Ars sonora

Presentamos la segunda edición del proyecto "Dos lugares, dos escuchas", una iniciativa relacionada con la práctica del paisaje sonoro que aspira a establecer puentes entre la creación sonora experimental y el coleccionismo de arte contemporáneo, al tiempo que pone en valor el patrimonio natural e histórico del contexto rural.Esta segunda edición de "Dos lugares, dos escuchas" ha estado protagonizada por la artista valenciana Laura Romero Valldecabres y la estadounidense (residente en Barcelona) Barbara Held. Ambas creadoras disfrutaron, entre los meses de mayo y junio de 2025, de sendas residencias de creación artística en la sede de la Fundación Campocerrado, en el entorno de Ciudad Rodrigo (Salamanca). A partir de las particularidades acústicas (pero también ecológicas, históricas, sociales, etc.) de la dehesa salmantina elaboraron dos composiciones que hoy presentamos en su estreno radiofónico."Un pulso sobre la tierra" es el título de la pieza sonora desarrollada por Laura Romero tras su estancia en Campocerrado. En ella, la artista intenta "conectar con ese paisaje, con los ecos de ese paisaje, con el pasado, con las múltiples capas que encontramos en un paisaje a lo largo de los años y las décadas […]", según sus propias palabras. En este ejercicio de memoria acústica desempeña un papel fundamental el trabajo de la también artista sonora e investigadora Susana Jiménez Carmona, que fue invitada a Campocerrado en la primera edición de este proyecto, y desarrolló allí su composición "Cascabullos", tan solo unos meses antes de su prematuro fallecimiento. Laura Romero recuerda a Jiménez Carmona, citando la obra mencionada, en el inicio de "Un pulso sobre la tierra".Barbara Held, por su parte, nos propone la pieza "Imagen sonora de Siega Verde”" que ella misma presenta así: “Una exploración de las singulares condiciones acústicas de Siega Verde, yacimiento de arte rupestre paleolítico al aire libre ubicado dentro la dehesa salmantina. Las figuras zoomórficas allí representadas nos conectan con una visión del mundo que subraya la relación entre los seres humanos y los demás animales, un vínculo que sigue siendo parte esencial de esta tierra”.Durante sus respectivas estancias en Ciudad Rodrigo, Romero y Held estuvieron acompañadas y orientadas por los principales responsables de la Fundación Campocerrado, Borja Fernández-Cobaleda y Luis Gea. Sus declaraciones para esta edición de Ars Sonora nos permiten adentrarnos en los procesos artísticos que condujeron a la composición de estas dos nuevas obras, así como en las atractivas peculiaridades del entorno rural salmantino para cualquier artista sonoro interesado en explorar las relaciones entre esos excepcionales lugares y las escuchas que, esperamos, continuarán sugiriendo en próximas ediciones de este proyecto.Escuchar audio

Continuamos nuestra celebración del sesenta aniversario de Radio Clásica escuchando un conjunto de composiciones musicales fechadas alrededor de 1965.El 22 de noviembre de ese año, es decir, hace seis décadas, iniciaba su andadura la emisora que hoy conocemos como Radio Clásica. ¿Qué músicas se estaban creando en ese momento histórico? ¿Qué se estaba componiendo, qué obras sonoras se estrenaron en 1965? Ars Sonora, en su continua exploración de las músicas más radicales y los sonidos más desafiantes de los siglos XX y XXI, recorre en esta emisión —siguiendo la estela del programa emitido la semana pasada, como primera parte de este doble monográfico— un conjunto de piezas procedentes de diferentes lugares del mundo que refleja las corrientes estéticas que definían el panorama de las músicas experimentales y el arte sonoro en torno al año 1965, al tiempo que nos preguntamos acerca de la situación en nuestro país durante ese momento histórico.Escuchamos, en esta segunda parte de nuestro viaje en el tiempo y en el espacio, "Bye Bye Butterfly" (1965), un trabajo de la compositora estadounidense Pauline Oliveros en el que nos ofrece su particular relectura de "Madama Butterfly", la ópera de Giacomo Puccini estrenada en 1904. Seguidamente presentamos "It's Gonna Rain" (1965), primer trabajo de gran entidad del también estadounidense Steve Reich. También ofrecemos una selección de piezas electrónicas realizadas, respectivamente, por las compositoras británicas Maddalena Fagandini, Delia Derbyshire y Daphne Oram. Todas ellas desarrollaron su labor compositiva, desde el comienzo de los años sesenta del pasado siglo, en el taller de arte radiofónico de la BBC (BBC Radiophonic Workshop). Estas audiciones nos permiten reflexionar acerca del papel que desempeñaba la mujer (en el plano cultural, social, político, jurídico, doméstico...) dentro del contexto español de esos mismos años sesenta.Concluimos esta emisión —y, por tanto, esta celebración del sesenta aniversario de Radio Clásica— con la audición de "Lament for the Death of a Bullfighter" (1959), una obra compuesta unos años antes de ese 1965 que nos ha servido como eje en este programa y en el anterior, pero que resulta pertinente aquí, entre otras razones, porque esta pieza toma como punto de partida el poema de Federico García Lorca "Llanto por Ignacio Sánchez Mejías" publicado hace ahora no sesenta, sino noventa años, es decir, en 1935. Esta composición de Roberto Gerhard, escrita para recitador y cinta magnética, nos invita a pensar en todos y todas las artistas que, como Gerhard (que vivió entre 1896 y 1970), hubieron de exiliarse tras la sublevación militar de 1936, lo que sin duda mermó el panorama artístico y cultural —y todas las demás esferas de la vida pública española— propio del año 1965, es decir, del momento en el que nacía la emisora que hoy —en una España muy diferente a la de aquel año, afortunadamente para todos— nos permite presentar y comentar todas estas composiciones.Escuchar audio

En esta edición de Ars Sonora, emitida en las primeras horas del día en que celebramos el sesenta aniversario de Radio Clásica, escuchamos un conjunto de composiciones musicales fechadas, precisamente, en el año 1965.El 22 de noviembre de aquel año, es decir, exactamente hace seis décadas, iniciaba su andadura la emisora que hoy conocemos como Radio Clásica. ¿Qué músicas se estaban creando en ese momento histórico? ¿Qué se estaba componiendo, qué obras sonoras se estrenaron en 1965? Ars Sonora, en su continua exploración de las músicas más radicales y los sonidos más desafiantes de los siglos XX y XXI, recorre en esta emisión -así como en la de la semana que viene, en la segunda parte de este doble monográfico- un conjunto de piezas procedentes de diferentes lugares del mundo (Europa, América, Asia…) que refleja las corrientes estéticas que definían el panorama de las músicas experimentales y el arte sonoro en el año 1965, al tiempo que se pregunta acerca de la situación en nuestro país durante ese momento histórico.Escuchamos, en esta primera parte de nuestro viaje en el tiempo y en el espacio, la "Sequenza III" (1965), una obra de Luciano Berio compuesta para la voz de Cathy Berberian (esta audición nos permite celebrar, también, los respectivos centenarios de estos dos artistas, Berio y Berberian, ya que ambos nacieron en 1925). También presentamos "Scenario" (1965), la única pieza dentro del amplio catálogo del compositor alemán Helmut Lachenmann creada para cinta magnética —también nos sirve, esta escucha, para celebrar otro aniversario, pues Lachenmann alcanzará sus noventa años en unos pocos días, concretamente el 27 de noviembre—. El italiano Luigi Nono, maestro de composición de Lachenmann, es el siguiente protagonista de nuestro espacio, pues en 1965 recibió del director y productor teatral alemán Erwin Piscator una esperada oferta de colaboración. El proyecto consistía en la representación de una nueva obra de Peter Weiss, "Die Ermittlung" ("La investigación"), una pieza de teatro documental basada en un texto que condensaba las declaraciones de los testigos de los juicios de Auschwitz celebrados en Fráncfort entre diciembre de 1963 y agosto de, precisamente, 1965.Tras una presentación de varios fragmentos de las músicas realizadas por Nono para esta obra de teatro, concluimos la primera parte de este doble monográfico con una pieza de Maki Ishii —compositor nacido en Tokio en 1936 y fallecido en 2003—. Su composición "Hamon" (término japonés que se traduce literalmente como “ondulación sobre el agua”) está escrita para conjunto de cámara, violín solista y cinta magnetofónica compuesta, y nos ofrece otra perspectiva acerca de las músicas que, desde distintos rincones del mundo y muy diferentes sensibilidades, fueron imaginadas en un mismo año, 1965, al mismo tiempo que nacía la emisora que hoy —en una España muy diferente a la de aquel año, afortunadamente para todos— nos permite presentar y comentar todas estas composiciones.Escuchar audio

