PuroJazz

LEO GENOVESE SOLO BROOKLYN - Live “New York Forward Festival”, Brooklyn, NY, January, 2025 - Brooklyn de noche, Algo ritmos - Leo Genovese (p,comp)El pianista argentino Leo Genovese, descrito por The New York Times como un verdadero “políglota musical”, ha recibido elogios de la crítica y varios reconocimientos importantes. Entre ellos destacan el premio de Grammy Award for Best Improvised Jazz Solo en 2021 por su participación en “Endangered Species”, de Wayne Shorter, y el galardón Rising Star—Piano en la encuesta de críticos de DownBeat en 2023.Pianista de enorme talento y versatilidad, Genovese también ha realizado giras y grabado con figuras como esperanza spalding, Joe Lovano, Jack DeJohnette y Herbie Hancock, entre muchos otros.En Solo Brooklyn, registrado en vivo a comienzos del año pasado durante el Forward Festival organizado por 577 Records en Nueva York, podemos escuchar a Genovese en un contexto íntimo y completamente solo, una situación ideal para apreciar la amplitud de su lenguaje y su libertad creativa al piano.LUIS NACHT / CAMILA NEBBIA NOCHE Y NIEBLA - Buenos Aires, Argentina, lanzamiento 6 de marzo, 2026 - La colgué, Me condiciona el nombre, Me gusta así - Luis Nacht (st/ss) Camila Nebbia (st) Jerónimo Carmona (b) Fermín Merlo (dr)El próximo lanzamiento del álbum Noche y Niebla marca un acontecimiento significativo dentro del jazz argentino, al reunir dos linajes musicales distintos tanto en lo temporal como en lo estético. Los saxofonistas Luis Nacht y Camila Nebbia, representantes de generaciones diferentes, anuncian este trabajo acompañados por una sección rítmica profundamente arraigada en la improvisación: Jerónimo Carmona en contrabajo y Fermín Merlo en batería.Más que una colaboración circunstancial, Noche y Niebla es el resultado de un entendimiento musical desarrollado a lo largo del tiempo. El diálogo creativo entre Nacht y Nebbia ha madurado durante más de una década de presentaciones en vivo, dando forma a una obra que lleva la improvisación a un plano conceptual particularmente profundo. El título del álbum alude a la tensión entre la oscuridad de la intuición y la indeterminación de la forma, dos fuerzas que atraviesan y modelan todo el proyecto.NOVOA/CARTER/MELA TRIO THE FREEDOM SUITE VOL. 2 - New York, April 18, 2021 - Education, Creative destruction, Free to be free, Silence, Cyborgs - Daniel Carter (ts,as,sop,cl,tp,fl) Eva Novoa (p,el-p,el-harpsichord,Chinese gongs,maracas,vcl,whistling) Francisco Mela (d,vcl)Durante varios años, la pianista y compositora Eva Novoa se ha consolidado como una presencia constante dentro de la música creativa, con una serie de lanzamientos recientes que reflejan su enfoque innovador.The Freedom Suite, Novoa/Carter/Mela Trio, Vol. 2 reúne a Novoa junto al multi-instrumentista Daniel Carter y al baterista Francisco Mela en un proyecto que enfatiza el trabajo colectivo y la improvisación del momento. El disco nace, además, como un homenaje a Duke Ellington, cuyo genio transformó el lenguaje de la big band con una concepción orquestal novedosa sin perder nunca el impulso del swing.El álbum está formado por una serie de breves “estudios” o viñetas musicales que evocan distintas facetas del universo de Ellington, desde el sonido de su orquesta hasta el espíritu del célebre álbum Money Jungle, grabado por Ellington junto a Charles Mingus y Max Roach. El resultado es una mirada contemporánea que conecta tradición, improvisación y exploración sonora. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

THE EMPRESS SQUARE ONE - Englewood Cliffs, NJ, April 11 & 12, 2024 - But not for me, Bolivia, Reminiscing - Pureum Jin (as) Erena Terakubo, Chelsea Baratz (ts) Lauren Sevian (bar) Steve Ash (p) Joey Ranieri (b) Pete Van Nostrand (d)El septeto neoyorquino The Empress debuta con el álbum Square One, un magnífico álbum de hard bop y una delantera de cuatro saxofonistas. La agrupación es una iniciativa de Pureum Jin, nacida en Corea del Sur y radicada en Nueva Yorkquien alterna entre soprano y alto, que además formó el colectivo con la idea de reunir y dar mayor visibilidad a destacadas músicas de la escena neoyorquina actual. Junto a ella participan Erena Terakubo (alto), Chelsea Baratz (tenor) y Lauren Sevian (barítono), . El grupo lo completa un sólido trío rítmico: Steve Ash en piano, Joey Ranieri en contrabajo y Pete Van Nostrand en batería.Gran parte del carácter del disco proviene de los ingeniosos arreglos del saxofonista y compositor alemán Michael Lutzeier, responsable de diez de las once piezas. El álbum abre con su enérgica “Instant Composure”, que deja claro desde el inicio el empuje del conjunto y la potencia de los saxos, que generan un sonido casi de big band.HANK JONES THE TALENTED TOUCH - New York, February 3, 4, 6 & 7, 1958 - If I love again, My one and only love, Don’t ever leave me, It’s easy to remember, You are my love, The blue room - Hank Jones (p) Barry Galbraith (g) Milt Hinton (b) Osie Johnson (d)The Talented Touch, grabado en 1958 cuando el pianista Hank Jones tenía 40 años, es uno de los primeros álbumes que permite apreciar con claridad el refinado estilo que lo convertiría en una figura esencial del piano en el jazz. El disco presenta principalmente versiones breves de estándares muy conocidos, interpretados con un enfoque elegante y contenido.Acompañado por el contrabajista Milt Hinton y el baterista Osie Johnson, Jones se mueve dentro de un trío que le concede mayor libertad de lo habitual en las producciones de su sello en esa época. El clima general del álbum es deliberadamente ligero y refinado. The Talented Touch ofrece una muestra del gusto, la claridad y la sensibilidad musical que acompañarían a Hank Jones durante toda su larga carrera.MARCUS GILMORE JOURNEY TO THE NEW - Live “Village Vanguard”, New York, July 26 & 27, 2024 - Cape stride, Hindsight, Open handed reach, Interlude two - Morgan Guerin (EWI) David Virelles (p) Emmanuel Michael (g) Rashaan Carter (b) Burniss Travis (el-b) Marcus Gilmore (d,perc)Journey to the New marca el esperado debut como líder del baterista Marcus Gilmore, nieto del legendario Roy Haynes. Aunque Gilmore llevaba más de dos décadas activo colaborando con figuras como Chick Corea, Pharoah Sanders y Pat Metheny, este registro en vivo en el Village Vanguard es su primer disco liderando un proyecto propio.El grupo reúne a músicos de gran sensibilidad: Morgan Guerin (EWI), David Virelles (piano), Emmanuel Michael (guitarra), Rashaan Carter (contrabajo) y Burniss Travis (bajo eléctrico). El álbum es resultado del trabajo de conjunto, donde la batería de Gilmore cumple un papel estructural: organiza el flujo de la música y permite que el grupo respire como un solo organismo. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

BRIAN CHARETTE - BORDERLESS - New York, April, 2024 - Minors must be accompanied by adults, Sunrise, Blue bow, Fractal - Brian Charette (org,vcl)Para el pianista, organista y tecladista Brian Charette, el órgano Hammond B3 es una orquesta completa y no simplemente un instrumento limitado a un papel específico dentro del jazz. Su álbum Borderless lo ilustra. Es, además, una de sus creaciones más personales y arriesgadas. Grabado en solitario, con material mayormente original y registrado en una o dos tomas, el disco recupera una ética clásica del jazz: confiar en el momento y dejar que las pequeñas imperfecciones revelen la verdad.El programa abre con “Minors Must Be Accompanied by Adults”, los menores deben ser acompañados por adultos, un blues en tonalidad menor que remite a Jack McDuff, aunque con sutiles extensiones armónicas que generan una leve inestabilidad. “Sunrise” cambia el clima con escalas húngaras y un vibrato vintage previo al dominio de Jimmy Smith. La escala menor húngara (o gitana menor) es una escala exótica heptatónica conocida por su sonido oscuro y característico de Europa del Este. TONI HARPER DIZZY GILLESPIE AND HIS ORCHESTRA - Los Angeles, November 8, 1955 - Taking a chance on love, Play me the blues - Dizzy Gillespie, Harry “Sweets” Edison (tp) Melba Liston (tb) Willie Smith (as) Curtis Amy, Ed Beal (ts) Clyde Dunn (bar) Carl Perkins (p) George Bledsoe (b) Albert Bartee (d) Toni Harper (vcl)TONI HARPER “TONI HARPER SINGS” - Los Angeles, December 29, 1955 - Gone with the wind, I could write a book - Toni Harper (vcl) Oscar Peterson (p) Herb Ellis (g) Ray Brown (b) Alvin Stoller (d)TONI HARPER NIGHT MOOD - Hollywood, CA, April , 1960 - Round midnight, Saturday night - Toni Harper with Orchestra Arranged & Conducted by Marty Paich : Toni Harper (vcl) acc by Conte Candoli, Dick Collins, Stu Williamson, Al Porcino (tp) Frank Rosolino, Bob Fitzpatrick, Pete Carpenter (tb) Red Callender (tu) Art Pepper, Bud Shank (as) Bill Perkins, Jack Montrose (ts) Jack Nimitz (bar) Jimmy Rowles (p) Larry Bunker (vib) Bill Pitman (g) Joe Mondragon (b) Mel Lewis (d) Marty Paich (dir)Toni Harper (nació en 1937, falleció el 2023), también conocida como Toni Dunlap, fue una cantante estadounidense. Figura precoz del jazz vocal, alcanzó notoriedad siendo apenas una adolescente, con presentaciones en el Carnegie Hall y actuaciones junto a Frank Sinatra.En 1955, con 17 años, realizó sus primeras grabaciones en un álbum de Dizzy Gillespie, participando en dos de los cuatro temas del disco con una banda con figuras legendarias del jazz como Harry “Sweets” Edison y la trombonista Melba Liston. Más tarde debutó como solista en el sello Verve Records, la acompañan el trío de Oscar Peterson, con Herb Ellis, Ray Brown y Alvin Stoller. Se retiró de los escenarios a los 29 año y en 1960 grabó su último álbum, Night Mood, junto al director y arreglista Marty Paich de Frank Sinatra. El álbum es sofisticado y hecho a su medida. Alternando estándares del cancionero popular con originales de jazz, el disco revela toda la amplitud de su talento. LARANCE MARABLE - TENORMAN - Hollywood, CA, August 4, 1956 - The devil and the deep blue sea, Easy living, Minor meeting, Three fingers north [Sweet Georgia Brown] - James Clay (ts) Sonny Clark (p) Jimmy Bond (b) Lawrence Marable (d)Nacido en Los Ángeles en 1929, Lawrence Marable fue uno de los bateristas más sólidos del mainstream angelino. Autodidacta, se destacó en los años 50 por su poderoso trabajo de platillos y sus precisos acentos, acompañando a figuras como Charlie Parker, Dexter Gordon y Stan Getz. Grabó con los Montgomery Brothers y participó en sesiones de Chet Baker, Sonny Stitt y Milt Jackson. En 1956 lideró una sesión junto al tenorista James Clay, y más tarde integró el Quartet West de Charlie Haden, grabando para Verve Records. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

