进。只有创新，才能让蛋壳刺绣这项古老技艺被年轻人所认识。赵伟还说，在刺绣过程中，最重要的就是耐心，因为这是一个锻炼人脾性的过程，就像是在修行，要极为专注而不能有半点杂念，但现在的年轻人很多都没有这个耐心。磨时艺见，每晚9点，准时更新。

从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。近年来，随着文化产业飞速成长，非遗、文物、图书、游戏、动漫等元素之间的混搭越来越常见，日益多元的跨界融合推动着文创的“破圈”。今天，我们就通过三款“文化+”产品，一起来感受下文创破圈的魅力。前不久，上海一家出版社就与服装品牌推出联名款，将图书封面设计成连衣裙的花样，受到网友的一致好评。在出版社看来，图书文创跳脱出杯子、笔记本、帆布袋等传统样式，进一步延伸装帧设计的产业链，是一次具有突破意义的创新。今后，出版社也将围绕一个版权的全品种、全形态设计进行开发。而浙江一家文化创意公司则推出了一套木刻版画工具礼盒，其中包括刻刀、羊毛刷、木刻版等全套木刻工具，让人可以在家体验木刻版画的制作全过程，也让这门非遗手艺变得可感可触，好玩有趣。公司联合创始人说，木刻版画若只用作包装太可惜，应当融合现代创新，被赋予重新使用的可能。而三星堆博物馆举办的“文物萌主大会”则结合了游戏，让文物青铜纵目面具“活化”为“文物之灵”，吸引大量参观者的目光。除此之外，三星堆还推出“古蜀萌娃”表情包，相关小说及AR游戏等项目。三星堆博物馆党组书记、常务副馆长朱家可说，神秘独特的三星堆文化具有天然的IP属性，跨界融合是三星堆文化价值传播与转化的最佳途径之一。总体而言，这些文创产品不再拘泥于传统样式，而是在跨界融合中结合自身特点，带来“1+1＞2”的全新效果，成为被市场认可且具经济价值的创新产品，拓展了文创产业的发展空间。磨时艺见，每晚9点，准时更新。

从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。罗纳德•韦尔（Ronald Vale）是2012年拉斯克基础医学研究奖得主、美国科学院和美国艺术与科学院的两院院士。他在世界顶尖科学家论坛期间向媒体分享了自己对于科学与艺术的看法。韦尔表示，虽然公众往往认为，科学家和艺术家是完全不同的动物，几乎没有任何共同之处，但是实际上科学的探索性与艺术非常像，都是让人处在理解的状态，而科学家和艺术家都是由创意驱动的。韦尔说，自己正在做一个生物学教育项目中，就聘请了一位真正的艺术家参与完成项目，通过艺术家的艺术风格可以帮助学生理解科学中的概念和思想。韦尔认为，对科学的认知障碍让许多人觉得科学只属于非常聪明的人，而非大众能参与的，这是完全错误的，每个人都有可能成为科学家。而艺术的加入，可以让人们不那么害怕科学，感觉更易于理解。因此，他还与来自电影和视频行业的人沟通，想要通过艺术作品降低人们对科学的认知障碍，让人们不再觉得科学只属于少部分人。总而言之，在罗纳德•韦尔看来，科学和艺术很像，都是探索未知的，这两个学科的跨界融合能降低大众对科学的认知障碍。磨时艺见，每晚9点，准时更新。

从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。今年4月，宁夏固原须弥山石窟壁画百年来首次进行修复保护，对第1窟、第48窟、第50窟、第51窟中185.47平方米的壁画进行抢救性保护。其中，有这么一群“医生”将在随后300天内，让这一千年瑰宝再现当日异彩。他们就是壁画修复工程的7位文物修复专家。须弥山石窟创于北魏晚期，历时1500余年，是宁夏境内最大的石窟群，也是中国开凿较早的石窟之一。但由于自然和人为因素的破坏，如今的须弥山石窟被列为世界濒危遗址。文物修复专家、须弥山石窟壁画修复工程负责人王荣喜表示，看见如此珍贵的文物斑驳破损，让他很心痛，下定决心全力抢救。由于千年文物珍贵且脆弱，王荣喜和团队在修复中遵循最小干预原则，主要开展表面污染物清洗、起甲颜料回贴、局部全色等展陈性修复。其中除尘、加固、清洗、随色、封护这五个修复步骤，十分考验团队的专业技能和耐力。在损毁最为严重的第48窟，整个团队7个人花了3天时间用毛笔和软毛刷除尘。而在清洗工作中，仅手掌面积大小的壁画就要用棉签沾着酒精和丙酮反复擦洗5遍以上，每洗一次还要等自然晾干后再继续第2遍。为了在修复过程中保持专注，除了技术上的沟通，专家们基本不聊天。59岁的女专家朱云霞表示，虽然工作看似枯燥，但其实挺有趣，因为他们是在和历史与古人隔空对话。令人感慨的是，团队的成员们普遍高龄。69岁的修复专家王晓生就说，在中国，目前仅有不到1000人从事文物修复专业工作，且老龄化严重。他希望能把这份手艺传给更多“90后”“00后”，因为文物修复需要匠人精神，也需要更多年轻人的热爱与传承。以上内容由磨时艺见整理，希望能对你有所启发。磨时艺见，每晚9点，准时更新。

文勋从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。如今，人们常见的城市建筑大多是方方正正、色彩单一的样式，但是漫步在韩国的街头，你可能会在一片大同小异的建筑群里，突然看到一个偌大的橘色“吹风机”，或者粉色“波板糖”，又或者混搭风的“变形金刚”，这些看起来异想天开的建筑都出自一位有“快乐破坏者”之称的设计师文勋（Moon Hoon）。文勋的建筑设计手稿文勋出生于韩国，在澳洲长大。他在七年级的时候，学校就为他举办了个人画展，画展中百分之九十的作品都顺利地卖出去。之后，文勋考入美国麻省理工大学，并在毕业后成立了自己的建筑设计工作室，但工作室的生意并不顺利。文勋的设计作品 于是，文勋不得不依靠绘画获得名气引导大家关注自己的建筑设计，甚至直接表示，希望大家不仅愿意为他的画掏钱，也愿意为他的建筑掏钱。没想到，这样的方法确实带动了工作室的生意，而文勋也将“异想天开”的画中建筑变成了现实。文勋的建筑作品 比如，一位负责安保工作的客户想要一座能让小孩子玩耍的、有趣的空间，文勋立即奉上一座形似猫头鹰的建筑。这座建筑顶层的“猫头鹰脑袋”部分，是设有两个大落地窗的儿童房，当晚上的室内灯光透过窗户照出来时，就像猫头鹰两只明亮的大眼睛。又比如，一对年轻夫妇想要为女儿建造一座像巨大的螺旋楼梯一样能缓缓上升的空间，于是文勋设计出一套形似粉红色波板糖的房子，分段式提升的结构不但包容了7层的空间，还营造出室内中庭的效果。文勋的建筑作品 不过，许多建筑界人士对于文勋的设计风格并不理解，认为这样的建筑风格过于儿戏。但是文勋却不以为意，他表示虽然建筑因为涉及到人力、资金、环境等诸多方面因素，导致人们的确需要严肃对待，但是这不代表建筑必须有一张严肃的脸。磨时艺见，每晚9点，准时更新。

殷越的羊毛毡作品从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。有这样一个85后女孩，大学毕业后就宅在家里，每天拿着羊毛毡戳戳戳，戳出来的作品不但受到男女老少的追捧，甚至引发抢购热潮。她就是殷越，国内最早开始羊毛毡创作的作者之一，也是第一个在日本举办个展的中国羊毛纤维手作作者。殷越的羊毛毡作品殷越的大学专业是动画设计，但她对电脑三维技术完全不擅长，信心崩溃的她甚至决定放弃画画。偶然之间，殷越在网上看到日本职人铃木千晶的毛毡作品，一下子就喜欢上了这种毛绒绒的材质。于是她开始查找资料、研究制作原理，并尝试创作各种风格的毛毡作品。大学毕业后，殷越选择专职在家做羊毛毡，前三年收入基本为0，直到认可度慢慢提高，有杂志的供稿、线下课程，她的收入才开始慢慢地增加。殷越的羊毛毡作品因为制作羊毛毡作品需要耗费大量的时间、精力，尤其是在备展期间，殷越平均每天要趴在地上12-16小时戳羊毛毡。用她的话说，每个展出成功的背后，是“一针一针，用生命和热情戳出来的”。殷越的羊毛毡作品谈及创作灵感，殷越表示，像《指尖造物》这样早前的作品，比较有亲和力、可爱、萌萌的，更符合大家对手作的预期。但是随着自己的成长、整个人的状态的变化，作品也跟着产生变化。比如《白》系列三件作品，在可爱之外，她就把自己的难过、悲伤、敏感、脆弱等情绪，都融入作品里。殷越的羊毛毡作品殷越说，比起去在意别人的想法，作品表达的感受回归自己内心是更重要的。通过手作，她越来越从中找到自己，也找到了自己的价值。磨时艺见，每晚9点，准时更新。

小松美羽从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见在很多人看来，通灵是一种用来与亡者沟通的宗教仪式或者迷信活动。但是来自日本的艺术家小松美羽，却运用通灵的方式进行绘画创作。小松美羽曾参演过歌手林俊杰的MV受到日本的传统宗教神道教精灵崇拜的影响，日本许多文化艺术作品中都带有神灵的元素，譬如宫崎骏的作品《龙猫》就讲述了森林精灵龙猫帮助小女孩找回迷路的妹妹的故事，小松美羽也有这样类似的经历。小松美羽作品她说自己有次迷失在下雪的大山里，是一只忽然出现的白色小狗带领她下山，脱离危险。等到小狗转身消失在雪地中，她却发现雪地上根本没有小狗的脚印。直到后来她在一间神社看到“狛犬”的神像，才知道当初在山上遇到的正是这只神兽。 小松美羽作品也正是这次的相遇，颠覆了小松美羽对自然和生命的认知，从此开始以神兽为主体的绘画创作。小松美羽为了让作品在整体风格上更加具有生命力，不仅用色大胆，还使用水墨、亚克力颜料、有田烧等素材。而且，她在作画之前会身着素净白袍、冥想祷告，待神灵给予灵感，然后把颜料泼在画上，用双手去涂抹。当一切结束，那件变得色彩斑斓的白袍也使小松美羽自身成为一件艺术品。创作中的小松美羽小松美羽表示，自己每天醒来第一件事情就是祈祷神兽眷顾人们，守护世间的安宁。虽然它们表面可怕，但是正因为如此才能驱除邪魔，守护人们。磨时艺见，每晚9点，准时更新

电影中运用CG制作的狗从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。 狗作为演员参与到电影表演中，已经有着十分悠久的历史，最早可追溯到卢米埃尔兄弟1895年的作品《工人离开里昂卢米埃工厂》中。不过，最近，在著名导演克里斯·桑德斯执导的电影《野性的呼唤》中，片场却没有真的狗出现，主角雪橇犬巴克的形象完全由CG技术完成。电影 《野性的呼唤》为何会放弃真狗出演？克里斯·桑德斯对此作出了相应的解释。 首先，训犬费时又费力。因为狗不仅要在电影中做出特定的动作，还要和人类演员进行互动，就算是训练有素的狗也会出现意外。著名狗演员任丁丁（Rin Tin Tin）就在拍摄的时候攻击了豪猪，剧组只能停工等它脸上的伤口恢复。任丁丁和邓肯 其次，动物在电影中的行为也受到严格准则的限定。这些防止动物被虐待的条例被编入美国人道主义协会《电影媒体中动物的安全使用准则》中。2017年的电影《狗的目的》就因为出现狗在水中用力挣扎却无法浮出水面的镜头，遭遇强烈抗议而被迫取消了首映礼。电影《野性的呼唤》剧照 所以，为了避免这些麻烦，导演克里斯·桑德斯决定选择使用真人动作捕捉的CG技术代替真正的狗。为此，他设计了巴克的动物形象，然后由著名的“生物演员”特里·诺塔里来进行巴克的屏幕动作。在远距离拍摄巴克穿过田野追兔子或拉雪橇的镜头中，它是一条看起来非常自然的狗。但在巴克和主人桑顿互动时，它的表情被怪异地拟人化。比如桑顿有酗酒问题，巴克就会在桑顿饮酒的时候用不赞同的眼光看着他，这种更加人性化的形象也是电影的一种新尝试。 电影《野性的呼唤》剧照  但是也有反对观点认为，狗演员的表演本应该是真实自然的，CG技术制造的狗只是一个怪异的半机械合成品，将动物的本能变成人为造成的，这不再是真正的电影。 磨时艺见，每晚9点，准时更新。

姚谦从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。姚谦是知名的台湾音乐制作人、词作者，他创作的《我愿意》《鲁冰花》《如果爱》等皆是广为传唱的歌曲。同时，他也是拥有30多年收藏历史的艺术爱好者。他在自己的专栏文章中，分享了自己如何通过探寻画作背后的秘密来获得乐趣。收藏家施俊兆（左）与姚谦姚谦说，每当自己获得一件艺术品时，除了欣赏画作本身，还非常有兴趣翻看画框的用料、钉痕、制作方式、标签等，因为这里面都藏着可以阅读的信息。比如，在画作背面可以看到艺术家做的一些注记，在画框上会有着不确定是谁留下的标签和文字。 姚谦的个人收藏 姚谦还表示，这样的探索还需要依赖一个好的修复师或学术研究者，从科学考证的角度进行讨论。大家每一次的相互通信、上网搜集资料或者交错讨论，都能让探索画作秘密的这段记忆更加难忘。比如，在姚谦自己的收藏里，就有一件内框盖着1939年巴黎沙龙展览印章的潘玉良画作，经查证是1939年潘玉良第一次参加巴黎沙龙展览时的作品，但是画作上签字的年份却是1946年。这让姚谦觉得，这有可能是旧物重用，也可能是展览的那幅画被覆盖，或者是艺术家在经济限制下用旧画布重新再绘画。姚谦与他的藏品而这些都是待解的秘密，其中探索的过程绝对是超乎想像的时空旅行，能够让人们亲近作品、亲近作者，甚至走进另一个时空的世界。可以说，对一个收藏者来讲，画作后面的秘密常常比画面更为精彩丰富。以上内容由磨时艺见整理，希望对你有所启发。磨时艺见，每晚9点，准时更新！

安迪·戈兹沃西从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。近年来，随着环保观念深入人心，大地艺术逐渐受到人们的关注。大地艺术是一种以大自然为创作媒体，探讨人类与地球共生的艺术形式。现年63岁的大地艺术家安迪·戈兹沃西就是代表性人物之一。安迪·戈兹沃西的作品安迪的创作完全取材于自然，不论是一块石头、一根羽毛还是一根荆棘，都是他的创作材料。此外，他从不使用颜料、胶水等工具，以求保留自然的脆弱性，让材料更容易回归自然。他在作品里通过熟悉的自然事物将“永恒和片刻”这一抽象概念具像化，每件作品的最终形态并不是完成的那一刻，而是从无到有，逐渐生长凋零，再到消失这样一个随时间变化的过程。安迪·戈兹沃西的作品安迪把艺术创作比作摘土豆，他认为艺术要找到其中的韵律，发现节奏感，和大自然合拍。因此他放弃纸和笔，选择用手去创作，让这些从外部世界接收到的细腻感受唤起他创作的原始欲望。他曾久久躺在地上。只为了感受一场大雨，直到雨停为止才起身，在土地上留下温度、重量和干燥的影子，并以此作为他存在过的证明。安迪·戈兹沃西的作品为了让作品看上去浑然天成，安迪在大地艺术的创作过程中需要保持极大的敏感和耐心。比如做冰雕的时候，他必须等到温度降到足够低，才把坚固的冰块迅速融化进行创作。特别冷的时候，他还要用牙齿细微地调整冰块的形状。安迪·戈兹沃西的作品 现在安迪虽然有工作室，但却很少在室内工作，而是坚持每天外出探险。如果发现了能够启发他的地点和材料，就开始即兴构思。在他看来，人类是大自然的一部分，少了和自然的接触就是少了和自我的接触，而且艺术本质上是一种理解我们所生活的世界的方式，而他理解的途径有两种，走在路上或者穿过树篱。以上内容由磨时艺见整理，希望对你有所启发。磨时艺见，每晚9点，准时更新。

从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。吃过刺身的人都知道，刺身的装盘通常只是将切好的生鱼片加上一点装饰，造型比较单一。但在日本，有一个叫美今（mikyou）的父亲，他从来没学过画画，也没有厨艺背景，却把刺身当“画笔”，用双手排成一幅幅精致的画，为儿子“画出”无数个动画人物。 因为临海而居，美今的儿子很喜欢吃生鱼片，但却从来不知道自己吃的是什么鱼。为了帮助儿子认识料理，美今尝试了很多办法，总是以失败告终。偶然间，他发现儿子看动画的时候，能清晰地叫出每个人的名字，于是美今突发奇想，决心将生鱼片做成动画形象。 但实际操作起来并不容易。因为毫无料理经验的美今不仅要将生鱼片切得厚薄均匀，还要摆成让孩子轻松辨认的角色造型。他首先要一遍遍学习食物的摆盘以及如何复制孩子们喜欢的卡通形象。从构思到画上同等大小的造型，再到切鱼，摆盘，每次都要花上大半天时间。为了保持生鱼片新鲜的口感，摆盘的环节还必须在半小时内完成。在不断学习和实践中，美今对于刺身的处理手法逐渐达到炉火纯青的地步，在他的手下，鱼皮可以用来做有花纹的服装，而透明的鱼肉则可作为朦胧美丽的裙摆或翅膀，带来吹弹可破之感。 看着生鱼片被摆成自己最爱的动画人物，孩子们都惊呆了。现在再难分的鱼，他们也能流利地叫出名字。而美今也将自己的作品在社交平台上发布，收获了近5万名粉丝的关注，甚至被人们称为“刺身艺术家”。不知道在你的记忆中，你的父母有没有做过什么让人觉得很神奇的事情呢？欢迎留言分享。磨时艺见，每晚9点，准时更新。

宁浩从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。宁浩是国内知名导演、编剧，凭借作品《疯狂的石头》而广为人知，他的作品《无人区》则曾入围第64届柏林国际电影节主竞赛单元。他在接受媒体采访时，分享了自己对于国产电影创作的感想，认为文化是自然而然的反映，而不是靠竞赛的心态去硬做出来的。《疯狂外星人》：故事灵感来源于刘慈欣短篇科幻小说《乡村教师》，由刘慈欣、孙小杭编剧宁浩认为，拍国产电影要“找准电影的中国视角”。好莱坞电影、印度电影、中国电影、日本电影应该各有各的视角和故事，而不是谁去模仿谁。如果一部作品放之四海而皆准，那它是一件工艺品。如果这部作品离开特定的土地、民族，就无法成立，那它就是具有文化性的，是一件艺术品。比如，他在电影《疯狂的外星人》中就设置了外星人喝酒、求人办事、谈生意等桥段，这些情景放在国内的环境下很自然，但放在美国的环境中就不成立。《黄金大劫案》：讲述各路人物为了八吨神秘黄金粉墨登场、尔虞我诈的故事宁浩也反对把中国电影和美国电影进行对标比较，他觉得文化并不是赛跑，如果单纯为一种对标去干活，就特别像体育竞赛。无论是导演还是作家，都是为了生活更美好、更丰富去工作，而不是为了要比谁跑得快。在他看来，文化和艺术实际上是对生产力的反馈，或者说是对生产力的一个镜像，是一种自然而然的反映，而不是靠竞赛的心态去生硬制造出来的。《受益人》：宁浩监制作品，讲述吴海为了给罹患哮喘的儿子治病，在好友怂恿下酝酿一场别有用心的婚姻骗局宁浩觉得，中国的电影市场经过十多年的建设，已经发生了翻天覆地的变化，观影人群从过去的文艺青年、知识分子，逐渐向所有的层面辐射，看电影也变成一种日常的消费行为。而这就是中国电影赖以生存的土壤，有了这样肥沃的土壤，才会有各种各样的人才投入到电影创作当中。未来十年的电影市场舞台已经搭好，就看创作者们能唱出什么好戏来。以上就是宁浩对于国产电影创作的观点，希望对你有所启发。磨时艺见，每晚9点，准时更新。

阿伦·库马尔·巴贾吉从时代的角度看艺术，这里是磨时艺见。如今，人们一般会运用水彩颜料、马克笔、数位板等形式各样的工具进行作画。但是在印度，有位叫阿伦·库马尔·巴贾吉（Arun Kumar Bajaj）的裁缝店老板，却用缝纫机一针一线缝出来一幅幅作品，被人称为缝纫机艺术家。阿伦·库马尔·巴贾吉的作品阿伦从小学习绘画，对画画有兴趣也有天赋，梦想着能够成为一名画家。但在16岁的时候，父亲的去世让阿伦不得已接管家里的裁缝店，放弃了自己画画的梦想。可阿伦却不想一辈子只当个裁缝，他觉得虽然迫于生活压力没办法再拿起画笔，但是他可以用针线作画。阿伦·库马尔·巴贾吉的作品于是阿伦在每天完成日常工作后，就匍匐在自己的工作台前，开始用缝纫机画画。为了让画作外观整齐，阿伦选择单层刺绣而不是重复缝纫，因此作画时必须非常精确，往往一针下去就没有反悔的余地。为此阿伦用了许多心思，从简单的作品开始练习，然后逐渐增加难度。经过长时间的磨练，阿伦的作品，不论是光影还是“笔触”都十分自然，在各种色彩的转换和搭配等方面也会下很多的功夫，每幅作品要花费数月到数年不等。阿伦·库马尔·巴贾吉的作品阿伦的作品细节精妙让人难以置信。他最著名的代表作有两幅，一幅是画了3年，用了300万米的线才完成的《摩诃迦罗》。还有一幅是描绘《兰奇达的法庭》的主题，也画了一年多的时间，这幅画中包含了2000多个人物。阿伦·库马尔·巴贾吉的作品现在的阿伦，是全世界唯一一位公认的缝纫机艺术家，作品在印度和全球都受到了追捧，他的才华不但支撑起家里的裁缝店，而且也实现了自己当画家的梦想。磨时艺见，每晚9点，准时更新。