Une Page À La Fois

Voilà, on y est. Le 100e épisode. C'est l'occasion d'un bilan que j'espère inspirant : lancez-vous, faites des trucs, acceptez de bouger le cadre quand il le faut, et de le resserrer quand c'est nécessaire. Ce projet devait prendre 3 mois, il aura pris un an en comptant les pauses et les temps de montage. C'était chouette. J'espère que vous y avez pris plaisir et appris deux-trois trucs sur votre pratique de l'écriture et vous envies. Maintenant, en avant vers de nouveaux projets ! Si le mastermind, vous intéresse, c'est ici. Pour continuer à recevoir mes réflexions sur l'écriture par mail, inscrivez-vous sur https://cdd.anael.email

Faire des pauses, dans le livre comme dans sa pratique, en cours de projet et entre les projets, c'est nécessaire si l'on désire inscrire sa pratique dans le temps sans risquer l'épuisement. Ce n'est pas mon domaine d'expertise. Moi j'ai plutôt l'habitude de passer en force et de tracer sans jamais m'arrêter. Plus mes projets se complexifient, moins cette méthode fonctionne. Dans cet épisode, je réfléchis à voix haute à ce que j'ai pu observer sur la gestion des pauses, et sur leurs bénéfices.

Raconter des histoires, c'est s'amuser. Il est facile de l'oublier quand on essaye de faire "bien", de raconter des histoires qui "tiennent la route", cohérentes et intéressantes. Quand vous vous perdez, quand vous avez l'impression de stagner, revenez à cette simplicité du jeu, à ce qui vous fait plaisir. Allez plus loin avec le cadre de votre intrigue, aavec vos personnages. Appuyez-vous sur ce que vous nous avez proposé et installez-vous. Donnez de la place à vos idées. Cet épisode vise à nous reconnecter à cette donnée toute simple : raconter des histoires, c'est jouer. Redécouvrez la magie du jeu dans l'écriture. Plongez dans un univers où la pression s'efface au profit du plaisir créatif, révélant l'importance vitale de s'amuser tout en façonnant des mondes, des personnages et des intrigues. Cet épisode est une invitation à redécouvrir la joie ludique de la narration, à surprendre et à être surpris par vos propres créations. Rejoignez-nous pour explorer comment le jeu peut enrichir votre processus d'écriture, transformer votre approche narrative et injecter une étincelle de vie dans chaque page. Que vous soyez un auteur en quête d'inspiration ou simplement curieux de l'art de raconter des histoires, cet épisode vous offrira des perspectives nouvelles et excitantes sur l'écriture.

Votre texte ne doit contenir aucun temps mort pour être prenant. Mais pas de temps morts, ça ne veut pas dire que les personnages s'agitent ou qu'ils sont tout le temps en train de faire quelque chose. Un temps mort, c'est un moment qui ne fait pas progresser l'intrigue -- et par "faire avancer l'intrigue", je n'entends pas qu'il faille enchaîner les péripéties. Au contraire, les péripéties, si elles ne répondent pas à certains critères précis de progression de l'intensité, si elles s'éloignent du noyau dramatique de l'histoire, peuvent créer des temps morts au sens que je présente dans cet épisode. L'attention que vous porterez à cet unique point peut, à elle seule, vous aider à raconter des histoires plus fortes et plus prenantes.

Dans les profondeurs de la construction narrative, chaque élément introduit joue un rôle crucial dans la progression de l'histoire. Découvrez comment la réutilisation stratégique des éléments, des personnages aux objets en passant par les idées, peut créer une cohérence captivante et un sentiment d'unité au sein de votre récit. Les éléments clés introduits dans la première moitié de votre histoire sont réutilisés dans la seconde pour résoudre les nœuds de l'intrigue, enrichir la trame et surprendre agréablement vos lecteurs. En apprenant à travailler avec les informations de votre histoire, vous vous libérez du besoin de les cacher à votre lecteur. Vous préparez le terrain pour des résolutions qui semblent à la fois inévitables et originales et évitent les solutions "magiques" qui pourraient aliéner votre audience. Lorsque vous ajoutez la hiérarchisation des informations dans chaque scène, tous les détails de votre histoire, du plus insignifiant au plus marquant, deviennent des fils avec lesquels tisser un canevas narratif riche et satisfaisant pour vous et vos lecteurs.