La Hot Record Society, comúnmente abreviado como H.R.S., fue una sociedad y sello discográfico de jazz fundados en 1937 por Steve Smith en Nueva York. Su propósito inicial no era tanto comercial como cultural: re-editar grabaciones de jazz “hot” (es decir, jazz tradicional y de Nueva Orleans) que ya estaban fuera de catálogo y promover el interés por ese estilo musical clásico. Aunque Steve Smith, fundador de HRS, seguramente tuvo algo que decir al elegir la banda, fue Pee Wee quien dirige: él eligió los temas, definió las rutinas y los tempos. El grupo era todo un cruce de mundos: Dicky Wells y Freddie Green venían de la banda de Count Basie; Max Kaminsky, amigo de Pee Wee, bajó desde su Boston natal; James P. Johnson, el decano del piano stride de Harlem, que llevaba casi tres años fuera de los estudios; y el gran baterista Zutty Singleton, colaborador habitual de la banda de Eddie Condon.La primera sesión de HRS fue nada menos que el debut de Pee Wee Russell como líder en disco.¡Gracias por leer “Roberto Barahona · Puro Jazz”! - Para recibir nuevas publicaciones y acompañar este proyecto, te invito a suscribirte gratis.PEE WEE RUSSELL PEE WEE RUSSELL’S RHYTHMAKERS - New York, August 31, 1938 - Baby, won’t you please come home ?, Baby, won’t you please come home ?, There’ll be some changes made, I’ve found a new baby, Everybody loves my baby (1) - Max Kaminsky (tp) Dicky Wells (tb) Pee Wee Russell (cl) Al Gold (ts) James P. Johnson (p) Freddie Green (g) Wellman Braud (b) Zutty Singleton (d,vcl)El crítico de jazz Dick Rieber contó que hicieron unas ocho tomas hasta lograr una aceptable de Baby, Won’t You Please Come Home, pero las dos que se publicaron quedaron muy bien. There’ll Be Some Changes Made, un clásico de Chicago, también sobrevivió en dos tomas: los tempos son iguales, pero en la primera Kaminsky hace un solo tras el ensemble inicial, mientras que en la segunda es Johnson quien brilla en ese momento – ¡y lo hace fenomenal! El solo de tom-tom de Zutty, impresionante en ambas tomas, va seguido de dos coros calientes del conjunto, otra vez al más puro estilo de Chicago.MUGGSY SPANIER / SIDNEY BECHET BIG FOUR - New York, March 28, 1940 - Four or five times, Sweet Lorraine, Lazy river, China boy - Muggsy Spanier (cnt) Sidney Bechet (cl,sop) Carmen Mastren (g) Wellman Braud (b)Con el cuarteto The Sidney Bechet Buggsy Spanier Big Four, HRS se metió de lleno en la historia del jazz. Stephen Smith estaba tan impresionado con los discos sin batería ni piano que Rex Stewart, Barney Bigard, Django Reinhardt y Billy Taylor habían hecho en París en 1939 que decidió intentar algo parecido con Bechet, pero “con un sabor más antiguo y tradicional”. Le pidió al guitarrista Carmen Mastren que preparara los arreglos, Wellman Braud es el contrabajista.Mastren contó que antes de las sesiones apenas había hablado con Bechet o Spanier, y ni siquiera conocía a Braud, así que estaba un poco nervioso por lo que pasaría en el estudio. “Bechet y Braud llegaron y se sentaron frente a frente. Muggsy llegó y se sentó. Uno, dos, tres, cuatro… ¡y pum! La música explotó a mi alrededor”.Bechet solía ser muy competitivo con los trompetistas, pero con Spanier era distinto. La manera firme y sencilla de tocar del cornetista y su entrega sincera hicieron que Bechet se sintiera seguro y a gusto, y juntos crearon algo mágico. HARRY CARNEY HARRY CARNEY’S BIG EIGHT - New York, March 18, 1946 - Minor mirage, Jamaica rumble , Shadowy sands, Candy cane - Joe Thomas (tp) Lawrence Brown (tb) Otto Hardwick (as) Ted Nash (ts) Harry Carney (bar) Jimmy Jones (p) Billy Taylor, Sr. (b) Jimmy Crawford (d)Esta fue la primera sesión como líder de Carney, el histórico barítono de Ellington. Minor Mirage deja escuchar al distintivo sonido de alto de Otto Hardwick, fundamental en las secciones de reed de los años 30 y 40. En Jamaica Rumble, los cinco metales se mezclan con calidez, mientras el pianista Jimmy Jones ofrece un solo lineal poco habitual; también se destacan solos de Ted Nash, Lawrence Brown y el propio Carney. Candy Cane combina una introducción a capella con un tema atractivo, y aunque Jones tiene un breve espacio, la sesión es sobre todo un despliegue del liderazgo y virtuosismo de Carney. Estas grabaciones HRS forman parte del pequeño pero potente legado de grupos reducidos de Ellington.BILLY KYLE BIG EIGHT - NYC September 11, 1946) - H.R.S. Bounce, Ooh, baby, you knock me out, Date for eight, Contemporary blues - Dick Vance (tp) Trummy Young (tb,vcl) Buster Bailey (cl) Lem Davis (as) John Hardee (ts) Billy Kyle (p) John Simmons (b) Buddy Rich (d))La primera sesión de Kyle como líder para HRS reúne a figuras destacadas: el trompetista Dick Vance, el tenor texano John Hardee, el auto-didacta John Simmons y Buddy Rich en batería. En H.R.’s Bounce, de tempo medio, los ensambles son precisos y cada músico tiene su momento: el oen rden de solos son alto Lem Davis, trombón de Trummy Young, clarinete Buster Bailey, Hardee tenor, el Kyle en piano, Vance con sordina, y un sutil solo final de Buddy Rich. La sesión captura la energía de un grupo pequeño liderado por un pianista con gran sentido de swing y control del ensemble. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

SONNY ROLLINS:Esta noche en PJ presentaremos el segundo programa dedicado a la carrera del influyente saxo tenor y compositor Sonny Rollins. Este programa recorre un momento decisivo en la historia de Rollins quien pasó de ser una joven promesa del saxofonista a convertirse en una voz central e ineludible del instrumento. - “MOVIN’ OUT” - Hackensack, NJ, August 18, 1954- Swingin’ For Bumsy - Kenny Dorham (tp) Sonny Rollins (ts) Elmo Hope (p) Percy Heath (b) Art Blakey (d)En agosto de 1954, Rollins ingresó al estudio de Rudy Van Gelder registró su álbum Moving Out para el sello Prestige, era su primera sesión como líder en casi un año y uno de sus primeros LPs de doce pulgadas.Para la ocasión reunió a un gran grupo: Elmo Hope en piano, Percy Heath en contrabajo, Art Blakey en batería y su gran amigo, el trompetista Kenny Dorham. Dorham tocaba con un fraseo muy cercano al del saxo tenor —instrumento que también había tocado—, lo que le dió al quinteto una sonoridad muy particular. La idea en el estudio era capturar la energía de un club. Ese día registraron cuatro composiciones originales de Rollins que, aunque basadas en progresiones de acordes conocidas, no todos los músicos las dominaban, pero eso no impidió que la sesión fluyera. El sonido de Sonny ya mostraba mayor madurez. Para el crítico Ira Gitler, que escribió las notas del disco, el álbum confirmaba la promesa que Rollins había mostrado desde joven. Sin embargo Nat Hentoff, crítico de la revista Down Beat, elogió al grupo y la calidad de la grabación de Van Gelder, aunque fue más duro con Sonny, a quien calificó como “falto de imaginación, aunque rítmicamente poderoso”.¡Gracias por leer “Roberto Barahona · Puro Jazz”! - Para recibir nuevas publicaciones y acompañar este proyecto, te invito a suscribirte gratis. - PLUS 4 - Hackensack, NJ, March 22, 1956 - Valse Hot - Clifford Brown (tp) Sonny Rollins (ts) Richie Powell (p) George Morrow (b) Max Roach (d)En marzo de 1956, Rollins grabó Sonny Rollins Plus Four, aunque él es el líder nominal, se trata del quinteto del Quinteto de Clifford Brown y Max Roach. Sonny eligió tres estándares y dos composiciones propias. Lo más llamativo del disco fueron, sin duda, los temas originales.“Valse Hot”, que hoy es un clásico, fue un experimento en compás de 3/4. Cuando Sonny escuchó el “Jitterbug Waltz” de Fats Waller, la composición que le aclaró que además del 4/4 normalmente usado em el jazz, había otros metros posibles que todavía no se habían explorado a fondo. En “Valse Hot” los acentos caen en lugares inesperados, y lograr que el swing suene ligero y natural no era fácil. Max, que nunca antes había tocado un vals de jazz le confesó a Rollins que se quedó en el sótano de su casa practicando toda la noche. El otro original fue “Pent-Up House”, que ahora también es estándar. En las notas del álbum escritas por Ira Gitler, proclama a Sonny como un referente clave del tenor moderno cuya influencia sobre varios saxofonistas contemporáneos era obvia.Con este álbum, las dudas que Nat Hentoff había manifestado antes sobre Sonny desaparecieron. Le otorgó al disco cuatro estrellas y media en Down Beat: era la mejor reseña que Rollins había recibido hasta ese momento. - “TENOR MADNESS” - Hackensack, NJ, May 24, 1956 - Tenor Madness - Sonny Rollins (ts) John Coltrane (ts-1) Red Garland (p) Paul Chambers (b) Philly Joe Jones (d)Para las sesiones del 24 de mayo de 1956, Sonny contrató la sección de ritmo del Primer Gran Quinteto de Miles Davis: Paul Chambers, Philly Joe Jones y Red Garland. También trajeron a John Coltrane, que no fue contratado para la sesión, pero vino a mostrar su apoyo a Sonny. Resultó ser una de las sesiones más importantes de su carrera: Tenor Madness. Sonny eligió estándares poco transitados: “When Your Lover Has Gone”, “My Reverie” y “The Most Beautiful Girl in the World”. Sumó además un original, “Paul’s Pal”, dedicado a Chambers. Durante la sesión Rollins grabó algunas de sus interpretaciones más líricas y sofisticadas, usando un vibrato muy expresivo pero no estaba conforme. Después de cada toma negaba con la cabeza: “No está pasando nada”. Pero algo sí pasó. Alguien sugirió que Sonny invitara a Coltrane a tocar en una pista. Coltrane, que se había quedado dormido en el auto, afortunadamente, tenía su saxofón. Se decidieron por un blues de doce compases bien conocido en el medio en ese época. Kenny Clarke, que lo había compuesto, lo grabó en 1946 como “Rue Chaptal” y alternativamente como “Royal Roost”. Hank Mobley lo había grabado como “Sportin’ Crowd” con Jazz Messengers de Art Blakey y Sonny junto a Trane lo bautizaron como “Tenor Madness”, que se convertiría en la versión definitiva de la canción. - “SAXOPHONE COLOSSUS” - Hackensack, NJ, June 22, 1956 - Blue 7, St. Thomas - Sonny Rollins (ts) Tommy Flanagan (p) Doug Watkins (b) Max Roach (d)Para Saxophone Colossus, grabado en 1956, Sonny Rollins reunió un cuarteto que no solo confirmó el altísimo nivel que ya venía mostrando, sino que lo proyectó aún más lejos. La reseña de Gunther Schuller, que popularizó la idea de la “improvisación temática” asociada a Rollins, terminó de instalar el disco como un clásico indiscutido. A partir de entonces, Sonny empezó a ser considerado el tenor más influyente desde Coleman Hawkins y Lester Young.En una escena dominada por herederos del lirismo de Lester Young, a Rollins se lo describía a veces como áspero o incluso iracundo. Sin embargo, su música transmite más bien amplitud, humor e inteligencia estructural. Hay ingenio en su forma de elegir repertorio y, sobre todo, en cómo organiza sus improvisaciones. Su sonido es firme y elegante, con una autoridad que nunca se vuelve rígida: siempre está en transformación.Las cinco piezas del álbum son sólidas, pero dos momentos resultan especialmente reveladores. En “Blue 7”, Rollins construye su solo a partir de motivos breves de blues menor que desarrolla con paciencia y lógica interna, articulando el trabajo del cuarteto con claridad casi arquitectónica.En “St. Thomas”, parte de una sencilla figura de dos notas que va variando sutilmente. Max Roach responde con un solo igualmente temático —algo inusual en la batería de la época— y sostiene el pulso con imaginación junto al piano de Tommy Flanagan. Cuando Rollins regresa, ya en tiempo de jazz, retoma ideas previas y cierra su improvisación con naturalidad, como si todo hubiera estado previsto desde el comienzo. - “WAY OUT WEST” - Los Angeles, March 7, 1957 I’m an Old Cowhand Sonny Rollins (ts) Ray Brown (b) Shelly Manne (d)En 1957 Sonny Rollins estaba en la cima de su carrera. Venía de grabar Saxophone Colossus y su sonido ya era una referencia del saxo tenor moderno. Rollins se encontraba en Los Ángeles -costa oeste de Estados Unidos cuando decidió entrar al estudio de Contemporary Records junto a dos músicos extraordinarios: Ray Brown en contrabajo y Shelly Manne en batería. El detalle clave es que no hay piano. La ausencia de piano no fue una decisión económica, sino estética. Rollins quería libertad. Sin un instrumento armónico que fijara los acordes, el saxo quedaba expuesto, obligado a sugerir las armonías desde el propio fraseo. Lejos de sonar frágil, el resultado fue abierto y ágil. La música respira. Hay espacio, riesgo y una sensación constante de movimiento.El repertorio se basa en el imaginario Lejano Oeste con canciones como “I’m an Old Cowhand” soy un viejo vaquero y “Wagon Wheels” ruedas de carreta, además de la célebre carátula con Rollins vestido de vaquero en el desierto californiano. Pero el guiño es más que decorativo. En “Old Cowhand”, por ejemplo, Rollins convierte un tema casi humorístico en un ejercicio de improvisación temática: toma pequeñas melodías, las transforma, las desplaza rítmicamente y las reorganiza con lógica interna. Construye, más que simplemente encadenar frases.Way Out West consolidó el formato de trío sin piano para el tenor. Parece ligero, incluso juguetón, pero su arquitectura es seria y audaz. Es una exploración que ampliaría el camino del jazz moderno. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

ARCHIE SHEPP “THE WAY AHEAD” - New York, January 29, 1968 - Damn if I know [The stroller] - Jimmy Owens (tp,flhrn) Grachan Moncur, III (tb) Archie Shepp (ts) Walter Davis, Jr. (p) Ron Carter (b) Beaver Harris (d) - Sophisticated lady Archie Shepp (ts) Ron Carter (b) Roy Haynes (d)El álbum “The Way Ahead” marcó un giro importante para Archie Shepp. Grabado en 1969, el saxofonista buscaba una formación que equilibrara tradición y vanguardia, inicialmente sin piano —quizás influido por su experiencia junto a Cecil Taylor. El álbum reunió a Ron Carter (contrabajo), Grachan Moncur III (trombón), Jimmy Owens (trompeta), Beaver Harris o Roy Haynes (batería) y Walter Davis Jr. (piano).El repertorio combina blues profundo, góspel y swing callejero con una energía moderna. Desde “Damn If I Know (The Stroller)”, con ecos de Duke Ellington y Ben Webster, el grupo explora un territorio que también dialoga con el espíritu de Charles Mingus. El solo de Shepp es áspero y expresivo, sostenido por una base flexible.En “Sophisticated Lady” y “Fiesta”, con Haynes en batería, aportan un swing elegante y una profundidad emocional inesperada. El resultado es un disco que mira hacia adelante sin perder sus raíces. CRAIG TABORN, TOMEKA REID Y CHES SMITH “DREAM ARCHIVES” - New Haven, CT, January, 2024 - Coordinates for the absent, When Kabuya dances, Mumbo jumbo Craig Taborn (p,keyboards,electronics) Tomeka Reid (cello) Ches Smith (d,perc,vib,electronics)El álbum Dream Archives reúne a Craig Taborn (piano), Tomeka Reid (cello) y Ches Smith (batería, vibráfono y percusión). Aunque es su primer disco como trío, suena como el trabajo de un grupo con años de confianza compartida. El repertorio incluye cuatro composiciones de Taborn y dos versiones muy bien elegidas: “When Kabuya Dances”, de Geri Allen, y “Mumbo Jumbo”, de Paul Motian.Desde el inicio, con “Coordinates for the Absent”, Taborn explora los registros más agudos y graves del piano en un diálogo de gran sensibilidad, con ecos impresionistas que recuerdan a Debussy, pero siempre buscando nuevos caminos rítmicos y armónicos.A lo largo del álbum, el trío transita por distintos climas y paisajes sonoros con naturalidad. Hay libertad, riesgo y escucha atenta, pero también una clara sensación de unidad. Nada suena forzado: la música fluye con coherencia, curiosidad y una conexión profunda entre los tres músicos.ROSWELL RUDD & DUCK BAKER “LIVE” - New York, January 5, 2002 & Albuquerque, NM, March 28, 2004 - The happenings, A bouquet for JJ, Well, you needn’t, Bemsha swing - Roswell Rudd (tb) Duck Baker (g)El trombonista y etnomusicólogo Roswell Rudd, se une al guitarrista fingerstyle Duck Baker, en Live un album registrado en vivo en 2002 en Tonic el extinto club de Nueva York) y en 2004 en The Outpost (Albuquerque), ambas actuaciones muestran una química poco común. (“Fingerstyle” el guitarrista usa el pulgar para tocar las cuerdas graves y los otros dedos para tocar melodía, acordes y armonías en las cuerdas agudas). La combinación de trombón jazzístico y guitarra folk crea un formato inusual, que exige gran cuidado en timbre y dinámica. Rudd frasea como si hablara: incluso en los pasajes más libres mantiene un aire narrativo, lleno de carácter. Baker aporta ritmo flexible, toque preciso e imaginación, dialogando con respeto por la amplia trayectoria de Rudd —del trad al free—, pero como un igual.Juntos reinventan temas de Jelly Roll Morton, Thelonious Monk y Herbie Nichols, y juegan con citas y asociaciones libres, rozando a veces la desarmonía deliberada. El resultado es un experimento lúdico y radical, tan histórico como arriesgado. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

HANK MOBLEY “HANK” - Hackensack, N.J., April 21, 1957 - Time After Time, Dance Of The Infidels - Donald Byrd (tp) John Jenkins (as) Hank Mobley (ts) Bobby Timmons (p) Wilbur Ware (b) Philly Joe Jones (d)La música del saxofonista tenor Hank Mobley, es una parte esencial del legado del sello Blue Note Records. Dueño de un sonido lírico y reconocible, de ideas armónicas y rítmicas sofisticadas y de una escritura melódicamente rica, Mobley fue una presencia constante tanto en sus propias sesiones como en las de otros músicos. Sin embargo, a pesar de esa actividad frecuente, nunca logró consolidar un grupo estable y duradero bajo su propio nombre.Hizo su primera grabación para el sello en 1954 como miembro de The Jazz Messengers, bajo el liderazgo del pianista Horace Silver. Poco después comenzó a encabezar sus propias grabaciones, iniciando un período especialmente fructífero con el disco Hank, su debut como líder para el sello en el que contó con el trompetista Donald Byrd, el saxofonista alto John Jenkins, el pianista Bobby Timmons, el contrabajista Wilbur Ware y el baterista Philly Joe Jones.¡Gracias por leer “Roberto Barahona · Puro Jazz”! - Para recibir nuevas publicaciones y acompañar este proyecto, te invito a suscribirte gratis.MANUEL GREENE “NIÑO” - Estudio Palo Quemado, Santiago, 2024 - Vitral, Navegante, Toñi Willy - Roberto Boksamy (sa) Joaquín Fuentes (p) Juan Ríos (b) Ignacio Barrientos Guitarra (1) Manuel Greene (dr/comp.)En diciembre de 2025, el baterista y compositor chileno Manuel Greene publicó Niño, su primer disco como líder, grabado poco más de un año antes en el estudio Palo Quemado en Santiago. El álbum condensa un proceso de aprendizaje y búsqueda personal que el propio Greene ha descrito como un enamoramiento profundo de la música.Desde la batería —y también con sus composiciones— Greene construye un paisaje sonoro abierto, lleno de matices y espacios, donde la imaginación tiene un rol protagónico. La música invita a flotar, a dejarse llevar por climas y colores que muchas veces dicen más que las palabras.El cuarteto lo completan Roberto Boksamy en saxo alto, Joaquín Fuentes en piano y Juan Ríos en contrabajo, con el guitarrista Ignacio Barrientos como invitado en una de las piezas. La interacción es orgánica y atenta, más centrada en la escucha y el diálogo que en el virtuosismo exhibicionista.Niño marca así un comienzo firme, sensible y coherente en la trayectoria de Greene.DAVE PIETRO “THE BUTTERFLY EFFECT” - New York ?, c. 2025 - Svengali, The butterfly effect - Scott Wendholt (tp) Dave Pietro (as) Gary Versace (p) Jay Anderson (b) Adam Cruz (d)4Dave Pietro forma parte de la escena jazzística de Nueva York desde 1987. Saxofonista, compositor y profesor, se ha consolidado como un músico versátil y muy solicitado, con un sonido sólido y flexible.Comenzó su carrera en las big bands de Toshiko Akiyoshi, Woody Herman, Lionel Hampton, Maynard Ferguson y Maria Schneider, además de integrar la Village Vanguard Jazz Orchestra.Interesado en ampliar su horizonte musical, Pietro ha estudiado música clásica de la India y se ha presentado en proyectos liderados por el tablista Sandip Burman.Como líder ha publicado diez discos; el más reciente es The Butterfly Effect, un álbum que lo muestra en un momento de plena madurez artística y que incluye, entre otros, al trompetista Scott Wendholt. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

TIM HAGANS “THE MOON IS WAITING” - Maggies Farm, Pipersville, PA, March 3 & 4, 2011 - Ornette’s waking dream of a woman, The moon is waiting, First jazz - Tim Hagans (tp,flhrn) Vic Juris (g) Rufus Reid (b) Jukkis Uotila (d)En su álbum The Moon Is Waiting, el trompetista Tim Hagans se rodea de un grupo muy compenetrado: el guitarrista Vic Juris, el contrabajista Rufus Reid y el baterista —y también pianista— Jukkis Uotila. En las notas del disco, Hagans explica que le gusta tocar con cierta sensación de riesgo, evitando la comodidad excesiva. Esa idea se siente a lo largo de todo el álbum.El tema que da título al disco parte con frases largas y un acompañamiento flexible, y poco a poco se vuelve más intenso, con intervenciones filosas y muy expresivas de la trompeta. “Ornette’s Waking Dream of a Woman”, compuesta para una compañía de danza, mezcla libertad, funk, rock y postbop en un desarrollo enérgico. “First Jazz” se mueve en clave postbop, con solos firmes y directos. “Boo” comienza con un solo blusero de Juris y luego toma un giro más eléctrico, evocando por momentos el clima de B*****s Brew. En cambio, “What I’ll Tell Her Tonight” ofrece un respiro: una balada de aire nostálgico, marcada por la entrada tardía de la trompeta con sordina.Aunque hay tensión y sorpresa, nada suena desordenado. Hay libertad, sí, pero también una estructura clara que sostiene todo el recorrido.¡Gracias por leer “Roberto Barahona · Puro Jazz”! - Para recibir nuevas publicaciones y acompañar este proyecto, te invito a suscribirte gratis.MELISSA ALDANA “FILIN” - New York 2025 - La Sentencia, No Te Empeñes Más (1), Imágenes, Little Church, Ocaso- Melissa Aldana (st) Gonzalo Rubalcaba (p) Peter Washington (b) Kush Abadey (dr) Cécile McLorin Salvant (voz-1)En Filin, la saxofonista tenor Melissa Aldana cumple un deseo largamente postergado: grabar un disco de baladas. Publicado por Blue Note Records, el álbum toma como referencia clásicos como Ballads de John Coltrane y el clima introspectivo de Kind of Blue, pero encuentra su identidad en el repertorio del filin cubano —esa corriente nacida en los años 40 que unió bolero, trova y sensibilidad jazzística.La idea surgió a partir del diálogo con el pianista Gonzalo Rubalcaba, quien no solo aporta arreglos y un acompañamiento lleno de matices, sino también un conocimiento profundo de este repertorio. Junto a ellos, el contrabajista Peter Washington y el baterista Kush Abadey sostienen un pulso firme y flexible. Como invitada especial, Cécile McLorin Salvant canta en dos piezas.El resultado es íntimo y contenido. Aldana prioriza la melodía, el espacio y el color del sonido por sobre el despliegue técnico. Más que un simple disco romántico, Filin transmite la memoria emocional del amor: una sensación que ya pasó, pero que sigue vibrando en el aire.BENNIE GREEN “BACK ON THE SCENE” - Hackensack, N.J., March 23, 1958 - I love you, Melba’s mood - Bennie Green (tb) Charlie Rouse (ts) Joe Knight (p) George Tucker (b) Louis Hayes (d) En Back on the Scene, el trombonista Bennie Green muestra una de sus facetas más variadas sin perder el sello que lo caracteriza: un sonido cálido, flexible con un profundo swing. Desde el inicio sorprende con un aire latino en “I Love You” (de Cole Porter) y “Melba’s Mood”, donde el ritmo contagioso le da un nuevo color a su fraseo siempre ligado al bop y al jump blues.La balada “You’re Mine You” deja ver su lado más sensible, mientras que el estándar “Just Friends” reafirma su conexión con la tradición del big band y el lenguaje bop, aquí reforzada por los sólidos solos del tenorista Charlie Rouse. Completan la sección rítmica el contrabajista George Tucker y el baterista Louis Hayes. El disco mantiene una atmósfera alegre y optimista, muy en la línea de sus grabaciones para Prestige: jazz directo, vital y sin complicaciones innecesarias. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

DIZZY GILLESPIE - New York, May 25, 1954 - Sugar hips - Dizzy Gillespie (tp,vcl) Hank Mobley (ts) Wade Legge (p) Lou Hackney (b) Charlie Persip (d) - New York, June 8, 1954 - Blue mood, Devil and the flesh [Devil and the fish] - Dizzy Gillespie (tp) Jimmy Cleveland (tb) Hank Mobley (ts) Wade Legge (p) Lou Hackney (b) Charlie Persip (d) - Los Angeles, November 8, 1955 - Play me the blues (th vcl) - Dizzy Gillespie, Taft Jordan, E.V. Perry, Ernie Royal (tp) Jimmy Cleveland, Matthew Gee, Jimmy Wilkins (tb) Hilton Jefferson, Gigi Gryce (as) Budd Johnson, Ernie Wilkins (ts) Sahib Shihab (bar) Wade Legge (p) Nelson Boyd (b) Charlie Persip (d) Herb Lance (vcl)Jazz Recital es un álbum del trompetista Dizzy Gillespie, grabado entre 1954 y 1955 que reúne interpretaciones en formato de quinteto, sexteto y orquesta de jazz, mostrando distintas facetas de su trabajo en esos años.El álbum lo retrata en un punto especialmente interesante de su trayectoria: el revolucionario del bebop de los años cuarenta comenzaba a consolidarse como una figura institucional del jazz moderno. Es una etapa de consolidación posterior al bebop: un jazz moderno más pulido, con mayor estructura y refinamiento, sin perder energía ni imaginación.Destacan especialmente el trombonista Jimmy Cleveland y el saxofonista Hank Mobley en las grabaciones en formato reducido, cuyas intervenciones aportan solidez y un notable sentido melódico al conjunto.¡Gracias por leer “Roberto Barahona · Puro Jazz”! - Para recibir nuevas publicaciones y acompañar este proyecto, te invito a suscribirte gratisANAT COHEN’S - QUARTETINHO “BLOOM” - Mt. Vernon, NY, April, 2024 - The night owl, Trinkle tinkle, La catedral, Superheroes in the gig economy - Anat Cohen (cl) James Shipp (vib,mar,perc) Vitor Goncalves (p,accor) Tal Mashiach (b,g)La más reciente producción de la clarinetista Anat Cohen es Bloom, el segundo disco de su grupo Quartetinho con melodías que aparecen por todos lados, Bloom muestra a Cohen en un formato cercano y sencillo que el de su anterior, el ambicioso Triple Helix (2019). Aquí deja de lado el gran ensamble para concentrarse en un cuarteto con una fuerte conexión con músicas del mundo, donde lo principal es la conversación entre los músicos.La acompañan Vitor Gonçalves en piano, acordeón y Rhodes; Tal Mashiach en contrabajo y guitarra; y James Shipp en vibráfono y percusión. Entre todos construyen un sonido cálido y delicado, con mucho espacio para que cada instrumento respire y aporte su propio color.El disco incluye composiciones de todos los integrantes, lo que refuerza su carácter colectivo. También hay una versión muy musical y fluida de “Trinkle, Tinkle” de Thelonious Monk, además de un arreglo amplio y expresivo de “La Catedral”, del guitarrista y compositor paraguayo Agustín Barrios Mangoré.BELLBIRD “THE CALL” - Montreal ca. 2025 - Murmuration, Mourning Dove, The Call - Allison Burik - (sa/cl-b) Claire Devlin (st) Eli Davidovici (b) Mili Hong (dr)El grupo Bellbird toma su nombre del campanero blanco, un ave que vive en los bosques húmedos de Venezuela y que tiene uno de los cantos más fuertes y llamativos del mundo animal. Ese sonido, tan extremo como inconfundible, es la inspiración que inició el proyecto The Call, la llamada.El cuarteto Bellbird, radicado en Montreal, se inició en encuentros informales durante la pandemia. Lo componen la saxo tenor Claire Devlin, la multi instrumentista Allison Burik en saxo alto y clarinete, la baterista Mili Hong y el contrabajista Eli Davidovici, músicos de la escena del jazz e improvisación libre que frecuentan el Café Résonance en Montreal. La invitación al Ottawa Jazz Festival en 2021 ayudó a consolidarlos como grupo. Desde entonces, han ido afirmando su sonido y su identidad. Montreal 2025 This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

Durante el mes de marzo, los lunes presentaré en Puro Jazz programas dedicados a Sonny Rollins , una de las grandes voces del jazz moderno. Rollins fue mucho más que un brillante saxofonista: fue un músico inquieto, exigente consigo mismo y siempre en búsqueda de su propia verdad artística. A lo largo de esta serie recorreremos los momentos clave de su trayectoria.Sonny Rollins vive en Woodstock, Nueva York. Nació en Harlem en 1930, creció rodeado de auténtica realeza del jazz. Sus primeros años están marcados por un ascenso meteórico: de adolescente prodigio del barrio pasó a convertirse en el “Saxophone Colossus” que ayudó a redefinir el jazz moderno. Frecuentaba visitar los clubes de jazz del centro de la ciudad para escuchar bebop pero todavía no había oído hablar de Charlie “Bird” Parker, el joven fenómeno del saxo alto. Poco después formó una banda con amigos del barrio, los Counts of Bop, donde estaban futuros pesos pesados como Jackie McLean, Kenny Drew y Art Taylor. No pasó mucho tiempo antes de que Charlie Parker se convirtiera en una influencia decisiva. “Bird me causó una impresión muy profunda en el tenor”, diría Sonny. “Lo escuché tocar ese instrumento muy pocas veces, pero sus ideas, su empuje, la manera en que creaba música me conmovieron muchísimo”. La virtuosidad excepcional de Bird —y también su adicción a la heroína— llevó a Sonny tanto a lo más alto como a momentos realmente tétricos.Con diecisiete años, en julio de 1947 Sonny se afilió a la American Federation of Musicians el sindicato de músicos y dio el salto a la vida profesional. Para el verano de 1948 ya estaba de gira por Montreal, contratado por el trompetista Al Bryant.BABS GONZALES AND HIS ORCHESTRA: - New York, January 20, 1949 - Capitolizing, Professor Bop - Bennie Green, J.J. Johnson (tb) Julius Watkins (fhr) Jordan Fordin (as) Sonny Rollins (ts) Linton Garner (p) Arthur Phipps (b) Jack “The Bear” Parker (d) Babs Gonzales (vcl) - New York, April 27, 1949 - St. Louis blues - J.J. Johnson (tb) Albert Socarras (fl) Don Redman (sop) Sonny Rollins (ts) Wynton Kelly (p) Ray Nance (vln-1) Bruce Lawrence (b,vcl) Roy Haynes (d) Babs Gonzales (vcl)Poco después, el cantante Babs Gonzales lo invitó a participar en su primer disco para Capitol. La banda incluía al trombonista Bennie Green, a Sonny Rollins en saxo alto y tenor, al pianista Linton Garner (hermano de Erroll), al baterista Jack “The Bear” Parker y al contrabajista Arthur Phipps. Los arreglos escritos por el trombonista J. J. Johnson. A último minuto se sumó también el cornista francés Julius Watkins, que apareció sin invitación en un ensayo y terminó quedándose.Rollins estuvo muy ocupado el año 1949 : el 20 de enero, con apenas dieciocho años, hizo su debut discográfico. Junto a Babs, grabaron “Capitolizing”, un tema bebop, y “Professor Bop”, una pieza vocalese humorística que celebraba el auge del bop. El disco recibió buenas críticas. “Capitolizing es Babs en su mejor momento”, decía una reseña de Metronome en mayo de 1949. Sonny, sin embargo, no quedó conforme con su propio desempeño, dando inicio a una autocrítica feroz que lo acompañaría toda la vida. “Sonaba muy derivativo”, diría después sobre su solo. “Estaba completamente metido en el lenguaje de Charlie Parker”.El 27 de abril, Sonny volvió al estudio para otra sesión de Gonzales en Capitol, con Wynton Kelly, Bruce Lawrence y Roy Haynes en la sección rítmica. Al frente estaban J. J. Johnson, el flautista Alberto Socarras, el violinista Ray Nance, Babs en la voz y Don Redman, líder de la banda, en saxo soprano.JAY JAY JOHNSON’S BOPPERS - New York, May 11, 1949 - Audobahn [Audubon], Don’t blame me, Bee Jay - J.J. Johnson (tb) Sonny Rollins (ts) John Lewis (p) Gene Ramey (b) Shadow Wilson (d) - New York, May 26, 1949 - Hilo - Kenny Dorham (tp) J.J. Johnson (tb) Sonny Rollins (ts) John Lewis (p) Leonard Gaskin (b) Max Roach (d)Estas primeras actuaciones en estudio no pasaron desapercibidas. Llamaron la atención de Ira Gitler, crítico y el productor del sello Prestige; el productor de Savoy Teddy Reig, también tomó nota. Así, el 11 de mayo, Sonny grabó con los Boppers de J. J. Johnson, junto al pianista John Lewis, el contrabajista Gene Ramey, el baterista Shadow Wilson.Johnson le dio a Sonny la oportunidad de grabar por primera vez composiciones propias. De los cuatro temas registrados, dos eran suyos: “Audubon” y “Goof Square”. Su lenguaje armónico seguía muy marcado por Bird, pero el sonido ya era inconfundiblemente Sonny Rollins.Dos semanas más tarde, el 26 de mayo, Sonny regresó al estudio con los Boppers de J. J. Johnson para una sesión a sexteto, sumando a Kenny Dorham en trompeta, John Lewis en piano, Leonard Gaskin en contrabajo y Max Roach en batería. El disco en formato 78 RPM le valió a Sonny su primera mención importante en la revista Down Beat, aunque la crítica fue tibia, por no decir dura. “Seis boppers conocidos tocan dos lados apenas correctos”, decía la reseña. “El tenor Rollins, acreditado como autor de ‘Hilo’, hace solos sin mayor efecto, mientras que el solo de trompeta de Kenny Dorham, como siempre, comienza bien pero termina sin clímax por falta de fuerza y autoridad en su fraseo y ataque”. Así se establecía un patrón que se repetiría: las primeras críticas de Down Beat hacia Sonny serían, en general, poco amables.BUD POWELL’S MODERNISTS - New York, August 8, 1949 - Bouncing with Bud, Wail, Dance of the infidels - Fats Navarro (tp) Sonny Rollins (ts) Bud Powell (p) Tommy Potter (b) Roy Haynes (d)En agosto Sonny participó en una sesión del pianista Bud Powell. Alfred Lion y Francis Wolff, fundadores y propietarios del sello Blue Note, invitaron a Powell a grabar, quien reclutó a Rollins y al trompetista Fats Navarro. A pesar de que Powell estaba lidiando con graves problemas de salud mental y tanto él como muchos de sus contemporáneos (incluido Rollins al principio de su carrera) luchaban con el uso de sustancias controladas, la música que hicieron en la sesión debut de estudio de Powell se considera un bebop poderoso y de alta calidad. Las actuaciones son musicalmente coherentes, vibrantes e históricamente importantes, y los críticos afirman que la creatividad y la técnica de Powell brillan a pesar de sus desafíos personales.MILES DAVIS SEXTET - New York, January 17, 1951 - Morpheus, Down, Whispering - Miles Davis (tp) Bennie Green (tb) Sonny Rollins (ts) John Lewis (p) Percy Heath (b) Roy Haynes (d)Sonny Rollins Sonny y Miles Davis habían tocado juntos desde 1949, y fue logico que lo invitara en 1951 a participar en sesiones con la banda formada por Davis para cumplir con sus obligaciones contractuales con el sello Prestige. Davis ya esperaba que Rollins se integrara a su gran primer quinteto en 1955, algo que no sucedió. Principalmente porque para entonces Rollins ya había trabajado con Thelonious Monk, grabado composiciones originales -que hoy son estándares de jazz- había liderado varias sesiones y se había retirado del jazz por primera vez para dejar las drogas y recomponer su salud. La noche del 17 de enero Sonny llegó a los estudios Apex, la banda de Davis incluía a Bennie Green, John Lewis, Percy Heath y Roy Haynes. THE SONNY ROLLINS QUARTET - New York, December 17, 1951 - Time on my hands, Mambo bounce, This love of mine, Scoops, Newk’s fadeaway Shadrack - Sonny Rollins (ts) Kenny Drew (p) Percy Heath (b) Art Blakey (d)Sonny Rollins, que ahora tenía contrato con Prestige, el 17 de diciembre regresó los estudios Apex para su primera sesión completa como líder: el Sonny Rollins Quartet. Sería su última grabación por un tiempo: apenas tres días después sería sentenciado tras ser hallado culpable de posesión y consumo de drogas.Para la sesión con Percy Heath, Art Blakey y Kenny Drew comenzó cuesta arriba. Era una noche fría y lluviosa, el conguero Sabu Martínez no logró llegar desde el Bronx y, para colmo, Sonny descubrió que no tenía correa para el saxofón, instrumento que acababa de retirar de una casa de empeño. A menudo lo empeñaba para comprar drogas. Improvisó una con un gancho de ropa y una cuerda.La sesión fue tensa y dispersa. Grabaron ocho temas, entre estándares y originales. Kenny Drew se quedaba dormido entre tomas y Blakey lo despertaba con redobles en la caja.A pesar de estos problemas y dificultades con las cañas, Sonny logró momentos notables: un vibrato cargado de emoción en “Time on My Hands”, un swing desbordante en “Mambo Bounce” y “This Love of Mine”, una balada con ecos de Coleman Hawkins. La noche cerró con una intensa jam basada en los acordes de I’ve got rhythm, donde Rollins está realmente espectacular. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

GREG OSBY “ZERO” - Brooklyn, NY, January 9-11, 1998 - Sea of illusion, Interspatial affair (1), Minstrale - Greg Osby (as,sop,sopranino) Jason Moran (p,org,el-p) Kevin McNeal (g) Lonnie Plaxico (b) Dwayne Burno (b-1) Rodney Green (d)“Zero” de 1998, Fue el tercer lanzamiento del saxofonista Greg Osby para Blue Note Records y tal vez su mejor grabación hasta la fecha. Después de haber colaborado durante mucho tiempo con Steve Coleman y Cassandra Wilson en “Mbase”, Osby se volvió hacia el Hip-Hop, pero - afortunadamente- lo abandonó rápidamente. En “Zero”, Osby está respaldado por un grupo de buenos músicos jóvenes que muestran sólidos atributos técnicos. El disco abre con “Sea of Illusion” con el sonido característico de Osby: combina ingeniosamente la melodía y la disonancia de una manera angular; su ataque y ejecución son impecables. ¡Gracias por leer “Roberto Barahona · Puro Jazz”! - Para recibir nuevas publicaciones y acompañar este proyecto, te invito a suscribirte gratis.MCCOY TYNER “TIME FOR TYNER” - Englewood Cliffs, N.J., May 17, 1968 - African village, I didn’t know what time it was - Bobby Hutcherson (vib) McCoy Tyner (p) Herbie Lewis (b) Freddie Waits (d)El estilo de piano de McCoy Tyner, completo con acordes sofisticados y una mano izquierda explosivamente percusiva, ha trascendido los estilos convencionales para convertirse en uno de los sonidos más identificables de la música improvisada. Sus contribuciones armónicas y sus dispositivos rítmicos dramáticos forman el vocabulario de la mayoría de los pianistas de jazz.Nacido en Filadelfia, Pensilvania, se convirtió en parte de las escenas emergentes de jazz y R&B de principios de la década de 1950. Con 20 años, Tyner comenzó una relación con el legendario saxofonista Benny Golson, así como actuando en el famoso conjunto The Jazztet (1960). Luego se unió al cuarteto clásico de John Coltrane. Después Tyner también comenzó a explorar sus propios talentos lanzando varios álbumes en el sello discográfico Impulse, como Time for Tyner con un grupo estelar junto al vibrafonista Bobby Hutcherson, el bajista Herbie Lewis y el baterista Freddie Waits. Tyner y Hutcherson se combinan muy bien y ambos muestran experiencia en la creación de ideas sobre vamps modales. Las otras tres selecciones son antiguos estándares. FRED KATZ “AND HIS JAMMERS” - Los Angeles, 1958 - Feeling the blues, To blow is to know, Ruby my dear (1) - Don Fagerquist (tp) Gene Estes (vib) Fred Katz (p,cello) John Pisano (g) Leroy Vinnegar (b) Lennie McBrowne (d)Frederick Katz Fue violonchelista y compositor y uno de los primeros músicos de jazz en establecer el chelo como instrumento como solista de improvisación. Katz se formó y estudió con Pablo Casals y actuó con varias orquestas sinfónicas. Era un niño prodigio tanto en el violonchelo como en el piano y actuó en público cuando era adolescente, y se sintió atraído por la música de los clubes nocturnos de Manhattan. Es conocido como miembro del quinteto del baterista Chico Hamilton, uno de los grupos de jazz más importantes de la costa oeste de la década de 1950 en el que Katz definió el enfoque de “cámara jazz”. Katz también grabó varios álbumes como líder. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

Adolfo durante la grabación de la cuarta sinfonía de G Mahler, Centro Cultural Gabriela Mistral 26 de septiembre, 2012Hoy falleció en Santiago Adolfo Flores, co-fundador y director de Radio Beethoven. La noticia me golpea en lo profesional y en lo personal.Con Adolfo tengo —y tendré siempre— una deuda imposible de saldar. Él me dio un vuelco decisivo en mi vida. Confió en mí cuando quizás no había demasiadas razones externas para hacerlo, y me abrió la puerta a una segunda carrera que me ha regalado años de aprendizaje, entusiasmo y una alegría profunda. Gracias a esa oportunidad sigo activo, creativo y, sobre todo, feliz.Radio Beethoven en Santiago, inaugurada el 16 de marzo de 1981, fue fundada por Fernando Rosas Pfingsthorn y Adolfo Flores Sayler. Fundarla fue un acto de visión y de valentía cultural. Sostenerla durante décadas fue un acto de consecuencia. En tiempos de vértigo y superficialidad, la emisora se mantuvo fiel a una idea simple pero poderosa: la música merece respeto. Merece contexto. Merece excelencia.Muchos auditores encontraron allí una escuela de escucha. Yo encontré, además, un hogar.Que Puro Jazz exista y tenga un espacio en esta casa no es casualidad. Es parte de una mirada amplia, generosa, donde la música —sin apellidos excluyentes— es entendida como una experiencia transformadora. Esa amplitud también fue parte de su legado.Hoy despedimos a un gestor cultural fundamental para Chile. Pero su obra sigue sonando. Sigue viva en cada transmisión, en cada auditor que descubre una obra, en cada programa que se hace con dedicación y amor por el oficio.Gracias, Adolfo.Roberto F. Barahona S.25 de febrero, 2026 This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

BUNK JOHNSON: “BUNK JOHNSON’S JAZZ BAND” - New Orleans, LA, October 2, 1942 When I leave the world behind Bunk Johnson (tp) Albert Warner (tb) George Lewis (cl) Walter Decou (p) Lawrence Marrero (bj) Chester Zardis (b) Edgar Mosley (d)“AND THE YERBA BUENA JAZZ BAND” - San Francisco, January/February 1944 Ace in the hole (ch vcl), All the girls go crazy, Ory’s creole trombone Bunk Johnson (tp,vcl) Turk Murphy (tb) Ellis Horne (cl) Burt Bales (p) Pat Patton (bj) Squire Girsback (b,tu) Clancy Hayes (d,vcl) Sister Lotta Peavey (vcl)Bunk Johnson, considerado por algunos como un genio y por algunos detractores como un fraude, el trompetista estaba en el medio. Siempre una figura controvertida debido a sus exageraciones, incluso la fecha de su está en disputa, ya que solía afirmar que nació en 1879 y había tocado en la década de 1890 con Buddy Bolden. Lo que se sabe es que Bunk tocó en Nueva Orleans a partir de 1910 y que era conocido por tener un tono bonito en sus primeros días. En 1914, Bunk comenzó a trabajar como autónomo en Texas, Kansas City (con Sammy Price alrededor de 1930) y muchas zonas rurales. La falta de trabajo y los problemas con los dientes hicieron que Johnson dejara de tocar en 1934. Trabajó en el campo y como camionero y parecía estar perdido para siempre del jazz.Pero en 1942 hizo sus primeras grabaciones, lo muestran como un músico en dificultades, pero con cuyo estilo que se remonta al período anterior a 1920, aunque Johnson mejoró el año siguiente. luego pasó un tiempo en San Francisco en 1943, incluyendo grabación superiores con la Yerba Buena Jazz Band. ¡Gracias por leer “Roberto Barahona · Puro Jazz”! - Para recibir nuevas publicaciones y acompañar este proyecto, te invito a suscribirte gratis.EDDIE LANG: - New York, September 29, 1926 Stringing the blues - Joe Venuti (vln) Eddie Lang (g) - New York, January 15, 1932 Pickin’ my way, Feelin’ my way Eddie Lang, Carl Kress (g) - New York, February 4, 1927 Singin’ the blues (1) Bix Beiderbecke (cnt) Bill Rank (tb) Frankie Trumbauer (c-mel) Jimmy Dorsey (cl,as) Paul Mertz (p) Howdy Quicksell (bj) Eddie Lang (g-1) Chauncey Morehouse (d) - New York, November 5, 1928 Church Street sobbin’ blues (1) Eddie Lang (g) solos acc by Frank Signorelli (p) Justin Ring (chimes-1)Eddie Lang fue el mejor guitarrista de jazz de 1925-33 y el primer jazz virtuoso en el instrumento. Su nombre era Salvatore Massaro y era amigo de la infancia del violinista Joe Venuti. Aunque Lang inicialmente tocó el violín, cambió al banjo y comenzó a doblar en la guitarra, rápidamente se convirtió en un músico muy sofisticado cuyo uso de acordes era bastante avanzados para la época. Lang trabajó con una variedad de conjuntos y bandas y fue miembro de Mound City Blue Blowers de Red McKenzie (1924-25) y pronto fue descubierto, convirtiéndose en un guitarrista independiente muy ocupado que trabajaba constantemente en radio y grabaciones. Su éxito y popularidad la guitarra reemplazó al banjo en la mayoría de las bandas a fines de la década de 1920.A lo largo de su carrera, Lang a menudo se asoció con Venuti, y trabajó con Roger Wolfe Kahn (1926-27), Jean Goldkette, la big band de Adrian Rollini (1927) y Paul Whiteman (1929-30). Entre sus grabaciones más destacadas se encuentran duetos con Venuti, la orquesta de Frankie Trumbauer (incluido “Singin’ the Blues” con Bix Beiderbecke), duetos con Lonnie Johnson (durante los cuales Lang usó el seudónimo de “Blind Willie Dunn” solo para ocultar el hecho de que eran fechas integradas) y un par de dúos memorables con Carl Kress. RETAGUARDIA JAZZ BAND VOL 3 - Santiago, Chile diciembre 1980/enero 1981 - Gatemouth, Savoy blues, Froggie moore Enrique Planas (tp) Duccio Castelli (tb) Guillermo Gabler, Alfredo Puga (cl) Alfredo Espinoza (as) Michael Weiss (bar) Antonio Campusano (p) Juan Christian Amenábar, Juan Carlos Aguila (bj) Domingo Santa Cruz (tu) Lorenzo Martínez (d)En en 1958 el taller que el tubista Domingo Santa Cruz lideraba con jóvenes aficionados se convirtió en la Retaguardia Jazz Band, encabezada por el clarinetista Roberto Millar y el pianista Antonio Campusano, quien fue durante décadas el director de la banda. La banda se llamó Retaguardia Jazz Band por la música de la “retaguardia cronológica”, es decir, de los años 1920 y 1930. No más allá. Tuvo 42 músicos desde 1958 con una extensa discografía. Actualmente la forman además de aficionados músicos profesionales (el genial saxofonista Alfredo Espinoza fue miembro durante años) y otros jóvenes que le dan aire y renovación (el clarinetista Boris Ortiz, el tubista Cristián Alvarez.La Retaguardia se presenta frecuentemente en escenarios por todo el país y hacho giras en Europa y Estados Unidos.JIMMIE LUNCEFORD AND HIS ORCHESTRA - New York, January 26 & March 20, 1934 White heat, Jazznocracy, Swingin’ uptown, Here goes (A fool) - Eddie Tompkins, Tommy Stevenson, Sy Oliver (tp,vcl,arr) Henry Wells (tb,vcl) Russell Bowles (tb) Jimmie Lunceford, Willie Smith (cl,as) Joe Thomas (cl,ts) Earl Carruthers (ts,bar) Edwin Wilcox (p,arr) Al Norris (g) Moses Allen (b,vcl) Jimmy Crawford (d) Will Hudson (arr) La orquesta de Jimmie Lunceford era famosa por su alta musicalidad y era considerada como una de las bandas importantes del Swing como las de Ellington, Basie y Goodman.Aunque Lunceford tocaba varios instrumentos, rara vez lo hacía con su big band, sino que se concentraba en dirigirla. Lunceford estudió en la Universidad de Fisk donde formó una banda local compuesta por sus mejores alumnos (los Chickasaw Syncopators grabaron dos títulos en Dallas en 1927) y ese fue el núcleo de su orquesta cuando se convirtió en conjunto profesional en 1929.En 1934, la banda de Lunceford estaba en camino de alcanzar una gran popularidad. Sy Oliver contribuyó magníficos arreglos que le dieron a la orquesta su propio sonido, Tommy Stevenson era el trompeta agudista, el que alcanzaba notas altísimas, y entre los solistas clave se encontraban el alto Willie Smith, el tenor Joe Thomas y el trombonista Trummy Young.En 1939, Sy Oliver fue atraído por una lucrativa oferta de Tommy Dorsey. A pesar de esa gran derrota, a Lunceford (quien pronto agregó a Suooky Young y Gerald Wilson a su sección de trompetas) todavía le quedaban algunos buenos años. Sin embargo, durante la guerra la orquesta de Lunceford se vio en declive. Los bajos salarios que pagaba obligaron a algunos de los músicos clave a desertar (incluido el muy reacio Willie Smith). Aún así, la Orquesta de Jimmie Lunceford trabajaba regularmente en 1947 cuando su líder murió de un infarto a la edad de 45 años mientras firmaba autógrafos. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

ROY HAYNES “LOVE LETTERS” - New York, May 23 & 24, 2002 - Afro blue (2), Que pasa (1), Stompin’ at the Savoy (2) - Joshua Redman (ts-1) Kenny Barron (p-1) David Kikoski (p-2) John Scofield (g-2) Christian McBride (b-1) Dave Holland (b-2) Roy Haynes (d)Love Letters del baterista ROY HAYNES reúne una lista de estrellas, incluidos los pianistas Kenny Barron y David Kikoski, los bajistas Dave Holland y Christian McBride, el tenorista Joshua Redman y el guitarrista John Scofield para un sólido disco de estándares. Incluso cuando se acercaba a su octava década en 2002, cuando se hizo este récord, Haynes continuó mostrando el talento e impulso que lo convirtió en un baterista altamente considerado desde su mandato con Charlie Parker y Bud Powell a mediados de la década de 1940. Es evidente a lo largo de todo el álbum, desde “Afro Blue” de Mongo Santamaría hasta la conmovedora toma de “Qué Pasa” de Horace Silver. Todos tienen sus momentos brillantes, pero la de Haynes con Holland y Scofield es una combinación excelente.¡Gracias por leer “Roberto Barahona · Puro Jazz”! Para recibir nuevas publicaciones y acompañar este proyecto, te invito a suscribirte gratis.BOBBY TIMMONS “BORN TO BE BLUE” - New York, August 12 & September 10, 1963 - Born to be blue (1), Malice towards none (1) Namely you (2) - Bobby Timmons (p) Ron Carter (b-2) Sam Jones (b-1) Connie Kay (d)Bobby Timmons emergió de Filadelfia a los 19 años, con un estilo de piano funky teñido de gospel, con sabor a blues y hardbop. Timmons, en una carrera de grabación que solo abarcaría pocos años, contribuiría a algunas de las mejores sesiones de las legendarias del sello Blue Note de los años 50, y sería miembro de dos de las principales bandas de esa época, Art Blakey and the Jazz Messengers, y el Cannonball Adderley Quintet.A lo largo de su carrera, Timmons fue descrito como un pianista orientado al blues y al funk debido a sus éxitos (”Moanin’”, “This Here” y “Dis Dat”). Pero como demuestra en esta cita de trío de 1963, con Sam Jones o Ron Carter en el bajo y el baterista Connie Kay, que era en realidad un pianista de inspiración completa. En su CD Born to Be Blue! la música va desde bop hasta espirituales.BRAD GOODE QUINTET “THAT’S RIGHT!” - Dallas, TX, January 7 & 8, 2018 - Perplexity, Blues in the night, Letter from home - Brad Goode (tp) Ernie Watts (ts) Adrean Farrugia (p) Kelly Sill (b) Adam Nussbaum (d)Brad Goode, un compositor que toca trompeta, bajo y batería, es reconocido como un estilista único con un enfoque altamente creativo. Ha grabado en docenas de álbumes de jazz, incluidos 18 como líder. Brad obtuvo un título en trompeta clásica en la Universidad de Kentucky y una maestría en bajo en la Universidad DePaul. Durante sus años de aprendizaje, realizó giras y grabó con las bandas de Von Freeman, Red Rodney, Curtis Fuller y la Orquesta Woody Herman, entre otros. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

ROXY COSS “CHASING THE UNICORN” - Brooklyn, NY, September 21, 2016 - A shade of jade, You’re There, Free to be, Oh! Darling - Roxy Coss (saxes,b-cl) Alex Wintz (g) Glenn Zaleski (p) Rick Rosato (b) Jimmy Macbride (d)Roxy Coss se ha convertido en una de las saxofonistas más interesantes de su generación, una voz definitoria del Movimiento Milenario en el Jazz. Ganadora del Premio ASCAP Herb Alpert Young Jazz Composer 2016 y las encuestas de Downbeat Critics la incluyeron en la lista de “Rising Star” [estrella emergente ] del Saxofón Soprano en los últimos tres años. A principios de 2017, Coss lanzó su tercer álbum como líder, “Chasing the Unicorn” donde aparece en Tenor y Soprano junto a su quinteto.¡Gracias por leer “Roberto Barahona · Puro Jazz”! Para recibir nuevas publicaciones y acompañar este proyecto, te invito a suscribirte gratis.MAL WALDRON & JACKIE MCLEAN “LEFT ALONE” - New York, prob April, 1960 - Left alone, You don’t know what love is, Airegin - Jackie McLean (as) Mal Waldron (p) Julian Euell (b) Al Dreares (d)Aunque no mantenía el mismo ritmo sin parar que tenía a principios de los años 60, Jackie McLean todavía tocaba magníficamente a lo largo de la década de 1980. Lo Demuestra en esta cita de 1986 con el pianista Mal Waldron, cuyas contramelodías, solos complementarios, frases de y acompañamiento de apoyo proporcionan un contraste perfecto con las incursiones de McLean. Es lírico y se involucra en algunas pistas; su lado explosivo emerge en otros, mientras McLean, se luce en el tema Left Alone, el resto del disco es Waldron en un trío.JEFF WILLIAMS “JAZZ BLUES” - New York, August 29, 1995 - Funhouse living, Borderline, Oddity - Tim Ries (sop,ts,as) Patrick Zimmerli (ts) Kevin Hays (p) Doug Weiss (b) Jeff Williams (d)Jeff Williams comenzó su carrera profesional de jazz en Nueva York en 1971. En el 72 estaba jugando con Stan Getz, seguido de Dave Liebman y Lookout Farm hasta 1976. Sus otras asociaciones incluyen a Joe Lovano, Lee Konitz, Paul Bley, Bill McHenry, Ethan Iverson,Tony Malaby, Leo Genovese y muchos otros. Desde que hizo un segundo hogar en Londres hace algunos años, Jeff ha actuado con Kenny Wheeler, Norma Winstone, además de liderar sus propias bandas. Jeff ha grabado nueve álbumes que muestran sus composiciones originales.Jazz Blues se grabó en 1995 con Kevin Hays en el piano y Doug Weiss en el bajo, con el equipo de doble saxo de Tim Ries y Patrick Zimmerli en primera línea. La música de Williams aquí es armónicamente densa, compleja y orquestada con sensibilidad, al tiempo que da una gran libertad de improvisación a todos sus buenos músicos. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

PAUL DESMOND / GERRY MULLIGAN “TWO OF A MIND” - New York, June 26, 1962 - All the things you are (1), Two of a mind (2), Out of nowhere (2) - Paul Desmond (as) Gerry Mulligan (bar) Wendell Marshall (b-1) Joe Benjamin (b-2) Connie Kay (d-1) Mel Lewis (d-2)Los saxofonistas Paul Desmond en alto y Gerry Mulligan en barítono siempre fueron un equipo perfecto en sus infrecuentes colaboraciones. Ambos tenían tonos claros inmediatamente distintivos, ingenio y la capacidad de improvisar melódicamente. Aquí aparecen en cuartetos sin piano que también incluyen a Wendell Marshall, Joe Benjamin o John Beal al bajo, y a Connie Kay o Mel Lewis en la batería. La interacción entre Desmond y Mulligan es de esperar. ¡Gracias por leer “Roberto Barahona · Puro Jazz”! Para recibir nuevas publicaciones y acompañar este proyecto, te invito a suscribirte gratis.RAY GALLON “MAKE YOUR MOVE” - Brooklyn, NY, c. 2020 - Kitty paws, Out of whack, Craw daddy - Ray Gallon (p,comp) David Wong (b) Kenny Washington (d)Make Your Move es el primer CD del pianista Ray Gallon, algo increíble considerando sus trabajos con Jon Hendricks y Sheila Jordan y a todos, desde Dizzy Gillespie y Milt Jackson hasta Ron Carter, quien escribió las notas del disco. El bajista Dave Wong y el baterista Kenny Washington completan un trío muy empático. Gallon es un pianista brillante profundamente arraigado en la tradición y menciona entre sus profesores a John Lewis, Barry Harris y Hank Jones. Sus originales recuerdan al canon bop/hardbop con ecos de Bud Powell y la referencia ocasional a Thelonious Monk JOE LOCKE / GEOFFREY KEEZER “SIGNING” - Marriottsville, MD, November 8 & 9, 2011 - Naima, Signing, This is just to say - Joe Locke (vib) Geoff Keezer (p,el-p,omnisphere) Mike Pope (b,el-b) Terreon Gully (d) El Grupo Joe Locke/Geoffrey Keezer es una combinación perfecta, que equilibra los amplios intereses musicales de dos líderes que también son formidables compositores e intérpretes . Si bien ambos lideran grupos individuales propios, la oportunidad ocasional de unir fuerzas está garantizada para producir música memorable. Se unen a ellos dos jóvenes artistas que habían estado en la escena nacional del jazz durante más de diez años: el baterista Terreon Gully Y el bajista Mike Pope. El cuarteto se centra principalmente en los originales de los co-líderes, con Keezer a veces incorporando teclados eléctricos y Pope alternando entre bajos eléctricos y acústicos. El interesante arreglo de Locke de “Naima” de John Coltrane, añade una contra melodía inusual con el tema inicialmente oculto en el fondo, y que luego abre de manera irregular. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

EDWARD BLACKWELL - “SHADES OF EDWARD BLACKWELL” - Englewood, NJ, January, 1968 That moment of glance, Farid - Don Cherry (tp) Luqman Lateef (ts) Wilbur Ware (b) Ed Blackwell (d)ins, Denis Charles (d) Huss Charles (cga) Roger Blank,Eddie Blackwell, uno de los bateristas más distintivos del período desde 1960, cuando entró en escena con Ornette Coleman hasta su muerte inoportuna de complicaciones renales en 1992.Se distinguía por ese “beat for dance”, pulso para bailar siempre presente. Aunque es conocido por su trabajajo con improvisadores sin concesiones, muy a menudo en texturas de forma libre, esa corriente de baile siempre estuvo presente con Blackwell. Esa “cosa” que Ed Blackwell siempre llevaba sin importar el entorno, provenía de su educación en Nueva Orleans. Desde una perspectiva moderna, fue uno de los precursores en llevar esa tradición de desfile callejero, o segunda línea, a la batería progresiva. Blackwell trajo esas perspectivas rítmicas tradicionales a los inquietos músicos de Nueva Orleans en los años 50 que estaban interesados en avanzar la música más allá de sus límites tradicionales, junto con el pianista Ellis Marsalis, el saxofonista Harold Battiste y el clarinetista Alvin Batiste, entre otros.Shades of Edward Blackwell, grabado en 1968, esta fue la primera grabación de Blackwell como líder y contiene dos sesiones muy contrastantes. La primera presenta a Don Cherry, Wilbure Ware y el tenor Luqman Lateef en dos originales de Blackwell. El segundo disco es un conjunto de percusión dinámico, que se une a Ed, aquí hay dos graduados más de Ornette, Billy Higgins y Dennis Charles, junto con Roger Blank, Huss Charles y Jordan en un diálogo de percusión.¡Gracias por leer “Roberto Barahona · Puro Jazz”! Para recibir nuevas publicaciones y acompañar este proyecto, te invito a suscribirte gratis.HORACE PARLAN “MOVIN’ AND GROOVIN’” - Englewood Cliffs, N.J., February 29, 1960 - C jam blues, Up in Cynthia’s room, Lady bird, It could happen to you - Horace Parlan (p) Sam Jones (b) Al Harewood (d) Horace Parlan, un aclamado pianista de jazz cuyo estilo era diferente al resto, en gran parte porque tenía que compensar por una mano parcialmente discapacitada, pero aún así forjó un estilo impresionante. Charles Mingus le dio su primera exposición nacional significativa a finales de la década de 1950; trabajó con el saxofonista y flautista Rahsaan Roland Kirk a mediados de la década de 1960; y tuvo una larga y fructífera asociación con el saxofonista Archie Shepp, a partir de 1977.El primer álbum de Parlan, MOVIN’ & GROOVIN’, presenta la sección rítmica de Sam Jones, que rápidamente se había establecido como una de las voces más importantes del bajo y Al Harewood, el baterista autodidacta.CHET BAKER / ART PEPPER “PICTURE OF HEATH” - Hollywood, CA, November 20 & 21, 1956 - For minors only, Picture of Heath, For miles and miles, C.T.A. - Chet Baker (tp) Art Pepper (as,arr) Phil Urso (ts) Carl Perkins (p) Curtis Counce (b) Larance Marable (d)Picture of Heath Se lanzó originalmente bajo el título Playboys, con Chet Baker y Art Pepper como líderes. Ambos estuvieron presentes en la creación del sonido de la costa oeste, que era más flexible y sutil que el hard bop de la costa este. Su breve asociación creativa alcanzó su punto máximo el 31 de octubre de 1956, cuando grabaron las siete pistas que se convirtieron en Picture of Heath.El sexteto tiene a Phil Urso en tenor en primera línea junto con Baker en la trompeta y Pepper en el saxo alto. El título de la reedición proviene de una de las pistas, pero también reconoce la centralidad de Jimmy Heath en este proyecto. Heath compuso y arregló cinco de las siete canciones del álbum. “For Minors Only” es la única que se convirtió en un estándar de jazz. No hay ninguna de las baladas por las que Baker se hizo famoso. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

JEAN GOLDKETTE AND HIS ORCHESTRA - New York, January & February, 1927 - I’m looking over a four leaf clover (bm vcl), I’m gonna meet my sweetie now (Ray Muerer-vcl), Look at the world and smile, My pretty girl - Bix Beiderbecke (cnt) Fuzzy Farrar, Ray Lodwig (tp) Spiegle Willcox, Bill Rank (tb) Danny Polo (cl,bar) Doc Ryker (as) Frankie Trumbauer (c-mel) Joe Venuti (vln) Itzy Riskin (p) Howdy Quicksell (bj) Steve Brown (b) Chauncey Morehouse (d) Frank Bessinger (vcl), Bill Challis (arr) Jean Goldkette (dir)El pianista clásico Jean Goldkette, fue líder de las grandes bandas en la década de 1920, aunque rara vez tocaba con sus propias orquestas. Goldkette vivió en Francia, Grecia y Rusia cuando era joven, y se mudó con su familia a los Estados Unidos en 1911. Formado como concertista de piano, decidió involucrarse en la música popular. Se mudó en 1921 a Detroit, donde adquirió un restaurante chino sin terminar, lo transformó en el Graystone Ballroom que fue base de operaciones para sus bandas y reconocido como el mejor club nocturno de Detroit.La orquesta de Jean Goldkette grabó por primera vez en 1924. Bix Beiderbecke estuvo brevemente en la banda ese año, pero su mediocre lectura obligaron a Goldkette a despedirlo, con la promesa de que lo volverían a contratar cuando pudiera leer mejor. En octubre de 1926, Bix regresó a un banda superior con músicos del calibre de Frank Trumbauer, Joe Venuti, Eddie Lang y el arreglista Bill Challis.En el otoño de 1927, la Jean Goldkette Orchestra se disolvió y varios de sus mejores músicos se unieron a la orquesta de Adrian Rollini. En diciembre de 1927, Goldkette organizó una nueva orquesta que solo duró hasta 1929.¡Gracias por leer “Roberto Barahona · Puro Jazz”! Para recibir nuevas publicaciones y acompañar este proyecto, te invito a suscribirte gratis.FLETCHER HENDERSON’S ORCHESTRA New York: - May 14, 1926 (1) & April 27, 1927 (2) - The stampede (1), St. Louis shuffle (2) - Russell Smith, Joe Smith (tp) Rex Stewart (cnt) prob Luke Smith (tp) Benny Morton (tb) Buster Bailey (cl,as) Don Redman (cl,as,gfs,arr) Coleman Hawkins (cl,ts,bassax) Fletcher Henderson (p) Charlie Dixon (bj) Ralph Escudero (tu) Kaiser Marshall (d)Fletcher Henderson And His Orchestra :June Cole (vcl) Don Redman (arr) - October 24, 1927 - Goose pimples - Russell Smith, Tommy Ladnier (tp) Jimmy Harrison (tb) Buster Bailey, Jerome Pasquall (cl,as) Coleman Hawkins (cl,ts) Fletcher Henderson (p) Charlie Dixon (bj) prob. Don Redman, Jack Purvis (arr) - March 14, 1928 King Porter stomp - Russell Smith, Joe Smith, Bobby Stark (tp) Jimmy Harrison, Benny Morton (tb) Buster Bailey (cl) Jerome Pasquall (cl,as) Coleman Hawkins (ts) Fletcher Henderson (p) Charlie Dixon (bj) June Cole (tu) Kaiser Marshall (d) Bill Challis (arr) Esta es la banda Henderson seis meses después de la partida de Armstrong, cuya participación discutimos en un programa anterior; su influencia se ha hecho sentir en el flujo rítmico general de la banda. También se escucha en el entorno orquestal más fluido de Don Redman y, quizás, lo más vital en la recién descubierta habilidad del saxofonista tenor Coleman Hawkins para producir líneas largas que se mueven más allá del fraseo corto que todavía definía la mayoría de los solos de jazz en esa época. El cornetista Rex Stewart toca poderosos solos al principio y al final de STAMPEDE, grabada en mayo de 1926, mientras que el solo entremedio revela el magnífico tono, el fraseo relajado y la esencia del canto del trompetista Joe Smith. Stewart y Smith repiten frases de pocos compases de duración, mientras que Hawkins no solo piensa en términos más largos con poca repetición, sino que también suena completamente espontáneo y sin frases fijas. Es esta característica la que lo separará de sus grandes discípulos (Berry, Webster, Evans y Byas), todos los cuales encontraron sus propias voces, pero que confiaron en las “frases aprendidas” mucho más que Hawkins.Hay tres versiones de ST. LOUIS SHUFFLE que sobreviven de la sesión del 27 de abril de 1927, la primera sesión de la banda para Víctor, tienen solos de Hawkins similares, siendo la version master la mejor grabada y a melódicamente superior a las otras dos.ANDY KIRK AND HIS TWELVE CLOUDS OF JOY:- Chicago, April 30, 1930 - Mary’s idea - Gene Prince, Harry Lawson (tp) Allen Durham (tb) John Harrington (cl,as) John Williams (as,bar) Lawrence Freeman (ts) Mary Lou Williams (p,arr) William Dirvin (bj,g) Claude Williams (vln) Andy Kirk (bassax,tu,dir) Edward McNeil (d) Harry Lawson (vcl) - New York, March 2 & 4 1936 - Walkin’ and swingin’, Moten swing, Lotta sax appeal Harry Lawson, Paul King (tp) Earl Thompson (tp,arr) Ted Donnelly, Henry Wells (tb) John Harrington (cl,as,bar) John Williams (as,bar) Dick Wilson (ts) Mary Lou Williams (p,arr) Ted Robinson (g) Booker Collins (b) Ben Thigpen (d,vcl) Pha Terrell (vcl) Andy Kirk (dir)- New York, December 9, 1936 - The lady who swings the band (hm vcl) - Harry Lawson, Paul King (tp) Earl Thompson (tp,arr) Ted Donnelly, Henry Wells (tb) John Harrington (cl,as,bar) John Williams (as,bar) Dick Wilson (ts) Mary Lou Williams (p,arr) Ted Robinson (g) Booker Collins (b) Ben Thigpen (d,vcl) Harry Mills (vcl) Andy Kirk (dir)Andy Kirk no fue un gran músico, tocaba saxofoes bajo y barítono y tuba en sus primeras bandas antes de convertirse en líder; nunca escribió ni arregló música. Pero su Twelve Clouds of Joy fue una importante orquesta con sede en Kansas City de la década de 1930 y una de las primeras en llegar a un público fuera de su base en el estado de Missouri.A mediados de los 20 se unió a Dark Clouds of Joy de Terrence Holder en Dallas. Una disputa por dinero llevó a la renuncia de Holder en enero de 1929 y Kirk fue nombrado líder y la big band se estableció en Kansas City. Con su flujo rítmico y fuertes raíces de blues, Las Twelve Clouds of Joy (como se llamaba la banda ahora) fue un exponente ejemplar del jazz de Kansas City y, aunque sus solistas no podían igualar los de la banda de Count Basie, también instalado en la ciudad, Kirk había encontrado un gran talento en la pianista y arreglista Mary Lou Williams quien fue reconocida lentamente en el mundo del jazz dominado por hombres.Desde 1930 hasta 1942, Williams fue el principal catalizador de la banda de Kirk. Sus arreglos, como “MARY’S IDEA” y “WALKIN ‘AND SWINGIN’”, están marcados por una mezcla de experimentalismo y urgencia rítmica, y su interpretación pronto le valió la fama de estrella en la canción “THE LADY WHO SWINGS THE BAND”. En años posteriores, las tendencias progresistas de Williams se hicieron aún más pronunciadas, lo que la llevó a adoptar gran parte del vocabulario bebop y la inspiró a componer piezas extendidas, entre las que sobresale la Suite Zodiac de 1945.EDDIE MILLER AND HIS BIG BAND - Los Angeles, February 4,1944 - Hour of parting , Our Monday date, (I’m Gonna) Stomp, Mr. Henry Lee, Who, Me - pers prob : Charles Griffard, Bob Goodrich, Bruce Hudson (tp) Abe Lincoln, Ed Kusby, Elmer Smithers (tb) Matty Matlock (cl) Arthur “Doc” Rando, Ray Lunsdale (as) Eddie Miller (ts) Clyde Rogers (bar) Stan Wrightsman (p) Nappy Lamare (g,vcl) Artie Shapiro (b) Nick Fatool (d) Penny Parker (vcl) Paul Weston (arr)Reconocido por su hermoso tono (que fue influenciado por Bud Freeman, aunque su estilo era mucho más suave), Eddie Miller fue miembro original y solista estrella tanto en la Bob Crosby Orchestra como con los Bobcats. Pasó gran parte de su vida tocando Dixieland, algo poco inusual para un saxofonista tenor. Nacido y criado en Nueva Orleans, después de tocar con los New Orleans Owls en 1928, Miller se mudó a Nueva York, donde trabajó con varias bandas poco conocidas antes de unirse a la de Ben Pollack a mediados de 1930. Dirigió su propia big band en Los Ángeles en 1943 con la que grabó para el sello Capitol. La banda sonaba similar a la de Crosby e incluía algunos de los mismos acompañantes. La banda no duró mucho, y Miller se mantuvo ocupado como músico de estudio. HOUR OF PARTING, es una linda composición que demuestra la melódica interpretación de Miller. En OUR MONDAY DATE, del canon Armstrong-Hines Hot Five, Miller inicia el orden de los solos, luego Stan Wrightsman le sigue un solo de piano típico y Bruce Hudson concluye los solos en trompeta con sordina en un onda Muggsy Spanier, la banda completa se luce detrás de ellos. El baterista Nick Fatool, un veterano de las bandas de Benny Goodman y Artie Shaw, está como siempre magnífico. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

AKOB BRO “ONCE AROUND THE ROOM” - Copenhagen, November, 2021 - As it should, For the love of Paul, Song to an old friend - Joe Lovano (ts,tarogato) Jakob Bro (g) Larry Grenadier, Thomas Morgan (b) Anders Christensen (b-g) Joey Baron, Jorge Rossy (d)Jakob Bro nació en Dinamarca en 1978. Su padre tenía una big band en la que Bro comenzó a tocar la pandereta incluso antes de que caminara. Más tarde, estudió trompeta a luego guitarra cuando descubrió la música de Jimi Hendrix. Continuó estudiando en la Real Academia de Música de Dinamarca, en la Berklee School de Boston y en la New School de Nueva York. Jakob, ex miembro de la Electric Bebop Band de Paul Motian y del Tomasz Stanko Quintet junto a sus proyectos como líder de la banda. Sus propios álbumes hasta la fecha han presentado una lista excepcional de músicos, incluidos Lee Konitz, Bill Frisell, Paul Motian, Kenny Wheeler, Paul Bley, Mark Turner y otros. “Once Around the Room”, es su maravilloso álbum creado junto al saxofonista Joe Lovano en un homenaje a Motian, cuya influencia se presenta en seis piezas. Para este proyecto realizado en Copenhague, