Los Tallarines de Pantera

El Origen de "Los Tallarines de Pantera" se remonta al año 1992 cuando la banda de groove metal "Panera" lanza el álbum "Vulgar Display of Power". Este disco es una verdadera joya del metal que sacudió los cimientos del género y dejó una huella imborrable en la historia del metal. "Vulgar Display of Power" desde el primer momento en que lo escuchas, te das cuenta de que estás ante algo especial. Este álbum es una avalancha de riffs aplastantes, ritmos atronadores y la voz inconfundible de Phil Anselmo rugiendo con furia y pasión. Entre las canciones destacadas y con su intensidad inquebrantable, cuenta con canciones como "Walk", con ese riff icónico que te hace querer levantarte y golpear algo. No olvidar "Fucking Hostile", una oda al enojo y la agresión, o "This Love", una balada llena de angustia y desesperación que te perfora el corazón con su poder emocional. Más allá de las canciones, el álbum en sí es una declaración de principios. Pantera irrumpió en la escena del metal con una actitud de "toma lo que quieras y lucha por ello", y eso se refleja en cada nota de este disco. Fue un golpe en la mesa, una afirmación de que el metal no se trata solo de música, ¡sino de una forma de vida! "Vulgar Display of Power" es más que un simple álbum de metal. Es una declaración de guerra, un puñetazo en la cara, un grito de rebelión. Pantera son leyendas del metal que cambiaron el rock para siempre. ¡Con este álbum nació nuestro nombre! "Los Tallarines de Pantera"

!Bienvenidos a otro episodio lleno de buena música y charlas relajadas aquí en Los Tallarines de Pantera! Hoy estamos más emocionados que nunca porque vamos a hablar de la vuelta triunfal de los íconos chilenos, ¡Los Tres! Acomódense porque vamos a sumergirnos en el universo de "Hojas de Té", una joya que resuena en el álbum "La espada y la pared". Y, ¿qué hace esta versión tan especial? Pues que, ¡es interpretada por los miembros originales de Los Tres! La nostalgia está a mil, un reencuentro que para muchos ha sido una verdadera fiesta de emociones. ¿Quién no recuerda la época dorada de Los Tres? Esos acordes pegajosos, las letras poéticas que te llegaban al alma, ¡ese sonido que te hacía sentir en casa! Pues bueno, están de vuelta, y más fuertes que nunca. "Hojas de Té" es como ese viejo libro que encuentras en tu estantería y te transporta a momentos que creías olvidados. Pero esta vez, la historia es diferente. Los Tres nos traen una versión fresca, con la madurez y la experiencia que solo el tiempo puede dar. Es como si la canción hubiera crecido junto con nosotros. Los acordes inconfundibles de Ángel Parra, la voz inigualable de Álvaro Henríquez, la energía única de Roberto Lindl y la triunfal vuelta de Pancho Molina. ¡es una combinación mágica que nos hace sentir vivos! La química entre ellos es palpable, como si nunca hubieran dejado de tocar juntos. Así que, mientras escuchamos esta nueva joya, recordamos por qué nunca hemos dejado de escuchar a Los Tres. Es como si estuviéramos compartiendo unas chelas con viejos amigos, riendo de las historias del pasado y emocionándonos con las nuevas. En resumen, esta vuelta de Los Tres es como un abrazo musical. "Hojas de Té" es la prueba de que la buena música trasciende el tiempo, y estos locos lo siguen demostrando. Así que, a ponerse cómodos y disfruten de este viaje musical con nosotros. Andrew y Miguel "Los Tallarines de Pantera"

¡Sumérgete en la Emoción! ¿Listos para una experiencia musical única de la mano de Cabaretta?, banda chilena que nos trae su versión lenta y seductora de "Fiesta" de Raffaella Carrá. Este viaje musical fusiona el encanto nostálgico de Los Ángeles Negros con la misteriosa elegancia de Portishead. La canción es parte de la banda sonora de la serie de culto "La Sangre del Camaleón" de Tvn, y te llevará a un mundo de intriga y pasión. Descubre la magia de "Fiesta" a través de los oídos de Cabaretta y prepárate para una experiencia auditiva que no olvidarás. Y para un análisis en profundidad de esta joya musical, no te pierdas el último episodio de nuestro podcast "Los Tallarines de Pantera". ¡Sintoniza nuestro podcast y adéntrate en el mundo de sonidos únicos que solo Cabaretta puede crear! ¿Listos para la fiesta?

La polémica del uso de inteligencia artificial en la música se toma a Los Tallarines de Pantera. Esta vez no metemos en uno de los temas más candentes de los últimos años. Con nuestra onda, críticos pero con humor ante todo. Desde hace algunos años, la inteligencia artificial (IA) ha ganado terreno en el mundo de la música. Su capacidad para crear y producir música de manera autónoma ha generado una serie de debates en la industria, especialmente en lo que respecta a los derechos de autor y la creatividad humana. Recientemente, un proyecto que utilizó IA para crear una canción imitando el estilo de Drake y The Weeknd ha generado una nueva polémica al respecto. El uso de IA en la música es un tema que genera opiniones encontradas. Por un lado, algunos defienden que la IA puede ser una herramienta valiosa para mejorar y acelerar el proceso de producción musical. La IA puede, por ejemplo, crear melodías o letras que podrían inspirar a los músicos a crear nuevas canciones. Además, algunos músicos han utilizado la IA como una forma de experimentación creativa, como en el caso del productor David Guetta, quien utilizó IA para agregar una voz en el estilo del rapero Eminem a una canción en vivo. Por otro lado, hay quienes argumentan que el uso de IA en la música representa una amenaza para la creatividad y la originalidad. Al entrenar un software de IA con las voces y estilos de artistas populares, se corre el riesgo de crear música que sea una copia exacta de las canciones originales. El uso de IA para crear música puede ser visto como un intento de reemplazar a los músicos humanos, lo que podría afectar negativamente a la industria y a los artistas. El debate sobre el uso de IA en la música es un tema complejo y multifacético que requiere de una discusión más profunda en la industria musical. Si bien es cierto que la IA puede tener algunas ventajas en la producción musical, también es cierto que su uso debe ser cuidadosamente regulado para evitar violaciones de derechos de autor y fomentar la creatividad y la originalidad. La música es una forma de expresión artística que se nutre de la humanidad y la emoción, y es importante que sigamos valorando estas características en la producción musical.

La canción cuenta la historia de la poetisa argentina Alfonsina Storni, quien sufrió una triste enfermedad que la marcaría profundamente. Con el tiempo su salud fue empeorando hasta que finalmente en 1938 y tras una noche de inmenso dolor llamó a la asistenta de la hostal donde se está quedando y le dicta una carta para su hijo y en la madrugada del 25 de octubre la poetisa se tira al mar bajo una lluvia torrencial dejando la carta que escribió para su hijo y el poema “voy a dormir”. Una canción llena de nostalgia. Compuesta por el pianista argentino Ariel Ramírez y el escritor Félix Luna, publicada por primera vez en el disco de Mercedes Sosa Mujeres argentinas, de 1969. Es, probablemente, uno de los mayores exponentes del folclore y la música popular argentina, y un clásico del cancionero latinoamericano. Ha sido interpretada por innumerables artistas, de diversos géneros.

Esta vez conversamos con el gran Patricio Cuevas @cuevaspato periodista, locutor en @futurofm y con una gran carrera radial. Y que hace poco acaba de lanzar su primera novela llamada "La lluvia borra todo" junto a @penguinlibroscl. Una novela llena de nostalgia de los años '80 en la que Patricio nos lleva a un viaje de un joven para poder entender mas de su vida llena de aventuras y sobre todo de música. De ahí que patricio quizo compartir con nosotros esta canción que forma parte de la banda sonora de esta gran novela. Una entretenida y amena conversación con @cuevaspato en la que hablamos de música, literatura, historia y mucho mas. "Brass in Pocket", canción de la The Pretenders, que fue lanzada el año 1979 como parte del algún debut de la banda. Escrita por Chrissie Hynde y James Honeyman-Scott, y producida por Chris Thomas. "Brass in Pocket" llegó a ser un gran éxito de la banda alcanzando el número uno en el Reino Unido. Además el video de este tema fue uno de los primeros en ser transmitido por MTV el año 1981. Una canción que nos habla sobre el poder de la confianza en uno mismo. Tener "brass in pocket" es un modismo inglés que significa tener suficiente confianza en uno mismo para hacer lo que uno se proponga. Te invitamos escuchar y compartir este capítulo y que disfrutes de nuestra apreciación de Brass in Pocket junto a Patricio Cuevas. Disponible ahora en @spotifychile @applepodcast como Tallarines de Pantera, o a través del link en la bio. Salud, y buena música para todos..!

"We are Sudamerican Rockers" Un verdadero himno de los años noventa de la mano de Los Prisioneros. Canción que destacó por su ironía y que nunca fue incluida oficialmente en ningún disco de Los Prisioneros. Solo en recopilaciones y en la edición latinoamericana del álbum "La cultura de la basura". Un tema que no solo significó mucho para músicos chilenos si no que también para todos los del patio trasero a USA. Está canción destacó también por ser el primer video clip en ser emitido por la cadena MTV Latino, siendo la elegida entre muchas para representar la música en español o de esta lado del mundo. Escrita por el gran Jorge Gonzales refleja toda la onda rokabilly de la época. Con una letra llena de ironía riéndose en la misma cara de Elvis. Quien mas que Los Prisioneros podrían hacer esto. Te invitamos escuchar y compartir este capítulo y que disfrutes de nuestra apreciación de We are Sudamerican Rockers.

"Buena" es la canción con la que la banda Morphine, liderada por Mark Sandman, se hizo conocida mundialmente. Una canción llena de misterio y que nos entrega todo el talento de una de las bandas de culto mas importante de la década de los años 90. Sandman y su bajo con solo dos cuerdas logró plasmar todo su talento, nostalgia y pasión en esta canción que está incluida en su segundo álbum del año 1993 titulado "Cure for Pain". Morphine sin duda es y será una de las bandas mas disruptivas de la historia, un bajo un saxo barítono y una batería sería la base para esta gran obra maestra. Te invitamos escuchar y compartir este capítulo y que disfrutes de nuestra apreciación de esta increíble canción, con datos y anécdotas de como se gestó todo esto. Disponible ahora en @spotifychile @applepodcast como Tallarines de Pantera, o a través del link en la bio. Salud, y buena música para todos..!

Tuyo. Un electrizante bolero escrito y compuesto por el cantautor brasileño Rodrigo Amarante para el tema de apertura de la serie ⁠Narcos⁠. Con una historia que eriza los pelos, inspirado en el pensamiento de qué tipo de música habría escuchado la madre de Pablo Escobar cuando criaba a su hijo. Te invitamos escuchar y compartir este capítulo y que disfrutes de nuestra apreciación de esta increíble canción, con datos y anécdotas de como se gestó este tema que la rompe en el streaming.

40 años se cumplen hoy del lanzamiento de este gran disco de nuestro legendario David Bowie. Y lo quisimos celebrar con un capítulo especial con la canción "Let`s Dance" que le da el nombre al álbum lanzado el 14 de abril del año 1983. Un disco que marcaría un antes y después en la carrera de David Bowie. Producido por el gran Nile Rodgers y con la gran participación en guitarras de increíble Stevie Ray Vaughan. Un disco lleno de éxitos y canciones que nos hacen salir a bailar y recordar lo grande que es y será nuestro gran "héroe" David Bowie. Te invitamos escuchar y compartir este capítulo y que disfrutes de nuestra apreciación de esta increíble canción, con datos y anécdotas de como se gestó todo esto. Disponible ahora en Tallarines de Pantera y en nuestros canales de @spotifychile @applepodcast como Tallarines de Pantera, o a través del link en la bio.

Nos pusimos románticos con este gran tema de la banda mexicana “Café Tacvba”. “Eres” fue el tercer single del álbum Cuatro Caminos lanzado en el año 2003. Interpretada y escrita por Meme (Emmanuel Del Real) y producida por el gran Gustavo Santaolalla. Una canción llena de magia, amor, con armonías perfectas y un mensaje que seguramente has escuchado. Aquí te contamos mas sobre este lindo tema. Esta canción está basada en el amor incondicional que se siente por ese ser especial. La letra menciona que siempre ha querido estar al lado de su amor (esa persona que ama), y ha pasado mucho tiempo deseando que ese afecto algún día ser fructuoso. Esta melodía es para esas personas que tienen un sentimiento escondido por alguien o simplemente esperaban el momento de expresarlo y que aun a pesar de saber que es un afecto hermoso por quien se ama, por fin lo logran demostrar que esa persona “es” lo que anhelan para ser felices. Te invitamos a revisar este nuevo capítulo y que disfrutes de nuestra apreciación de esta increíble canción, con datos y anécdotas de como se gestó todo esto. Esta canción obtuvo el número 38 en el Latin Pop Songs de la revista Billboard.1​ y ganó el Premio Grammy Latino en 2004 a la Mejor Canción de Rock y fue nominado a la Mejor Canción del Año y al Mejor Video.

Una muy entretenida conversación sobre música y sonidos que tuvimos el agrado de compartir en radio Valentín Letlier @rvletelier el viernes 17 de marzo en el programa @cafenegro97.3 que conduce Eduardo Drouillas @drouillas. Una entrevista y programación de canciones en la que @andrewontherocks de los @tallarinesdepantera junto al gran Javier Moraga @javiermoraga. Conversamos sobre quienes son Los Tallarines de Pantera, que es lo que buscamos trasmitir y de que manera. En esta entrevista podrás conocer un poco mas de nosotros y algunas canciones de las qie tenemos publicados algunos capítulos de nuestro podcast "Los Tallarines de Pantera" Nuestro manifiesto: No nos limitamos un estilo de música. Lo ecléctico, lo dispar y asimétrico es lo que nos mueve. Aquí escucharas desde Beethoven hasta el metal mas duro… pasamos por todo, escuchamos y hablamos de todo y para todos. ¿Por qué elegir un solo estilo musical si podemos disfrutar con todos..? Somos críticos, multidisciplinarios y buena onda. Si quieres ampliar tu cultura musical, aprender y descubrir artistas, intérpretes y creadores.. este es tu lugar.

En nuestro programa hemos hablado bastante de la tesitura, que es la tesitura, sobre todo cuando hablamos de cantantes. La tesitura es la extensión o el rango vocal en altura o frecuencia que tienen las voces, es decir, lo agudo que pueden ser o los bajas que pueden ser y está tienen diferentes categorías. Estas Son “soprano”, “contra alto”, “tenor” y “bajo” a veces agregando mas que es “mezzosoprano” y “barítono”. Aquí tenemos un ejemplo de @melhaller.composer que lo pueden seguir en todas las redes sociales de un tema próximo estrenar. Aquí tenemos un ejemplo de: Sopranos. Contra alto El tercer ejemplo es Tenores Y el último a mostrar Bajos Y todas este diferentes alturas de voces, alturas tonales crean un coro. Eso es amigos. Una pequeña cápsula de Los Tallarines de Pantera síguenos en nuestras redes sociales, compartan y disfruten nuestros programas.

Los Tallarines de Pantera Miguel @miguel_lara_riquelme y Andrew @andrewontherocks. Esta vez nos lanzamos con este gran tema de Jeff Buckley. "Grace" que le da el nombre a su único disco editado. Jeff Buckley tubo una trágica muerte pero nos dejo este disco lleno de canciones increíbles entre las que destaca “Grace”, de la que te contamos mas detalles sobre su historia y análisis musical. Grace del disco homónimo es perfecta y con una producción impecable, al igual todos y cada uno de los temas del álbum. El guitarrista Gary Lucas colaboró creando los riffs principales (uno de los puntos fuertes, por cierto), y la producción del propio Jeff Buckley junto con Andy Wallace, si bien no se corresponde con lo que luego eran capaces de llevar al directo, es impecable. A principios de los año 90, vemos que realmente era un tema bastante atemporal. Sobre esta canción, ya concretando, un análisis algo más detallado dará luz a sus virtudes. El sonido en general nos sitúa en un rock sólido, con el ritmo de batería bien marcado, guitarras de sonido limpio pero con riffs claros y acordes llenos. En este ambiente nos encontramos con un misterioso teclado apenas perceptible pero que aporta un contrapunto que oscurece el conjunto, así como las cuerdas, con un efecto similar. En la segunda estrofa se nos mete a lo banda sonora, para después puntualizar con pizzicato; posteriormente escucharemos el sonido de la madera de los arcos, tras el segundo estribillo… Sobre esta orquestación destaca la prodigiosa voz de cuatro octavas y media de Jeff Buckley, quien se reserva sus mejores agudos y potencia para terminar como es debido, en medio de la confusión del flanger, con pocos momentos de varias voces, aunque muy bien elegidos. Sin duda alguna una canción no deja a nadie indiferente. Un disco para escuchar una y otra vez.

Gossip la canción destacada del tercer álbum de estudio de la banda italiana Måneskin. Esta vez junto a al gran guitarrista Tom Morello destacado y legendario por ser parte de "Rage Against the Machine". 17 canciones vienen en el disco "Rush" de Måneskin siendo "Gossip" la que destaca por fuerza y letra. El tema de rock ‘n’ roll desenfrenado “ha traído la rabia a  Maneskin”, como declaró el baterista del grupo, Ethan Torchio. El tema nace de un riff que el guitarrista Thomas Reggi tenía entre  sus borradores hacía un buen tiempo y con la llegada de Morello, los  miembros de la agrupación decidieron echarle un ojo para descubrir que  tenía un gran potencial. “Se unió el icono Tom Morello y aportó algo más  a la clásica alegría uptempo de Måneskin”, señaló la bajista Angelis. A  esto, el vocalista Damiano David también dio sus declaraciones ante  semejante colaboración. “La enorme experiencia de Tom Morello nos ha  permitido aprender a trabajar en los temas sin darle demasiadas vueltas.  No podemos agradecerle lo suficiente que se haya unido a nosotros en  este tema. Es un honor para toda la banda”. Pero el honor no fue solamente por parte de la banda italiana, sino que el miembro de Rage Against the Machine halagó el  trabajo de los intérpretes de ‘Beggin’’. “Cuando me enteré de que había  una banda de rock and roll de Italia que estaba arrasando en todo el  mundo me dije: ‘¿En serio? Por favor’. Luego, cuando les vi tocar en  directo, me quedé alucinado. Son un grupo rotundamente ruidoso,  rotundamente sexy y rotundamente ROCK, y merecen ser uno de los  abanderados del rock and roll para las nuevas generaciones”.

"Bailando Solo" de Los Bunkers. Canción incluída en el disco La velocidad de la luz (2013). Esta canción tiene un estilo más moderno que canciones de los otros discos de esta banda, un tema muy bailable, con teclados y sintetizadores, manteniendo su estructura de rock clásico que siempre ha caracterizado a Los Bunkers. Fue lanzado como sencillo el 5 de abril de 2013, en formato de descarga digital, para promocionar el álbum La Velocidad de la Luz. El 7 del mismo mes llegó a la tienda en línea de iTunes. La canción además fue incluida en la gira que comenzó la banda en ese año, donde recorrieron todo Chile, comenzando con el sur. No quedan dudas de que Bailando Solo es una de las canciones más icónicas de la carrera de Los Bunkers. Como parte de La Velocidad de la Luz, este sencillo se consagra como uno de sus temas más exitosos de todos. Una Canción llena de buena onda, pero con una letra que digna de analizar. Mauricio Durán revela grandes secretos de la legendaria banda nacional. La canción icónica de Los Bunkers y su más escuchada actualmente en plataformas de streaming. Una canción con estilo bastante ochentero. Según Mauricio Durán se inspiró en dos canciones como Dancing With Myself de Billy Idol y Dancing in the Dark de Bruce Springsteen para dar nombre a este super tema. La canción describe muy bien la sensación física y sicológica de quien se mete estas drogas medias raras. La elevación de la temperatura corporal, la forma en la que se percibe la música y el placer que se siente no solo con la persona a tu lado, sino también con uno mismo, confesó Mauricio Durán.

Precursores del Protopunk el término no describe a un género musical sino a un grupo de bandas. Tampoco fue un movimiento musical propiamente dicho. Los Saicos fueron clasificados de esta manera y fueron inclasificables en su momento y esto no cambió hasta bastante tiempo después del surgimiento del punk, momento en que esta clasificación se empieza a usar retrospectivamente para unir bajo una sola palabra a todas estas bandas. Hasta este momento no había nada que uniera a las bandas lo suficiente. Los Saicos grupo surgido en el Perú de los sesentas que la mitología del rock ubica como uno de los precursores del punk, a partir de su música estridente, chirriante y poco complaciente. Los Saicos se fundó en 1964, en el distrito de Lince, en Lima. Estuvo conformada por César Castrillón, Rolando Carpio, Erwin Flores y ‘Pancho‘ Guevara, quienes por aquellos años apostaron por tocar una música con un estilo salvaje y rebelde. Tenían apenas 19 años cuando comenzaron a tocar y desde sus inicios llamaron la atención del público por sus canciones. Los miembros de Los Saicos han sido considerados en varias oportunidades los pioneros del punk en Perú y el mundo.Los gritos y el sonido crudo marcaron el rumbo del grupo. “Era algo totalmente lúdico, las canciones nos salían así porque simplemente nos queríamos expresar. Es más, cuando nos salían unos acordes romanticones, nos jodía. De sus sencillos, grabados entre 1965 y 1966, los más conocidos son «Demolición», «Fugitivo de Alcatraz», «Cementerio», «El entierro de los gatos», «Ana» e «Intensamente», los cuales se han convertido en himnos del rock peruano y, con el tiempo, han propiciado el reconocimiento de la banda internacionalmente. En esa época la gran mayoría de los grupos trataban de imitar el estilo de grupos británicos como The Beatles y cantar en inglés. Sin embargo Los Saicos no siguieron esa línea, tampoco hicieron covers de otras bandas y decidieron cantar en español composiciones propias y así definieron un estilo único. Solo tienen dos canciones en inglés que fueron hechas en sus inicios por ellos mismos: «Come on» y «Lonely star».

Aunque la colaboración entre el mítico grupo de rap Run DMC y la banda de rock Aerosmith no fue el primer crossover entre hip hop y rock, sí que fue la que más acabó cambiando en la historia de la música. A mediados de los ochenta, Run-DMC solía improvisar en los directos con el inicio de ‘Walk This Way‘ (la canción original de Aerosmith, de 1975) loopeada. A decir verdad, los integrantes del grupo no sabían muy bien ubicar a Aerosmith y puede que ni siquiera hubieran oído la canción entera, más allá de los primeros segundos sobre los que rapeaban improvisando frente al público. Fue de Rick Rubin (como tantas otras veces) la genial idea de ponerse en contacto con Aerosmith y grabar una colaboración que acabaría siendo histórica y sonando en todo el mundo. Tengan en cuenta que el rap en aquella época era algo mucho menos asentado a nivel global, aunque también un género considerado más novedoso, callejero, subversivo y refrescante. Lo curioso de la versión de ‘Walk This Way’ entre Run DMC y Aerosmith es que no solo escaló en las listas de ventas generales, sino también en las de rock y rap, es decir: gustó a gente aficionada a dos géneros musicales completamente diferentes y hasta entonces apartados. Por si fuese poco, la canción volvió a poner en el mapa a Aerosmith, que llevaba algunos años apartada del mainstream debido a los problemas de Steven Tyler con las sustancias ilegales. El genial videoclip (rodado en Nueva Jersey) también ayudó al éxito de la canción. Aunque hoy nos parece que está todo inventado, lo cierto es que la idea del histórico productor Rick Rubin (un tipo que ha ganado premios Grammy en tres géneros diferentes) no solo abrió las puertas a las colaboraciones entre rap y rock, sino que mostró los inicios de un género llamado rap metal que tendría bastante éxito veinte años después. Rubin, como siempre, no esperaba a que la historia sucediese, sino que la inventaba a tiempo real.

“Blinding Lights” la colaboración de Rosalía junto The Weeknd. Analizamos la versión que ambos artistas hicieron del gran éxito del 2019 que sigue entre lo más escuchado en Spotify. La polémica es que no a todos los seguidores quedaron conformes con el resultado. Blinding lights fue lanzada originalmente el 2019 y ha arrasado en todo el mundo: ha permanecido en las lista de los temas más escuchados en el streaming. Rosalía suma una segunda colaboración en cosa de días, ya que la semana pasada se estrenó su colaboración con Bad Bunny en La noche de anoche. El tema comienza con la voz de Rosalía, bastante más aguda que de costumbre, en español. Precisamente han sido las partes en castellano interpretadas por la catalana. La inserción de muletillas como "bebé" al final de algunas frases no acaban de encajar bien en el estilo de la canción que, en su versión original, es un grito desesperado de ayuda. La voz de la española con la de The Weeknd se fusionan en el estribillo donde sí parecen acoplarse bastante bien. Pese a arrasar en otros premios como los MTV Video Music Awards y los American Music Awards, no obtuvo ninguna nominación a los Grammy, algo que molestó al cantante: “Los Grammy siguen corruptos. Me deben a mí, a mis fans y a la industria la transparencia”. Una Canción bastante ochentena con bits y ritmos basados en sintetizadores que recuerdan a los A-Ha. Todos un a onda bailable que no te deja indiferente a pesar de que la letra del tema es un poco triste y dramática.

"Ruiner" es la sexta pista de The Downward Spiral, algún lanzado en el año 1994 por Nine Inch Nails "NIN". Un álbum conceptual que detalla la autodestrucción de un hombre desde el comienzo de su "espiral descendente" misantrópica hasta su punto de ruptura suicida. The Downward Spiral ha sido considerado por los críticos musicales y el público como uno de los álbumes más importantes de la década de 1990, y fue elogiado por su naturaleza abrasiva y ecléctica y sus temas oscuros, aunque fue sensacionalizado por los conservadores sociales por algunas de sus letras. El mismo Trent Reznor declaró que "Ruiner" había sido "la canción más difícil de escribir" para el este disco."Tengo una vibra tan mala de esa canción ahora, de que apesta de tantas maneras diferentes. Y declaró que en realidad "eran dos canciones diferentes pegadas". "Ruiner" se caracterizan por poseer sonidos industriales, capas y más capas de efectos de sonido muy procesados ​​que son increíblemente difíciles de identificar y tienen la distorsión y el ruido suficientes como para hacerte pensar que estás a punto de hacer mierda tus parlantes. Las «guitarras» se dejar entrever tímidamente, pero la influencia de la música rock es significativamente menos pronunciada cuando se compara con temas como «Heresy» o la enorme «March of the Pigs», las cuales tienen una estructura más fácil de seguir.