Dans cet épisode je m'intéresse à l'importance de bâtir notre pratique créative sur nos expériences passées. J'examine la dynamique qui existe entre production constante de nouveautés (la réinvention) et l'importance de s'appuyer sur les leçons apprises de nos projets antérieurs. Plutôt que de chercher la disruption à tout prix, nous veillerons à ce que les phases en rupture dans notre parcours soient au service d'un projet artistique pensé à plus long terme. Ce voyage à travers la créativité nous emmène dans les profondeurs de notre identité en tant qu'auteurs, à l'écoute de la manière dont nos désirs et nos aspirations évoluent au fil des projets. Découvrez comment les écrivains peuvent honorer leurs œuvres précédentes tout en embrassant de nouveaux horizons, et comment les techniques narratives et les méthodologies peuvent être affinées pour refléter cette croissance. Chaque projet contribue à façonner notre identité singulière d'auteur. D'où il découle l'importance de reconnaître et d'intégrer ces expériences dans nos prises de décisions et nos choix de projets, que ceux-ci s'inscrivent en rupture ou dans la continuité de notre parcours.

Une histoire, c'est une intrigue et des personnages, certes, mais c'est aussi un univers. Même quand vous travaillez dans la littérature blanche ou contemporaine, vous façonnez un microcosme qui donne un sentiment d'unité mais aussi de la singularité à votre histoire. Dans cet épisode, j'explore comment les décors, les personnages et les cultures s'entremêlent pour former cet ensemble qui nourrit la construction de l'histoire et l'imaginaire du lecteur. D'un point de vue méthodologique, j'examine le passage progressif d'une construction à partir des archétypes vers des personnages et des décors nuancés. Cette transition s'appuie sur votre intention de l'histoire, sur le thème que vous voulez développer et le point de vue thématique que vous cherchez à incarner, à la fois littéralement et métaphoriquement. Ce voyage à travers la construction d'univers narratifs révèle l'importance des détails dans le tissage d'un monde cohérent et captivant. Cet épisode offre de précieux outils aux auteurs de tout niveau.

Je parle beaucoup de dramaturgie et d'univers narratif mais il y a une autre dimension au travail d'écriture créative, et c'est la dimension sensible. Un mélange de sensorialité et d'influences, quelque chose de l'ordre de l'intangible qui se perçoit dans tous nos choix... ... de personnages ... de décors ... d'histoires ... de mots ... de rythme. En travaillant régulièrement, comme des gammes, comme un travail structurel récurrent qui sous-tend la pratique d'écriture, vous encouragez la maturation des projets les plus proches de votre univers d'auteur. * Aujourd'hui, nous explorons un aspect fascinant et souvent sous-estimé de l'écriture créative : la sensibilité de l'auteur. Ce voyage intime et révélateur nous plonge dans le monde des influences et inspirations qui façonnent la voix unique de chaque écrivain. Je regarde comment les expériences vécues, les lectures et les mouvements artistiques se fondent dans une palette de couleurs narratives, peignant des histoires riches et immersives. Découvrez l'importance des personnages récurrents et des archétypes dans la construction d'une narration captivante, et comment le rythme, le ton et le style individuels contribuent à la texture unique d'une œuvre littéraire. Cet épisode est une célébration de l'art littéraire et un hommage à l'unicité de chaque auteur. Que vous soyez un écrivain aspirant ou un amoureux des mots, rejoignez-nous dans cette exploration de ce qui rend chaque histoire, chaque livre, chaque pièce écrite, véritablement unique.

Souvent présenté uniquement comme un outil de vente, le pitch est une formidable aide à l'écriture. Utilisé pendant le travail, il facilite la mise en évidence des forces et des faiblesses dramaturgiques d'un projet. En suivant une structure simple que l'on appliquera systématiquement, on verra surgir les leviers d'action (autant dramatiques que narratifs) qui nous aideront à renforcer notre histoire. Cet épisode explore plus précisément comment utiliser le pitch comme un outil de plus à notre disposition pour écrire des histoires plus solides.