En esta segunda parte del doble monográfico dedicado a Pedro Trotz —Pere Amengual, nacido en Palma de Mallorca en 1969— continuamos explorando la singular trayectoria de este artista a través de otro diálogo registrado en los estudios UBIK de Palma —y propiciado por el también artista e investigador Txema González de Lozoyo, a quien extendemos nuestro agradecimiento—. Este programa revela —de nuevo— cómo la geografía insular, lejos de ser un impedimento, puede convertirse en un catalizador de descubrimientos y colaboraciones (también en un plano internacional) y profundiza, así, en la filosofía creativa que sostiene la obra de Trotz, en sus contactos con artistas y músicas muy relevantes en el desarrollo de su poética, y finalmente en su investigación doctoral sobre el legado transformador de Rob Hordijk.El variadísimo conjunto de audiciones que jalonan esta conversación recorre un arco estético que, como en la primera parte de este monográfico, conjuga la curiosidad tecnológica, una igualmente irrefrenable pasión por la música y la fertilidad inesperada de los más impredecibles encuentros —físicos y sonoros—. Ese extenso arco comienza, en esta ocasión, con la colaboración entre Anthrax & Public Enemy ("Bring The Noise") y la música de Kraftwerk ("Home Computer" y "Autobahn"), antes de incluir algunos trabajos del propio Pedro Trotz (procedentes del disco de Trotz "Psicopomp", publicado en 2023, así como las piezas aún inéditas "Fun Fun Fun at the Funeral" y "Miedo a la Eucaristía"). También escuchamos, fragmentariamente, obras de Esplendor Geométrico ("Muerte a escala industrial"), de Nicolás Arianoutsos —también conocido como Resonic— (un fragmento de su "Untitled Live at Radar"), 23 Skidoo ("Fuck You GI"), Alva Noto ("HYbr:ID Ectopia Field 1"), Autechre ("Simmm"), Pauline Oliveros ("Once Again / Buchla Piece 1966"), Wendy Carlos ("The Shining: Main Title" y "Switched on Bach") y Richard Scott ("Strkng", que forma parte de sus "Eight Studies for Copulating Blippoo Boxes"). El programa concluye con la descripción de la Blippoo Box, un dispositivo inspirado por las teorías y experiencias de Hordijk en torno a los lazos de realimentación no lineales (canalizados a través de modulaciones recíprocas de frecuencia entre dos osciladores), que en última instancia han dado lugar a un instrumento musical aparentemente sencillo, pero con un enorme rango de expresión. El propio Rob Hordik describió la Blippoo Box como "bent by design", en alusión a la práctica del "circuit bending" (es decir, la modificación más o menos artesanal de un circuito sonoro, a menudo procedente de un juguete musical, con objeto de "jaquearlo" para que produzca otros resultados acústicos imprevistos). En este sentido, la arquitectura misma del dispositivo ideado por Hordijk está diseñada para albergar los principios propios de los sistemas caóticos —tal y como los describe la física teórica—, invitando al usuario a desarrollar su capacidad de escucha y de improvisación. Así se manifiesta, de hecho, en la pieza para Blippoo Box creada e interpretada por Pedro Trotz expresamente para esta edición de Ars Sonora con la que concluye este doble monográfico dedicado al artista palmesano.Escuchar audio

Presentamos, en esta primera parte de un doble monográfico dedicado a Pedro Trotz —nombre artístico de Pere Amengual, nacido en Palma de Mallorca en 1969—, la singular trayectoria de un artista cuya vida encarna los derroteros inicialmente improbables, pero fascinantes, que puede tomar la experimentación sonora cuando se conjugan la curiosidad tecnológica, la pasión por la música, y la fertilidad inesperada de los más impredecibles encuentros. Grabado en los estudios UBIK de Palma, este programa recoge un diálogo —propiciado por el también artista e investigador Txema González de Lozoyo, a quien extendemos nuestro agradecimiento— que, entre otras cosas, revela cómo la geografía insular, lejos de ser un impedimento, puede convertirse en un catalizador de descubrimientos y colaboraciones (también en un plano internacional).Esta conversación con Pedro Trotz parte de sus primeros contactos con la música electrónica, en los cuales la radio desempeñó un importante papel. Recordamos también sus experiencias tempranas en el montaje de artefactos sonoros de carácter electrónico, que antecedieron al acceso al primer sintetizador. Durante los años ochenta, en el contexto de Palma (y, recordemos, antes del desarrollo de internet), Trotz se inició en la síntesis sonora de manera autodidacta, hasta descubrir —a través de la radio, nuevamente— que existía una comunidad invisible de experimentadores sonoros distribuida en los lugares más insospechados.Trotz nos relata, en este diálogo, cómo después —ya en la última década del pasado siglo— consiguió establecer fértiles conexiones con algunos miembros de esa comunidad: siendo coeditor del fanzine "La parturienta" (proyecto editorial extremadamente ecléctico, en cuyas páginas se entremezclaban artistas como Nick Cave, Jim Jarmusch, Prodigy o Asmus Tietchens, por ejemplo), Trotz establece contacto con Arturo Lanz, de Esplendor Geométrico, quien casualmente estaba destinado profesionalmente en Mallorca. Esta colaboración se convierte en el germen de una red que consolidará su papel como “evangelizador de la cultura y el estilo de vida electrónico" en el contexto balear. Otro encuentro fundamental en este recorrido llega con Rob Hordijk, diseñador holandés de sintetizadores de formación heterogénea (joyero, programador, ingeniero electrónico…) que desarrolló lo que tanto él como Trotz denominan la "East Dutch Coast", una escuela holandesa de diseño de sintetizadores que combina elementos procedentes de las tradiciones estadounidenses representadas, respectivamente, por Buchla (costa oeste californiana) y Moog (costa este neoyorquina). La relación entre Trotz y Hordijk se intensificó a través de la celebración de importantes encuentros internacionales dedicados a la luthería digital, y aún más cuando el holandés se trasladó a Mallorca. Tras el fallecimiento de Hordijk en 2022, Trotz decide emprender una investigación doctoral sobre su legado, proyecto que motiva su reciente traslado a Madrid, y con el que busca colmar una notable laguna en el campo de la organología, dentro del cual los electrófonos han sido históricamente marginados.A lo largo de esta primera emisión dedicada a Pedro Trotz escuchamos diversas referencias musicales que ilustran su particular recorrido artístico y vital: algunos extractos de su ya muy extensa "Serie alfabética" (cuyo autor describe como "estudios sobre las posibilidades sonoras que surgen de la fusión de medios físicos y virtuales para la producción de sonido"), un fragmento de la pieza de Asmus Tietchens "Falter-Lamento" (procedente del disco "Nachtstücke", de 2017), la composición titulada "Azrael" (que forma parte del disco de Trotz "Psicopomp", publicado en 2023), la pieza de Víctor Nubla "Otro paseo espacial" (incluida en su "Integral para MS20 (82-86)", así como un extracto de "Bring The Noise" (composición surgida de la colaboración entre los grupos Anthrax y Public Enemy).Escuchar audio

Celebramos, en esta emisión de Ars Sonora, el cincuenta aniversario de la composición "De Natura Sonorum", una de las obras más ambiciosas e influyentes dentro de la tradición de la música electroacústica, y punto de inflexión decisivo en la evolución de la música acusmática. Estrenada el 3 de junio de 1975 en la Salle Wagram de París, esta suite de doce movimientos, dividida en dos series de seis piezas cada una, representa la cristalización de una década de investigaciones sobre la naturaleza fenomenológica del sonido, principal preocupación estética de su autor, el compositor francés Bernard Parmegiani.Bernard Parmegiani nació en París en 1927 y falleció en esa misma ciudad en 2013, después de una vida dedicada a la exploración de las posibilidades expresivas del medio electroacústico. Su trayectoria resulta singular, pues su formación no fue la de un músico académico tradicional, sino que provino de múltiples disciplinas que confluirían en una visión única de la creación sonora. Durante su servicio militar, dentro de los servicios cinematográficos del ejército, Parmegiani adquirió conocimientos prácticos en técnicas de grabación de sonido. En 1954 comenzó a trabajar en la radio y rápidamente se convirtió en ingeniero de sonido en televisión. Pero simultáneamente, durante estos mismos años cincuenta, practicaba mimo, primero con Maximilien Decroux y posteriormente con el legendario Jacques Lecoq, entre 1957 y 1961. Esta experiencia con el mimo resulta, a primera vista, sorprendente en la biografía de un compositor. Sin embargo, el propio Parmegiani consideraba ese período como fundamental para su posterior desarrollo como artista sonoro. El trabajo corporal con Lecoq —que enfatizaba la flexibilidad física, la precisión del movimiento y la exploración del espacio— le enseñó conceptos de arquitectura y gestualidad que Parmegiani transfirió posteriormente a su pensamiento compositivo sobre la estructura del universo acústico.Durante estos mismos años, Parmegiani se entregó a un pasatiempo que anticipaba su posterior aproximación artística al sonido: la creación de fotomontajes surrealistas, cortando, pegando y ensamblando imágenes de periódicos para crear composiciones visuales surrealistas y lúdicas. Este trabajo de manipulación de materiales preexistentes para generar nuevos significados nuevo presagiaba la metodología que caracterizaría posteriormente la música concreta: la utilización de materiales sonoros pregrabados, sometidos a procesos de transformación y recontextualización para crear nuevos significados musicales.Parmegiani se unió en 1959 al GRM ("Groupe de Recherches Musicales", fundado por Pierre Schaeffer poco después del final de la Segunda Guerra Mundial, en el contexto de la radio pública francesa). Inicialmente trabajó como técnico de sonido, asistiendo a compositores ya establecidos. Posteriormente abandonó su trabajo en la televisión francesa (ORTF) para dedicarse íntegramente a su formación en el GRM, y realizó ilustraciones sonoras para cortometrajes producidos por el Servicio de Investigación. Durante este período colaboró con compositores notables como Iannis Xenakis,Fue después de una fecunda producción musical de dos décadas cuando Parmegiani realizó un gesto compositivo radical: se apartó deliberadamente de la abundancia productiva que lo había caracterizado hasta entonces y se concentró en una exploración más profunda y metódica de la naturaleza del sonido mismo. Conforme a esta aproximación, casi entomológica, el análisis atento del sonido (frecuentemente descrito por el compositor como un "ser sonoro") se convirtió en la característica fundamental de su estilo maduro. Es en este contexto donde surge la obra que hoy presentamos en Ars Sonora."De Natura Sonorum" —título que puede traducirse como "Sobre la naturaleza de los sonidos", y que remite a poema filosófico-didáctico de Lucrecio "De rerum natura", que defiende las doctrinas del epicureísmo y la física atomista— está organizada en dos series de seis movimientos cada una:"Incidences / Résonances" ("Incidencias / Resonancias")"Accidents / Harmoniques" ("Accidentes / Armónicos")"Géologie Sonore" ("Geología sonora")"Dynamique de la Résonance" ("Dinámica de la resonancia") "Étude Élastique" ("Estudio elástico") "Conjugaison du Timbre" ("Conjugación del timbre")La segunda serie de "De Natura Sonorum" comprende otros seis movimientos:"Incidences / Battements" ("Incidencias / Pulsaciones")"Natures Éphémères" ("Naturalezas efímeras")"Matières Induites" ("Materias inducidas")"Ondes Croisées" ("Ondas cruzadas")"Pleins et Déliés" ("Trazos gruesos y finos")"Points contre Champs" ("Puntos contra campos")Estos doce movimientos constituyen estudios sistemáticos sobre las propiedades intrínsecas del sonido y sus relaciones mutuas. Parmegiani explora la naturaleza fenomenológica del objeto sonoro —concepto central en la teoría de Pierre Schaeffer— pero lo hace desde una perspectiva compositiva que trasciende la mera experimentación tímbrica para construir una rigurosa arquitectura musical. Cincuenta años después de su creación, "De Natura Sonorum" mantiene intacta su capacidad de asombro y revelación. La obra ha marcado a varias generaciones de compositores electroacústicos, pero su influencia trasciende ampliamente los límites de la música académica, ya que artistas tan diversos como Aphex Twin, Autechre o Sonic Youth han reconocido explícitamente su deuda con la obra de Parmegiani.Escuchar audio

En esta edición monográfica de Ars Sonora les proponemos una inmersión en la obra de Mary Kouyoumdjian, compositora y documentalista armenio-estadounidense cuya música trasciende las fronteras entre la composición contemporánea y el arte sonoro documental para crear un lenguaje expresivo que humaniza las experiencias del desplazamiento, el trauma transgeneracional y la búsqueda de identidad cultural. Mary Kouyoumdjian nació en 1983 en el área de la Bahía de San Francisco, California, en el seno de una familia cuya historia encarna múltiples migraciones. Sus abuelos y bisabuelos fueron desplazados desde Armenia durante el Genocidio de 1915, buscando refugio primero en Siria y posteriormente estableciéndose en Líbano. Décadas después, sus padres y hermano se vieron forzados a migrar desde Beirut hacia San Francisco como consecuencia de la Guerra Civil Libanesa que devastó el país entre 1975 y 1990. Esta historia de sucesivos desplazamientos, de búsquedas desesperadas de seguridad, constituye el núcleo emotivo que articula toda la obra compositiva de Kouyoumdjian, transformando la experiencia personal en un testimonio artístico de alcance universal. La característica más distintiva del lenguaje compositivo de Kouyoumdjian es lo que ella misma ha denominado "música como documental". Esta aproximación representa una ruptura radical con la tradición de la composición pura, en la que la música existe independientemente de referencias extramusicales. En el trabajo de Kouyoumdjian, los elementos electrónicos se integran orgánicamente con los instrumentos acústicos, no como complemento decorativo sino como extensión expresiva del discurso musical. Su paleta sónica, heredera de su herencia multicultural, fusiona sonoridades derivadas de tradiciones musicales armenias y libanesas con técnicas de síntesis digital contemporánea. Según la propia compositora: "Explorar la delgada línea que separa la música acústica de la electrónica parece ser una característica de todas mis composiciones. Presto atención, sobre todo, al tipo de material que crea la ilusión de que estamos escuchando sonidos electrónicos cuando en realidad provienen de instrumentos tradicionales". La primera audición en esta emisión de Ars Sonora forma parte de la ópera "Adoration", estrenada en 2024, con libreto del dramaturgo canadiense Royce Vavrek. Esta obra se basa en la película homónima de 2008 del cineasta armenio-canadiense Atom Egoyan, cuya premisa resulta tan provocadora e incómoda hoy como lo era hace casi dos décadas, y de hecho podría afirmarse que su relevancia se ha intensificado en el contexto de la polarización social y política propia de estos últimos años. Royce Vavrek, libretista canadiense al que la revista The New Yorker ha caracterizado como "el Hofmannsthal indie", y que ha colaborado extensamente con compositoras como Missy Mazzoli, Du Yun y David T. Little, ha capturado en la ópera una estructura temporal fragmentada que refleja la complejidad de la narrativa de la película de Egoyan. "Adoration" ha sido registrada por un elenco de solistas que incluye a Miriam Khalil, Omar Najmi, David Adam Moore y Karim Sulayman, junto al Silvana Quartet y The Choir of Trinity Wall Street, bajo la dirección de Alan Pierson. Otra de las obras más celebradas de Mary Kouyoumdjian es "Paper Pianos", que fue nominada como finalista al Premio Pulitzer de Música en 2024. El jurado describió la obra como "una obra multimedia socialmente urgente que fusiona música y documental de audio con narrativas en primera persona de refugiados, explorando cómo la música sirve como solaz e inspiración bajo condiciones de desplazamiento". Esta composición presenta narrativas de cuatro refugiados: el pianista afgano Milad Yousufi, Getachew Bashir —procedente de Etiopía—, Hani Ali —de Somalia— y Akil Aljaysh —de Irak—. Las grabaciones de estos protagonistas se incorporan integralmente en la composición. El movimiento inicial de "Paper Pianos" se titula "You Are Not a Kid" (2016), y fue resultado de un encargo del conjunto Alarm Will Sound y el Mizzou International Composers Festival. Esta sección se enfoca específicamente en Milad Yousufi, joven refugiado procedente de Kabul cuya vida fue amenazada por los talibanes por su dedicación a la música. Kouyoumdjian integra una pista grabada con entrevistas en las que el joven cuenta sus experiencias de la infancia durante la guerra civil afgana. La escritura instrumental, para flauta, oboe, clarinete/clarinete bajo, fagot, trompa, trompeta, trombón bajo, dos percusionistas, piano, violín, violoncellos y contrabajo acompaña esa narrativa con un discurso musical que alterna entre la esperanza y la angustia. Escuchamos después "The Vanishing Dark" (2017), compuesta para el ensemble Talea, que representa una desviación temática dentro de la obra de Kouyoumdjian, aunque mantiene su aproximación característica a la integración de electrónica y elementos acústicos. Esta pieza fue inspirada por un episodio del podcast "Nocturne", y explora la pérdida de la oscuridad natural y nuestro falso sentido de seguridad proporcionado por la luz artificial. Aunque temáticamente diferente de sus obras sobre traumas políticos y desplazamiento, "The Vanishing Dark" demuestra cómo Kouyoumdjian utiliza técnicas de composición para reflexionar sobre nuestras relaciones contemporáneas con el entorno y la percepción. Por su parte, "Bombs of Beirut" (2014) constituye quizás la obra más personal y políticamente urgente de Mary Kouyoumdjian. Surgida gracias a un encargo del Kronos Quartet como parte del proyecto "Kronos: Under 30", esta pieza se estructura en tres movimientos: "Before the War", "The War" y "After the War". La pista pregrabada que acompaña al cuarteto incluye entrevistas con familiares y amigos de la compositora que comparten sus diversas experiencias viviendo en tiempos de guerra, así como documentación sonora de bombardeos y ataques contra civiles grabados en un balcón de apartamento entre 1976 y 1978. Seguidamente presentamos "Silent Cranes" (2015), otro encargo del Kronos Quartet, que representa otra aproximación de Kouyoumdjian al problema del testimonio y la memoria, en este caso con el propósito de conmemorar el centenario del Genocidio Armenio. La composición está inspirada en la canción folclórica armenia "Groung" (Grulla), cuya narrativa es profundamente simbólica: en la canción, el intérprete invoca a la migrante grulla, rogándole que le traiga noticias de su tierra natal distante. La composición incorpora grabaciones históricas, proponiendo un diálogo temporal entre la voz de una superviviente del genocidio y la música contemporánea de Kouyoumdjian. La obra termina con las palabras del periodista de investigación David Barsamian: "Nuestros abuelos están cantando. Terminemos sus canciones". Esta frase final articula perfectamente la misión que Kouyoumdjian se ha asignado a sí misma como compositora: no pretender hablar por los muertos, sino continuar sus canciones inconclusas, es decir: mantener viva su memoria a través del testimonio artístico.Escuchar audio

Ofrecemos, en esta edición de Ars Sonora, un documento sonoro registrado el pasado sábado 11 de octubre de 2025 en CRUCE, la sala madrileña ubicada en la calle Doctor Fourquet número 5, con motivo de la celebración del 70º aniversario de Wade Matthews. Este programa constituye un homenaje a una de las figuras más influyentes del panorama de la música experimental española durante las últimas tres décadas, cuyo trabajo como músico, improvisador, ensayista y agitador cultural ha transformado Madrid en un referente internacional para el circuito de las músicas improvisadas.Wade Matthews, nacido en 1955 en La Chapelle-St. Mesmin (Francia), llegó a Madrid en 1989 tras doctorarse en Composición y Electroacústica por la Columbia University de Nueva York. Desde entonces, es decir, durante más de treinta años, Matthews ha programado incansablemente conciertos, encuentros y talleres que han permitido el diálogo entre músicos de múltiples generaciones y procedencias, convirtiendo la sala de la calle Doctor Fourquet en un laboratorio de experimentación sonora abierto a toda la ciudadanía.Nuestro homenaje radiofónico captura algunas voces de quienes se acercaron ese día hasta CRUCE para celebrar no solo la música, sino —sobre todo— la vida de Wade Matthews. Escuchamos declaraciones de Rosa Díaz Mayo, Alfredo Vicent, Pelayo Fernández-Arrizabalaga, Marta Sainz Serrano, Luis Elorriaga, Isabel Corullón, Abdul Moimême, Ana Matey, Ángel Gutiérrez Valero, Mario Gutiérrez Cru, Pilar Duque, Rocío Robles Tardío, Luz Prado, Rubén Turba, Enrique Zaccagnini, Chema Chacón, Paloma Carrasco, Ricardo Tejero, Juan Cepas y, cómo no, el propio Matthews. Este elenco de músicos, investigadores, gestores culturales y aficionados a las músicas improvisadas representa a todas esas generaciones que, a lo largo de las décadas, han compartido escenario, reflexiones y experiencias con el protagonista de esta edición de Ars Sonora.La emisión se entreteje con fragmentos del disco "Trust from Intimacy", editado en octubre de 2025 por el sello escocés scatterArchive, con sede en Glasgow. Esta discográfica, activa desde 1994, se ha especializado en la documentación de músicas improvisadas y experimentales bajo la filosofía del "pay what you can afford" ("paga lo que puedas permitirte"), democratizando así el acceso a propuestas sonoras que habitualmente circulan en circuitos muy especializados. El álbum fue grabado el 10 de noviembre de 2024 por Joaquim Monte en los Namouche Studios de Lisboa, y posteriormente mezclado y masterizado por Abdul Moimême. "Trust from Intimacy" documenta el encuentro de tres improvisadores cuyas trayectorias reflejan diferentes aproximaciones al arte sonoro contemporáneo. El disco consta de tres piezas: "Sonic Shelter", "The Quiet Edge" y "Looking Out", que exploran las posibilidades expresivas de la música de cámara electroacústica basada en la improvisación libre. La violinista malagueña Luz Prado aporta su violín, instrumento que aborda desde perspectivas tanto tradicionales como radicalmente experimentales. Abdul Moimême, guitarrista y arquitecto lisboeta, contribuye con guitarras preparadas, objetos diversos y sonidos electrónicos. Wade Matthews completa la formación con síntesis digital y grabaciones de campo manipuladas en tiempo real, técnicas que ha desarrollado a lo largo de décadas de investigación sobre las posibilidades expresivas de los medios electroacústicos.La música de Wade Matthews ha estado presente en Ars Sonora en diversas ocasiones. El 5 de mayo de 2012 le dedicamos un programa monográfico en el que presentamos un recorrido por sus trabajos recientes en colaboración con músicos como Luis Tabuenca, Carmel Raz, Ayélet Lerman y Alfredo Costa Monteiro. La obra de Matthews también sonó en el programa que dedicamos, el 27 de junio de 2009, al libro de Montserrat Palacios y Llorenç Barber "La mosca tras la oreja". Por otra parte, el 27 de abril de 2013 participó en un programa sobre la improvisación libre, en el cual conversamos también con Chefa Alonso y con Josep Lluís Galiana, autores de sendos libros que presentábamos en la librería madrileña El Argonauta, especializada en música. Más recientemente, su pieza "A Brief Explanation", de 2002, fue incluida en el vigésimo capítulo de "Relatos del ruido", programa que celebraba el veinte aniversario de la muestra internacional de arte sonoro IN-SONORA, dentro de la cual Matthews ha sido una presencia constante. Todas estas emisiones están fácilmente disponibles, por supuesto, a través del podcast de Ars Sonora.Escuchar audio

Ofrecemos, en esta edición de Ars Sonora, un registro directo grabado en la mañana del viernes 10 de octubre de 2025 durante la 33ª edición de Estampa, la Feria Internacional de Arte Contemporáneo celebrada en IFEMA (Madrid) entre los días 9 y 12 del citado mes. En este programa dialogamos con un conjunto de historiadoras del arte, mientras presentamos una selección de audiciones musicales y extractos sonoros procedentes del archivo de "Metrópolis", el programa de arte contemporáneo más longevo de la televisión española, que en 2025 cumple cuarenta años —pues inició sus emisiones, al igual que Ars Sonora, en 1985—.Participan en la conversación Aurora Fernández Polanco, catedrática emérita del Departamento de Historia del Arte Contemporáneo de la Universidad Complutense de Madrid, y coautora junto al historiador del arte y educador Pablo Martínez (que, muy desgraciadamente, no nos ha podido acompañar en esta emisión) del libro "En busca del pueblo. Cultura material y museos" (Akal, 2025). Este ensayo, recientemente aparecido, y que presentamos en esta emisión, propone una arqueología de la modernidad a partir del estudio de las colecciones de veintitrés museos de Madrid. Ello se concreta en un relato construido "desde abajo", que desafía las narraciones más establecidas.Se suman a la conversación Maria Pallier, directora desde 2008 del programa de La2 de Televisión Española "Metrópolis", así como Susana Blas Brunel, comisaria e historiadora del arte contemporáneo especializada en videocreación, quien a su vez forma parte del equipo de redacción desde 1999. La excepcional experiencia que —desde el más profundo compromiso con la televisión pública— acumulan estas compañeras de RTVE nos permite pensar conjuntamente acerca de cómo los formatos audiovisuales también pueden proponer formas alternativas de relatar la Historia del Arte. El programa se jalona mediante audiciones que conectan las diversas reflexiones de estas tres invitadas. Comenzamos con "Playback Play", obra radiofónica compuesta entre 1996 y 1997 por el argentino Mauricio Kagel, que recrea con humor surrealista los sonidos de una feria de instrumentos musicales —lo que nos invita a establecer conexiones entre el arte sonoro y el marco que nos acoge, a saber, la feria Estampa—. Escuchamos después varios fragmentos de la obra de Frederic Rzewski "The People United Will Never Be Defeated", articulada a través de treinta y seis variaciones construidas a partir de la canción chilena "El pueblo unido jamás será vencido" de Sergio Ortega, aquí interpretadas al piano por Ursula Oppens. Esta pieza de 1975, que combina el virtuosismo pianístico con el compromiso político, transitando entre lo popular y lo vanguardista, nos ayuda a recordar las manifestaciones a favor del pueblo gazatí que en las últimas semanas han desbordado diversas ciudades de todo el mundo, al tiempo que dialoga directamente con las propuestas del libro de Aurora Fernández Polanco y Pablo Martínez acerca de la construcción de narrativas populares en la Historia del Arte.Diversos extractos del archivo sonoro de "Metrópolis" acompañan, por otra parte, nuestra conversación con Susana Blas y Maria Pallier, y nos invitan a recorrer la evolución del arte contemporáneo durante las cuatro últimas décadas: desde los "Austrian Abstracts", que nos sirven para contextualizar la llegada a España de Maria Pallier, hasta el trabajo de figuras ya desaparecidas como Karin Ohlenschläger, Pedro Garhel (fundador del Espacio P), Carles Santos y José Manuel Costa. Escuchamos también fragmentos de creaciones sonoras de Ryoji Ikeda, "Manjar" de Llorenç Barber y "To-ca-ti-co-to-ca-tà", de Carles Santos.Agradecemos la inestimable colaboración del equipo de Estampa —especialmente a Andrea Sánchez Espadero, responsable de coordinación y producción, y a Chema de Francisco, director de la feria— en la preparación de este registro en vivo, una iniciativa impulsada con la generosa complicidad de Eva Sandoval, directora de Radio Clásica.Escuchar audio

Se inicia aquí una nueva temporada de nuestro espacio que, si todo va bien, se extenderá durante el resto del año 2025 y nos conducirá hasta mediados del año 2026. Recuperamos, por cierto, el "clásico" horario de emisión de nuestro espacio, en la noche de los viernes.En lugar del habitual avance de programación con el que solemos iniciar cada nueva temporada, en esta ocasión dirigimos nuestra escucha hacia unos trágicos acontecimientos que han marcado profundamente el pasado verano. La temporada de incendios de este año en España se ha convertido en la peor de las registradas en más de tres décadas, y se ha extendido a un total de dieciséis comunidades autónomas. El avance devastador del fuego se ha visto amplificado por olas de calor históricas, vientos y la falta de una adecuada gestión forestal. Factores, todos ellos, que junto al clima extremo y el abandono de los territorios rurales han facilitado la propagación de las llamas. Desde Ars Sonora queremos recordar a todas las víctimas de estos incendios con una serie de audiciones que, al haber resonado ya en anteriores ediciones de nuestro espacio, nos permiten amplificar nuestra memoria y nos invitan a evitar el olvido del pasado.El programa se abre con la escucha de "Und ich sah wie ein gläsernes Meer mit Feuer gemischt" ("Y vi como un mar de cristal se mezclaba con fuego"), una composición para órgano de la rumana Adriana Hölszky interpretada aquí por el organista y compositor alemán Dominik Susteck. Esta obra, que ya se presentó en Ars Sonora en noviembre de 2023 dentro del triple programa monográfico dedicado al septuagésimo aniversario de la compositora, presenta una minuciosa elaboración textural que evoca sonoridades propias de la creación sonora electroacústica.Continuamos nuestro recorrido con los sonidos de "Fuego en Castilla", película experimental realizada por José Val del Omar en 1960. Este "ensayo sonámbulo de TactilVisión", tal y como lo definió su propio autor, forma parte del "Tríptico elemental de España" y propone un diálogo entre el Barroco castellano y la experimentación cinematográfica.Seguidamente escuchamos "Fire Fragile Flight" ("Vuelo frágil del fuego") de Lucia Dlugoszewski, compositora nacida en Detroit (Estados Unidos) en 1934, muy influyente en la escena alternativa de Nueva York desde los años cincuenta del pasado siglo. Esta obra orquestal de 1973, que nos llega en la interpretación de la Orchestra Of Our Time bajo la dirección de Joel Thome, le valió a Dlugoszewski el Premio Internacional Koussevitsky en 1977, lo cual la convirtió en la primera mujer en obtener este reconocimiento en la modalidad de grabación.El programa prosigue con "Irrlicht" ("Fuego fatuo"), de la compositora austriaca Eva Reiter, nacida en Viena en 1976. Esta pieza, escrita en 2012 para conjunto instrumental y electrónica, suena aquí en la interpretación del conjunto Multiple Me (ensemble fundado por la propia compositora). Reiter explora en este trabajo la delgada línea entre lo acústico y lo electrónico, creando la ilusión de que percibimos sonidos sintéticos cuando en realidad provienen de instrumentos tradicionales.La emisión concluye con un emocionado recuerdo de Javier Piñango, artista sonoro madrileño fallecido el 9 de septiembre de 2025. Toda la comunidad vinculada a las músicas experimentales ha lamentado profundamente esta pérdida. A través de su pieza "irr_hell", grabada y masterizada por el propio artista en 2013, recordamos a un incansable divulgador del ruido y apasionado defensor de la experimentación sonora, impulsor de sellos como Triquinoise y Por Caridad Producciones, y director del festival Experimentaclub en La Casa Encendida entre 2000 y 2010. La música de Javier Piñango será también recordada en un homenaje al compositor que se celebrará el miércoles 5 de noviembre de 2025, dentro del ciclo "Relatos del ruido", en la Cineteca de Matadero Madrid.Esta "Memoria del fuego" pretende servir no solamente como una conmemoración de las víctimas de los incendios, sino también como un recordatorio de la urgente necesidad de reforzar las labores de prevención para que nuestras instituciones trabajen desde ahora en evitar que tragedias similares vuelvan a repetirse el próximo verano.Escuchar audio

Con este programa, que da fin a la temporada 2024-2025 de nuestro espacio, quisiéramos recordar algunos momentos compartidos a través de nuestras emisiones radiofónicas semanales durante los últimos meses. Escuchamos, pues, algunos pasajes de esos programas, que presentaremos solamente separados por la simulación de interferencias (quizá generadas por la propia memoria que intenta proyectarse en cada uno de esos momentos).En el inicio de esta temporada tuvimos ocasión de presentar la música de Pharmakon, es decir, la artista neoyorquina Margaret Chardiet (nacida en 1990), que ahora recordamos antes de escuchar un extracto de la pieza sonora "Cascabullos", creada por Susana Jiménez Carmona durante su residencia artística en la Fundación Campocerrado, donde estuvo acompañada y orientada por los principales responsables de esa institución, Borja Fernández-Cobaleda y Luis Gea —desgraciadamente, la artista nos dejó pocos meses después, a finales del año pasado—. En este pequeño homenaje a esta gran artista e investigadora, recordamos la voz de Jiménez Carmona, quien nos explicaba su experiencia dentro del proyecto "Dos lugares, dos escuchas".Recuperamos después un fragmento de la edición de Ars Sonora consagrada a las figuras pioneras de la música electrónica en Hungría, concretamente el pasaje dedicado a la composición de Zoltán Pongrácz titulada "Mariphonia" (1972), que fundamenta su estructura sonora en las proporciones del cuerpo de la esposa del compositor, así como en la manipulación de su voz (particularmente de su risa) a través de medios electrónicos. Las dos siguientes emisiones estuvieron dedicadas a conmemorar el octogésimo aniversario (y, por desgracia, también la reciente desaparición) del húngaro Peter Eötvös, nacido en 1944 y fallecido el 24 de marzo de 2024, a quien ahora evocamos a través de la pieza "Music for New York", de 1971, que conjuga la cítara, la zanfona y el sintetizador EMS —a los cuales se añaden, en la versión que aquí ofrecemos, las improvisaciones del saxofón soprano y el bodhran, a cargo de los hermanos László Dés y András Dés, respectivamente—.Kaitlyn Aurelia Smith, compositora, intérprete y productora estadounidense nacida en la Isla Orcas, en el noroeste del Pacífico, en 1987, protagonizó el siguiente programa de la temporada junto al sintetizador modular Buchla 100, un instrumento clave en su trayectoria, y especialmente en su álbum "The Mosaic of Transformation”, de 2020, en el que Smith utiliza este dispositivo para crear paisajes sonoros (como "Expanding Electricity", que aquí presentamos brevemente) que exploran la conexión entre la electricidad y la energía corporal, logrando una experiencia meditativa e hipnótica. Por su parte, la artista y DJ londinense de ascendencia chino-malaya Flora Yin-Wong manipula, en piezas como "Śūnyatā", instrumentos de cuerda como el violín, el yangqin chino o el kemenche turco, para crear ambientes digitales herméticos.La temporada prosiguió con un ciclo de tres emisiones dedicadas al compositor alemán York Höller (nacido en Leverkusen en 1944) en su octogésimo aniversario. Aquel ciclo se inició con la escucha de "Topic" (1967), obra orquestal de su primera etapa como compositor que revela la influencia de su maestro Bernd Alois Zimmermann, y de "Horizont" (1971/72), obra para electrónica en cuatro canales que refleja varias ideas centrales en la obra de Höller: claridad estructural, expresividad, contenido poético y la concepción de la música como discurso sonoro.La siguiente edición de Ars Sonora, quizá una de las experiencias de escucha más radicales en la historia de nuestro programa, está dedicada a Catherine Christer Hennix (nacida en Estocolmo el 25 de enero de 1948 y fallecida en Estambul -ciudad a la que se trasladó después de convertirse al Islam- el 19 de noviembre de 2023), una figura singular en el panorama de la música experimental y el arte sonoro. Rememoramos un extracto de "Further Selections from the Electric Harpsichord" (una grabación inédita recuperada en 2024).En los dos programas especiales motivados —como es ya tradición en Ars Sonora— por las festividades navideñas intentamos recordar a todas los niños que, de manera incomprensible, continúan siendo víctimas de conflictos bélicos —injustos e injustificables— en diversos lugares del planeta. A ello nos ayudaron las respectivas audiciones de la "Missa pro pueris" ("Misa para los niños") y del "Apocalipsis de Angers", ambas del compositor francés Denis Dufour (nacido en Lyon en 1953).El fallecimiento el 25 de diciembre de 2024, de Eduardo Polonio, figura clave de la música española (por mucho que las instituciones oficiales de nuestro país, en una nueva muestra de su terrible y ya insostenible conservadurismo, nunca llegaran a reconocer adecuadamente este hecho) propició un homenaje que aspiraba a complementar el ciclo de cinco emisiones de Ars Sonora con el que, en enero de 2021, tuvimos la oportunidad de celebrar el octogésimo cumpleaños del maestro, y la extensa entrevista que, a lo largo de otras dos ediciones de nuestro espacio (presentadas en mayo de 2012) nos permitió conversar con Polonio.Poco antes de otra triste desaparición, la de la compositora rusa Sofia Gubaidulina, nacida en 1931 y fallecida el 13 de marzo de 2025, su música formó parte de un monográfico dedicado a explorar algunas de las fascinantes posibilidades del sintetizador ANS, un instrumento fotoelectrónico desarrollado en la Unión Soviética por el ingeniero Evgeny Murzin, y del que también hizo un brillante uso el compositor Eduard Artemiev (1937-2022), autor de la banda sonora de "Solaris" (1972), de Andrei Tarkovsky (película a la que, por cierto, Ars Sonora ya dedicó, el 14 de marzo de 2009, un programa monográfico titulado "Apuntes de Solarística"). La música de Sofia Gubaidulina —concretamente "Luz y oscuridad", compuesta en 1977— también sonó en la siguiente entrega de nuestro espacio, un programa que sirvió para retomar nuestro ciclo dedicado al órgano. Esta serie continuó después con sendos monográficos dedicados a Mauricio Kagel, Tom Johnson (que falleció el pasado 31 de diciembre de 2024 en París, a los 85 años), y a Klaus Huber.Ese programa consagrado a la música para órgano del compositor suizo Klaus Huber (1924-2017) prologó un conjunto de emisiones motivadas por el centenario de su nacimiento —que conmemoramos algo tardíamente—. Las dos últimas secciones de ese homenaje, a su vez, sirvieron como enlace con otro ciclo de Ars Sonora, el que dedicamos a los instrumentos "exóticos", que por su parte dieron pie a dos emisiones en las que presentamos la música de la vocalista y compositora estadounidense, de ascendencia armenia, Cathy Berberian (1925-1983), cuyo centenario celebramos en 2025.Otro centenario, bien diferente, y que propició otras dos ediciones de Ars Sonora, fue el dedicado a Pierre Boulez (1925-2016). Esos programas incorporaron una reflexión crítica sobre la relevancia histórica y actual de sus innovaciones (estéticas y, particularmente, políticas —sobre todo en el ámbito de la gestión cultural, donde el poder ejercido por Boulez no tuvo parangón—).Los últimos programas rememorados en esta emisión son los dedicados, respectivamente, a la compositora belga Ingrid Drese (Amel, 1957), a través de dos de sus obras más emblemáticas, en las cuales convergen la física, la cosmología y la experimentación electroacústica, y a la presentación del último libro del poeta y performer Bartolomé Ferrando (Valencia, 1951), "En la línea del horizonte" (publicado por la editorial La única puerta a la izquierda), mediante una conversación registrada en la Galería Freijo de Madrid.Tras esas emisiones, Ars Sonora reanudó otro ciclo destacado en nuestra programación, "Relatos del ruido" (que, a través de seis nuevos capítulos, ha continuado presentando "una historia escuchada de la música experimental en España"), y registró dos programas en directo dentro la Feria del Libro de Madrid, antes de presentar monográficamente —en la emisión de la semana pasada— la exposición titulada "Resignificaciones", que presenta una amplia muestra de trabajos desarrollados conjuntamente, entre 1989 y 2024, por Concha Jerez y José Iges, y que puede visitarse hasta el 7 de Septiembre de 2025 en las amplias salas del CGAC (Centro Galego de Arte Contemporánea), en su sede de Santiago de Compostela.Y así llegamos, hoy, al término de esta temporada de Ars Sonora, esperando poder reencontrarnos con los oyentes tras el verano para continuar poniendo en duda los propios límites de nuestra escucha y expandiendo, cada vez más, el significado de la palabra "música".Escuchar audio

Desde el pasado 14 de febrero hasta el 7 de Septiembre de 2025, las salas del CGAC (Centro Galego de Arte Contemporánea), en su sede de Santiago de Compostela, acogen la exposición titulada "Resignificaciones", que presenta una amplia muestra de trabajos desarrollados conjuntamente, entre 1989 y 2024, por los artistas Concha Jerez (nacida en Las Palmas de Gran Canaria en 1941) y José Iges (nacido en Madrid en 1951).En palabras de la comisaria de la exposición, Alicia Murría, "A través de imágenes fijas y en movimiento, objetos reutilizados, sonidos cotidianos, fotografías, entrevistas, obras ideadas para radio, videoperformances y documentos —muchos de ellos procedentes de los medios de comunicación y su ruido—, Jerez e Iges componen una especie de paisajes visuales y sonoros que analizan, tensan, describen, y parodian a veces, el mundo que nos rodea. Se trata de un trabajo en el que confluyen lenguajes que, como el vídeo, la performance, el arte radiofónico o las instalaciones, han complejizado las prácticas artísticas tradicionales. [...] Concha Jerez y José Iges entienden las prácticas artísticas desde la transversalidad de medios, abogando por la convivencia de diversas tecnologías, desde las más actuales hasta otras ya en desuso. En ese sentido, sus exposiciones aspiran a ser siempre puestas en común, donde la audiencia participa activamente en la construcción de significado".En este programa, registrado en el propio CGAC —a cuyos responsables extendemos nuestro agradecimiento por su invitación y por la generosa acogida—, repasamos los contenidos de esta muestra de carácter retrospectivo, lo cual nos sirve también para analizar la evolución artística de la pareja configurada por Jerez e Iges. En ese proceso aparecen cuestiones muy relevantes en el contexto del arte sonoro en su relación con los centros de arte contemporáneo: desde las dificultades administrativas que aún representan e imponen determinadas prácticas ya perfectamente asimiladas en los procesos de creación artística (pero aún no incorporadas en los procedimientos de gestión interna de algunos centros), hasta la cualificación —propuesta por José Iges— de "artista politécnico" como forma de capturar, mejor que con otras expresiones, el conjunto (y la disposición) de los diferentes saberes que un artista intermedia debe desplegar en el momento de afrontar proyectos como los que se presentan en una exposición como "Resignificaciones".Junto a las declaraciones de Concha Jerez y José Iges, escuchamos también las voces de Santiago Olmo (director del CGAC), Alicia Murría (comisaria de la muestra) y Gloria Picazo (crítica de arte, comisaria y ensayista).Escuchar audio

Regresamos a la Feria del Libro de Madrid, donde registramos en directo esta edición de Ars Sonora el sábado 7 de junio de 2025. Esta vez contamos, en nuestra conversación, con Ana Gorostizu, autora de "El arte sin órganos. Manifiesto de la música electrónica", un ensayo recientemente publicado por la editorial valenciana La Caja Books, cuyo director, Raúl E. Asencio —que también nos acompaña—, indica que su sello edita "desde la periferia de la industria", pero también que en el centro de su motivación está la de "crear imaginarios habitables de futuro". Con Gorostizu y con Asencio exploramos tanto la génesis como algunas de las ideas principales de "El arte sin órganos", que parte de algunas ideas sobre el cuerpo enunciadas por el poeta —y pionero de la creación radiofónica experimental— Antonin Artaud, retomadas décadas después por el filósofo francés Gilles Deleuze en textos como "Diferencia y repetición", muy influyente en el pensamiento de Gorostizu (al igual que otros de Mark Fisher, Simon Reynolds o Jaques Attali, pensadores a quienes también nos referimos). Igualmente nos preguntamos acerca del vacío editorial que hasta tiempos recientes ha existido, en el contexto de nuestro idioma, en lo concerniente a reflexiones de carácter filosófico o estético enfocadas hacia la creación sonora de nuestro tiempo, y analizamos cómo se está corrigiendo, en los últimos años, esa anómala situación —un fenómeno editorial que también se constataba en la anterior edición de Ars Sonora grabada en la Feria del Libro, donde se han presentado numerosos textos que tratan estas materias—.Se suma a este diálogo la voz de Carlos Almela, que hace solamente unas semanas publicó —dentro del catálogo que comparten el Círculo de Bellas Artes y la editorial Lengua de Trapo— el ensayo titulado "Filantropía bastarda", en el cual "reivindica una filantropía capaz de construirse contra su propia genealogía, de revisar su relación con el capitalismo depredador y de desarrollar modelos de economía social que la lleven a deshacerse de su legado patriarcal y colonial". Abordamos, pues, cuestiones relacionadas con la financiación de la cultura y, más específicamente, de manifestaciones artísticas que pueden adjetivarse como "experimentales" y que, en su caso, pueden estar relacionadas con la creación sonora, así como con diferentes movimientos sociales, con la participación ciudadana, con la crítica institucional, etc. La mirada amplia que Almela proyecta desde este volumen nos permite, también, rememorar un caso de mecenazgo fundamental para la historia del arte sonoro y las músicas experimentales en España: el que impulsó la familia navarra Huarte para que el compositor (devenido gestor cultural) Luis de Pablo —que ya había disfrutado del apoyo de los Huarte en la creación de ALEA, primer laboratorio de música electroacústica en España— comisariase junto al artista visual José Luis Alexanco los Encuentros de Pamplona en 1972 —un evento seminal al que, con motivo de su cincuenta aniversario, en Ars Sonora dedicamos una serie monográfica de doce episodios—.Completa el elenco de invitados María Mur, responsable de consonni, una organización que no solamente opera como editorial —con presencia en la Feria del Libro—, sino también como productora de proyectos artísticos. Con sede en el bilbaíno barrio de San Francisco, consonni se describe con las siguientes palabras: "Desde 1996 producimos cultura crítica y en la actualidad apostamos por la palabra escrita y también susurrada, oída, silenciada, declamada; la palabra hecha acción, hecha cuerpo. Desde el campo expandido del arte, la literatura, la radio y la educación ambicionamos afectar el mundo que habitamos y afectarnos por él. Escrito en minúscula y en constante mutación, consonni es una criatura andrógina y policéfala, con los feminismos y la escucha como superpoderes. Nos la jugamos en las distancias cortas. Partiendo de la economía social y solidaria y de una comunidad de proximidad, apoyamos y amplificamos talento creativo local e internacional". Con María Mur retomamos la necesidad de una perspectiva feminista al analizar los vínculos que entrelazan (y, sobre todo, que podrían entrelazar) cultura y economía, y reflexionamos acerca de las posibles expansiones de la labor editorial hacia diferentes medios —como el radiofónico, por ejemplo—, así como hacia lenguas históricamente minorizadas, entre otros asuntos.Este coloquio, que concluye con algunas polémicas consideraciones acerca de la presencia del "amateurismo" en la creación cultural (y sobre la relación del karaoke con el arte sonoro), está jalonado por diferentes audiciones, que extraemos de las siguientes composiciones: "Soledad interrumpida", de Luis de Pablo; "Siempre", de Ixiar Rozas; "#7", de Aphex Twin; "Myuthafoo", de Caterina Barbieri; "Music For Airports", de Brian Eno.Escuchar audio

Esta edición de Ars Sonora, dedicada a la presentación de algunas novedades y proyectos editoriales relacionados con el arte sonoro y las músicas experimentales, fue registrada en directo la tarde del sábado 31 de mayo en el contexto de la Feria del Libro de Madrid. Contamos, en nuestro diálogo, con Jesús Gil, de la librería El Argonauta —con quien repasamos algunas publicaciones recientes propiciadas por editoriales como EdictOràlia, en Valencia ("Fuera de tono. La música de nueva creación ante su desbordamiento", de Alberto Bernal, con prólogo del recientemente fallecido Peter Ablinger, así como "Lecturas de la improvisación", de Carlos Galán), o los respectivos servicios de publicaciones de la Universidad de Cádiz ("Los escritores y el flamenco. La lucha antifranquista (1967-1978)", de Tyler Barbour) y de la Universidad de Salamanca ("Pretextos musicales", editado por Antonio Notario)—. Escuchamos después a Pep Olona, coordinador de la sección "Indómitas" en la propia Feria del Libro y director del festival POETAS, así como de la librería y la editorial Arrebato, que recientemente ha publicado títulos como "Se secará como la hierba. Antología (1946-2009)", de Friederike Mayröcker (con selección y traducción de Sandra Santana).También nos acompaña el poeta y traductor Benito del Pliego, quien comparte con nosotros algunas de sus recientes versiones de diversos textos de la escritora estadounidense Gertrude Stein (traducciones que acaba de incluir en su catálogo la editorial Kriller71 dentro de un volumen titulado "ÍDEM LO MISMO"). Por su parte, Jesús Espino, director editorial de Akal, nos describe la génesis de algunas publicaciones recientes que ya han devenido fundamentales para nuestro ámbito, como "De la música al sonido. La emergencia del sonido en la música de los siglos XX y XXI", de Makis Solomos (en traducción de Javier Roma), "El momento analírico. Una historia expandida de la poesía en España de 1964 a 1983", de María Salgado, o "Luigi Nono. Por una escucha revuelta", de Susana Jiménez Carmona. La conversación está atravesada por diferentes audiciones, que extraemos de las siguientes composiciones: "Cant etern pel poble palestí", de Josep Lluís Galiana; "Omega (Poema para los muertos)", de Enrique Morente y Lagartija Nick; "If I Told Him: A Completed Portrait of Picasso", de Gertrude Stein (en la voz de Benito del Pliego, primero, y de la propia autora, después); "DW [Differenz / Wiederholung] 17: Doubles/Schatten II", de Bernhard Lang (en la interpretación de la orquesta sinfónica de la SWR de Baden Baden y Friburgo, dirigida por Sylvain Cambreling); "La légende d'Eer", de Iannis Xenakis.Escuchar audio

Continuamos con el ciclo titulado "Relatos del ruido. Hacia una historia escuchada de la música experimental en España", que en esta tercera serie comprende un total de seis programas (desde el decimoquinto hasta el vigésimo capítulo), después de que al final de la temporada 2023-2024 de Ars Sonora presentásemos los anteriores episodios de este peculiar ejercicio de historiografía musical —el más ambicioso de los realizados hasta la fecha en nuestro ámbito cultural, al haber reunido (y analizado, y puesto en diálogo) los trabajos de más de dos centenares de artistas sonoros—.Este conjunto de programas está relacionado con el proyecto homónimo que se viene desarrollando desde febrero de 2023 en la Cineteca de Matadero Madrid; "Relatos del ruido" es también una serie de encuentros mensuales, celebrados en la Sala Borau de la mencionada Cineteca, dedicados a la escucha y al debate en torno a las músicas experimentales creadas en nuestro país durante las últimas décadas.El capítulo número veinte de estos "Relatos del ruido" coincide con —y, sobre todo, quiere celebrar— el vigésimo aniversario de IN-SONORA, la Muestra Internacional de Arte Sonoro e Interactivo que desde 2005, y a lo largo de catorce ediciones, viene dando a conocer, en la ciudad de Madrid, las propuestas de artistas seleccionados mediante la convocatoria pública que articula, en cada edición, este fundamental proyecto dirigido por Maite Camacho. Junto con ella hemos seleccionado un conjunto de audiciones de artistas que han formado parte de la comunidad IN-SONORA, y cuyas obras representan la enorme variedad de aproximaciones al arte sonoro y a las músicas experimentales acogidas y promovidas por esta iniciativa. Presentamos diversos fragmentos sonoros procedentes de los siguientes trabajos:Miguel Ángel García - "Zorro zaurre" (2013)Mikel Arce - "Diapasones 2,5" (2005)Wade Matthews - "A Brief Explanation" (2002)Pablo Sanz - "strange strangers" (2019)Eli Gras - "Yeyé" (2016)Edith Alonso, Kumi Iwase, Anthony Maubert - "Le jazz non plus…" (2015)Bromo (Paloma Peñarrubia y Azael Ferrer) - "De-extinction" (2024)Elena Sáenz de Tejada - "Minimal Suite" (2023)Narcoléptica (Beatriz Vaca Campayo) - "Paradox" (2024)L.A.R. Qzios (Luis Ángel Romero Quicios) - "Cielo color pantalla canal muerto" (2025)Cabosanroque (Laia Torrents y Roger Aixut) [Niño de Elche, voz] - "una silla diez sillas" (2024)Ainara LeGardon - "Pausar pulsa (extracto 3)" (2023)Alicia G. Hierro - "Una noche en el cine" (2017)Más información: https://www.cinetecamadrid.com/programacion/capitulo-xix-musica-en-el-tiempo-escuchar-la-duracionEscuchar audio

Continuamos con el ciclo titulado "Relatos del ruido. Hacia una historia escuchada de la música experimental en España", que en esta tercera serie comprende un total de seis programas (desde el decimoquinto hasta el vigésimo capítulo), después de que al final de la temporada 2023-2024 de Ars Sonora presentásemos los anteriores episodios de este peculiar ejercicio de historiografía musical —el más ambicioso de los realizados hasta la fecha en nuestro ámbito cultural, al haber reunido (y analizado, y puesto en diálogo) los trabajos de más de dos centenares de artistas sonoros—.Este conjunto de programas está relacionado con el proyecto homónimo que se viene desarrollando desde febrero de 2023 en la Cineteca de Matadero Madrid; "Relatos del ruido" es también una serie de encuentros mensuales, celebrados en la Sala Borau de la mencionada Cineteca, dedicados a la escucha y al debate en torno a las músicas experimentales creadas en nuestro país durante las últimas décadas.El decimonoveno capítulo de estos "Relatos del ruido" lleva por título "Música en el tiempo (escuchar la duración)". En esta ocasión ese escurridizo concepto que es el tiempo sirve como eje vertebrador de las audiciones aquí consteladas. Escucharemos obras cuyos tiempos han sido medidos cronométricamente, o con referencia al movimiento de los astros, tiempos que se concretan en fechas específicas (o en celebraciones indicadas por diferentes calendarios), tiempos blandos, tiempos de espera... tiempos múltiples, en definitiva, que quizá nos ayuden a recordar cómo la música consiste, básicamente, en compartir un tiempo. Presentamos diversos fragmentos sonoros procedentes de los siguientes trabajos:Esther Ferrer - "Al ritmo del tiempo" (1992)Susan Drone (Susana López) - "Era lunar" (2020)Javier Piñango - "Ruins" (2015)Eduardo Polonio - "Acaricia la mañana" (1984)Ixiar Rozas - "Siempre" (2020)Llorenç Barber – "De sol a sol" (1995)Álvaro Martínez León - "Fuera de(l) tiempo" [Carlos Gálvez Taroncher, clarinete bajo; Enric Monfort, percusión] (2014)Josep Lluís Galiana - "Cant etern pel poble palestí" (2024)José Iges - "Seven Minutes Desert" [Patrician Mikishka, voz] (1991)Narcoléptica (Beatriz Vaca Campayo) - "Time Reversal" (2019)La Otra Cara de un Jardín (Francisco Felipe) - "Los últimos minutos de cada día" (1983)Más información: https://www.cinetecamadrid.com/programacion/capitulo-xix-musica-en-el-tiempo-escuchar-la-duracionEscuchar audio

Continuamos con el ciclo titulado "Relatos del ruido. Hacia una historia escuchada de la música experimental en España", que en esta tercera serie comprende un total de seis programas (desde el decimoquinto hasta el vigésimo capítulo), después de que al final de la temporada 2023-2024 de Ars Sonora presentásemos los anteriores episodios de este peculiar ejercicio de historiografía musical —el más ambicioso de los realizados hasta la fecha en nuestro ámbito cultural, al haber reunido (y analizado, y puesto en diálogo) los trabajos de más de dos centenares de artistas sonoros—.Este conjunto de programas está relacionado con el proyecto homónimo que se viene desarrollando desde febrero de 2023 en la Cineteca de Matadero Madrid; "Relatos del ruido" es también una serie de encuentros mensuales, celebrados en la Sala Borau de la mencionada Cineteca, dedicados a la escucha y al debate en torno a las músicas experimentales creadas en nuestro país durante las últimas décadas.El decimoctavo capítulo de estos "Relatos del ruido" lleva por título "Comer y sonar (un banquete musical)". Lo gastronómico inspira esta sesión de escucha, cuya receta sonora incluye referencias a los más variados alimentos, así como al propio acto de ingerir y al ambiente propio de la cocina. La comida se manifiesta, así, como una constante en la creación musical experimental española, un ámbito artístico frecuentemente relacionado con el hambre (no sólo en un sentido intelectual). Presentamos diversos fragmentos sonoros procedentes de los siguientes trabajos:GILFER - "Solo de batidora" (2024)Amidea Clotet - "Mete el pan en la lavadora" (2022)Gregorio Paniagua - "Spaghetti alla Milanese" (1980)Josep Lluís Galiana / Carlos D. Perales - "Achicoria" (2014)Carlos Cruz de Castro - "Menaje" (1970)El sueño de Hyparco (Antonio Dyaz) - "Platos Combinados" (2014)Miguel Ángel García - "Gallineja" (2014)Jaume Sisa - "Comiendo pollo" (1971)Carlos D. Perales - "Piano cake" (2021)Limpiamáquinas - "Tordo en salsa" (2022)Juan Manuel Cidrón - "Nueces de las que te gustaban" (1993)Eduardo Polonio - "Hoy comemos con Leonardo" (1991)Carles Santos - "Himne del Segon Congrés Català de Cuina" [Coral Pau Casals; Uma Ysamat, soprano] (2015)Flatus Vocis Trio (Llorenç Barber, Bartolomé Ferrando, Fátima Miranda) - "Tabula plena" (1990)Josep Lluís Galiana / Josu de Solaun - "Amuse-bouche" (2021)Isaac Diego - "Siete micropiezas para un banquete sonoro" (2012)Pablo Jordán - "Sound for carnivores" (2013)Daphne X - "12 Seabirds at the Fish Market" (2020)Neo Zelanda (María José González) - "Paso hambre" (1983)Más información: https://www.cinetecamadrid.com/programacion/capitulo-xviii-comer-y-sonar-un-banquete-musicalEscuchar audio

Continuamos con el ciclo titulado "Relatos del ruido. Hacia una historia escuchada de la música experimental en España", que en esta tercera serie comprende un total de seis programas (desde el decimoquinto hasta el vigésimo capítulo), después de que al final de la temporada 2023-2024 de Ars Sonora presentásemos los anteriores episodios de este peculiar ejercicio de historiografía musical —el más ambicioso de los realizados hasta la fecha en nuestro ámbito cultural, al haber reunido (y analizado, y puesto en diálogo) los trabajos de más de dos centenares de artistas sonoros—.Este conjunto de programas está relacionado con el proyecto homónimo que se viene desarrollando desde febrero de 2023 en la Cineteca de Matadero Madrid; "Relatos del ruido" es también una serie de encuentros mensuales, celebrados en la Sala Borau de la mencionada Cineteca, dedicados a la escucha y al debate en torno a las músicas experimentales creadas en nuestro país durante las últimas décadas.El decimoséptimo capítulo de estos "Relatos del ruido" lleva por título "Música numérica (matemática sonora)". Las relaciones entre música y matemática son profundas, antiguas y enigmáticas. Esta sesión de escucha no intentará desvelar esos misterios, sino más bien compartir una selección de composiciones de música experimental y arte sonoro en las cuales el número —en sus más diversas acepciones y sentidos— deviene protagonista. Presentamos diversos fragmentos sonoros procedentes de los siguientes trabajos:José Luis de Delás - "Cinco sellos" (1972)Dr. Truna (Andrés Blasco) - "Truna x 3" (2016)Juan Manuel Cidrón - "3" (2023)David Cordero - "32-A" (2024)Yolanda Uriz Elizalde - "110Hz_bb" (2018)Coeval (Juan Carlos Blancas) - "Bounces 72 (metasound)" (2014)Noelia Rodríguez - "Nono_0.1 Darkspace" (2014)Lucas Bolaño - "Taichung 10893" (2014)Fernando Millán - "En sí 7" (2014)Edith Alonso - "C14" (2014)Andrea Zarza - "11 Noises" (2014)Javier Piñango - "zero" (2015)Pedro Guajardo - "INFINITY (remix 2.0)" (2015)Carlos Cruz de Castro - "10 + 1" [Conjunto Instrumental de Madrid; Antoni Ros Marbá, director] (1975)Narcoléptica (Beatriz Vaca Campayo) - "10:00" (2020)Josep-Oriol Graus Ribas - "Intangible VI" (2015)Migala - "320m. to the Surface" [Nacho Vegas, theremin] (2019)Carlos González Bolaños - "flL ⇒ t- a+ == 2_a8m(cdm)" (2021)Germán Navarro - "6784" (2021)Germán Navarro - "4321" (2021)Más información: https://www.cinetecamadrid.com/programacion/capitulo-xvii-musica-numerica-matematica-sonoraEscuchar audio

Continuamos con el ciclo titulado "Relatos del ruido. Hacia una historia escuchada de la música experimental en España", que en esta tercera serie comprende un total de seis programas (desde el decimoquinto hasta el vigésimo capítulo), después de que al final de la temporada 2023-2024 de Ars Sonora presentásemos los anteriores episodios de este peculiar ejercicio de historiografía musical —el más ambicioso de los realizados hasta la fecha en nuestro ámbito cultural, al haber reunido (y analizado, y puesto en diálogo) los trabajos de más de dos centenares de artistas sonoros—.Este conjunto de programas está relacionado con el proyecto homónimo que se viene desarrollando desde febrero de 2023 en la Cineteca de Matadero Madrid; "Relatos del ruido" es también una serie de encuentros mensuales, celebrados en la Sala Borau de la mencionada Cineteca, dedicados a la escucha y al debate en torno a las músicas experimentales creadas en nuestro país durante las últimas décadas.El decimosexto capítulo de estos "Relatos del ruido" lleva por título "Sonidos danzantes (cuerpos, movimientos, resonancias)". Esta sesión de escucha recorre algunos vínculos entre la danza contemporánea, las músicas experimentales y el arte sonoro. Presentamos obras compuestas para acompañar el movimiento de bailarines, pero también otras piezas que evocan (o incluso recrean) los movimientos del cuerpo humano. Coreografías sonoras, en fin. Esta sesión de "Relatos del ruido" se desarrolla en colaboración con el Festival Gatadans, dirigido por Javier Mosquera de la Vega, que se celebra en diferentes sedes de la Comunidad de Madrid. Presentamos diversos fragmentos sonoros procedentes de los siguientes trabajos:Eduardo Polonio - "Paso a dos" (1976)Camino al desván - "Adjudicado a la danza" (1984)Oniropompo (Enrique del Castillo y Valentín Ramos) - "Extraña danza de los aborígenes" (2016)Wolf Vostell - "Fandango" (1975)Comando Bruno (Rafael Flores) - "Danza" (1986)Charo Calvo - "Trio for Boys" (1991)Reyes Oteo - "Mademoiselle Contorsioniste" (2013)Ainara LeGardon - "El fin de las cosas" (2017)Tomomi Kubo - "Azul" (2021)Aire (Daniel Sánchez Rodríguez) - "FLOP" (2024)Clara Fiol / Jansky - "S'Albufera" (2024)Alfonso García de la Torre - "Acuarela" [Roberto Casado, flauta] (2012)César Camarero - "Instrucciones para dejarse caer al otro lado del vacío" [Academia de música contemporánea de la Joven Orquesta Nacional de España; Fabián Panisello, director] (2006)Fernando Monedero - "Lo animal avanza" (2023)Sirius (Guillermo Lauzurika / Alfonso García de la Torre / Ignacio Monterrubio) - "Sujetos" (2008)Okeans (Marina Santamaría) - "Here’s to life" (2023)Más información: https://www.cinetecamadrid.com/programacion/capitulo-xvi-sonidos-danzantes-cuerpos-movimientos-resonanciasEscuchar audio

Retomamos el ciclo titulado "Relatos del ruido. Hacia una historia escuchada de la música experimental en España", que en esta tercera serie comprenderá un total de seis programas (desde el decimoquinto hasta el vigésimo capítulo), después de que al final de la temporada 2023-2024 de Ars Sonora presentásemos los anteriores episodios de este peculiar ejercicio de historiografía musical —el más ambicioso de los realizados hasta la fecha en nuestro ámbito cultural, al haber reunido (y analizado, y puesto en diálogo) los trabajos de más de dos centenares de artistas sonoros—.Este conjunto de programas está relacionado con el proyecto homónimo que se viene desarrollando desde febrero de 2023 en la Cineteca de Matadero Madrid; "Relatos del ruido" es también una serie de encuentros mensuales, celebrados en la Sala Borau de la mencionada Cineteca, dedicados a la escucha y al debate en torno a las músicas experimentales creadas en nuestro país durante las últimas décadas.El decimoquinto capítulo de estos "Relatos del ruido" lleva por título "Homenaje a Rebecca Collins (1982-2024)". El pasado 26 de junio falleció, tras una breve, repentina y devastadora enfermedad, Rebecca Louise Collins, artista sonora, investigadora de la escucha, comisaria de proyectos relacionados con la música experimental, y asidua seguidora —al igual que su pareja, David G. Cerdeño— de este ciclo, "Relatos del ruido". Con este homenaje compartiremos un conjunto de creaciones sonoras que nos ayudarán a recordarla, y que en muchos casos nunca habrían llegado a existir sin su estímulo y su imaginación —tan audaces y generosos que resultarán imposibles de olvidar—. Presentamos diversos fragmentos sonoros procedentes de los siguientes trabajos:Silvia Zayas - ruido ê (2023)Ode Asiguenolaza - An Acoustic Balade (2019)Concha Jerez y José Iges - Spoken Madrid (1992)Ixiar Rozas - Siempre (2020)Susana Jiménez Carmona - Un cuerpo-oído (2024)Marina Santamaría (Okeans) - Rebecca (2024)Menhir (Coco Moya e Iván Cebrián) - Black Hole (2022)Ixiar Rozas - Siempre_ (2020)Laura Romero - Paseo hacia las estrellas con Sara (2022)Roger Bernat - Dominio público (2008)Ainara LeGardon - An Inkling (2024)Más información: https://www.cinetecamadrid.com/programacion/homenaje-rebecca-collins-1982-2024Escuchar audio