Écrire un livre, c'est passer par quatre étapes : 1. Le désir du livre : c'est là que naissent les premières images et sensations liées à l'histoire. C'est là qu'on sent grandir notre envie de développer un personnage, un univers, et/ou une intrigue. 2. La structure : c'est le moment où l'on donne une forme à cette envie du livre. On se dit "ce sera un roman" ou "ce sera de la SF" ou alors on entre dans le détail du plan. 3. La rédaction : c'est le moment de rencontrer la matière première, de se lancer sur la page. 4. L'analyse : c'est le moment de regarder la matière et de décider quelles parts fonctionnent et quelles parts fonctionnent moins bien, et ce qu'on décide d'en faire. Ces 4 étapes, on ne les traverse pas qu'une fois mais encore, et encore, et encore, mais à chaque passage on en sait un peu plus sur le projet, sur notre envie et nos besoins. C'est pour ça que je parle de travail en spirale, parce que chaque boucle nous rapproche du centre : le livre fini et abouti.

Quand je travaille avec les auteurs -- dans le mastermind et dans mes autres formes d'accompagnement, je cherche en premier lieu à rendre apparente pour l'auteur, l'intention du texte. Cette intention est double, à la fois faite des lignes directrices qui donnent sa dynamique dramatique et narrative au texte, et à la fois nourrie par l'expérience que l'auteur veut créer pour ses lecteurs. On travaille l'intention par la maïeutique, un travail de dialogue entre l'auteur et moi, entre l'auteur et son texte, duquel peuvent émerger des réponses qui ne sont pas toujours verbales. Parler de l'intention, c'est la réduire à une toute petite part de ce qu'elle est réellement, c'est-à-dire quelque chose d'intangible, de parfois fugace, de ressenti, d'émotionnel et d'esthétique plus que quelque chose de très réfléchi ou conceptuel. Pourtant, il faut bien en parler.

"T'es inspiré ?" Cette question qu'on nous rebâche, nourrie par des siècles de vision romantique de l'auteur, passe à côté de deux problématiques très concrètes et très vivantes de l'écriture créative : 1. Comment je trouve des idées ? 2. Comment je trouve et maintiens ma concentration pour que l'écriture se déroule dans un état de flow ? L'état de flow c'est cette simili-transe pendant laquelle nous avons l'impression de disparaître du monde extérieur au profit de notre réalité intérieure. La notion d'inspiration laisse penser que nous sommes passifs face à cet état. Il nous tombe dessus... ou pas. Si c'est le cas, tant mieux. Sinon, ben tant pis. Dans cet épisode, j'expose plusieurs manière de favoriser l'émergence d'une concentration propice à l'état "inspiré". De quoi se libérer de la passivité et activer notre flow à la demande. Dans le Mastermind, si nous travaillons semaine après semaine, c'est pour entretenir nos réflexes créatifs et favoriser l'émergence des états favorables à notre meilleure production. __________ Background de la vignette par Dall-E.

Le flashback est un outil narratif délicat, à manipuler avec attention et précision. On ne casse pas la continuité narrative sans avoir une excellente raison de le faire, et expliciter les enjeux, présenter les relations ou justifier les motivations d'un personnage est rarement une excellente raison de faire appel au flashback (la même chose pourrait être dite de la voix off ou du récit choral). Alors pourquoi le trouve-t-on aussi souvent dans les premiers romans ? Peut-être parce que les auteurs font mal la distinction entre leurs besoins de connaissances sur leur projet, et les besoins du lecteur pour son expérience. Dans cet épisode je reviens sur cette nuance et je tente de donner quelques pistes méthodologiques qui vous aideront à mieux situer les flashbacks dans votre processus créatif.

Sur ce podcast, je parle beaucoup des compétences techniques de l'écriture créative elle-même : comment on imagine, structure, développe, une histoire et ses composantes. Il y a tout un pan du travail de l'écrivain qui consiste à savoir gérer une entreprise créative : choix et gestion des projets et des priorités, arbitrage entre projets artistiques et projets commerciaux, recherche de compromis entre la nécessité de la pratique et l'impulsion créative, mesure des progrès et place donnée aux progrès intangibles, difficilement quantifiables. Ce podcast "au fil de la pensée" réfléchit à ces questions et à toutes les compétences satellites nécessaires pour construire une pratique durable et épanouissante de l'écriture.

Dans cet épisode où ma pensée se construit à mesure que je parle, on aborde une question compliquée : Quelle place donner à notre zone d'excellence par rapport à notre désir créatif de sans cesse nous réinventer ? Comme il peut être difficile de savoir dans quoi nous sommes (vraiment) bons et ce qui nous distingue des autres auteurs, nous avons besoin d'outils et de regards extérieurs. Les regards extérieurs, on ne les prend pas littéralement mais en débusquant le sous-texte, en écoutant ce qui revient, souvent sous des formes différentes, dans les avis et les retours de nos différents lecteurs. Une réflexion en cours, donc, sur ce qui peut faire de nous des auteurs singuliers et remarquables.

Complexifier les récits sans les rendre plus compliqués, garder la simplicité d'une intrigue claire mais en lui entremêlant d'autres fils d'intrigue, cela se fait en distinguant entre les intrigues principales et les intrigues secondaires. La distinction s'opère au niveau de l'intensité des enjeux et les raisons d'être des intrigues secondaires peuvent être multiples : * Enrichir un personnage * Donner de la place à certains aspects négligés de l'univers * Développer certains aspects de la thématique * Créer des objectifs secondaires pour les personnages Ensuite se pose la question du tissage des différents niveaux d'intrigue. Cet épisode propose plusieurs approches progressives pour enrichir vos histoires.

La motivation, même sur un projet d'écriture qui nous tient à cœur fluctue au rythme de notre progression. Dès que nous perdons le fil, dès que nous avons du mal à sentir que nous avançons vers la réalisation du projet, nous pouvons perdre notre envie de nous y mettre. C'est la même chose si nous doutons des étapes à franchir, ou si nous ne sentons plus la connexion intimes aux raisons qui nous ont poussé à raconter cette histoire au départ. Ces raisons n'en sont d'ailleurs pas. Il s'agit plutôt de sensations, d'un élan émotionnel, d'une certaine manière dont le projet résonne avec notre sensibilité. La motivation se nourrit de tous ces marqueurs. Par ailleurs, la motivation n'est pas nécessaire pour écrire. Oui, il est plus facile de nous y mettre quand nous nous sentons "motivés" mais la motivation, comme l'inspiration naissent du fait d'écrire lui-même.

Pour créer un sentiment d'unité et de continuité dans nos histoires, nous veillons à réutiliser le maximum d'éléments plutôt que d'en introduire sans cesse de nouveaux dans le récit. Parmi ces éléments, les objets tiennent une place importante. Rarement anodins, ils peuvent être chargés de sens et d'émotion et se transformer pour faire écho à l'évolution des personnages et des relations. Dans cet épisode, je parle de la théorie et partage quelques étapes pour construire un la transformation d'un objet, notamment : Identifier les étapes auxquelles l'objet doit faire écho. Charger l'objet de sens lors de son introduction dans le récit. Faire évoluer l'apparence de l'objet en accord avec l'évolution des personnages. Bonne écoute !

Il est peu de compétences connexes à l'écriture qui soient plus importantes que notre faculté à entrer en concentration et à y rester. Qu'il s'agisse de basculer en un claquement de doigt dans le flow de l'écriture ou de garder le fil de l'histoire, la concentration nous apporte une aide précieuse tout au long du travail. Dans cet épisode, j'aborde aussi la question de la segmentation du travail et pourquoi chercher à produire un texte abouti à chaque coup est le plus sûr moyen de s'épuiser.

En complément de l'épisode sur la vision d'écriture, cet épisode propose des pistes pour prendre du recul sur votre pratique régulièrement. Les bilans permettent de renforcer l'expérience et la confiance dans sa compétence, en mettant en perspective le travail fait lors de chaque session d'écriture. À plus longue échelle, ils aident à ajuster vos prises de décisions au fil des apprentissages nés de votre pratique. Cet épisode vous donnera des pistes pour tenir un journal d'écriture qui vous permettra de préparer vos bilans.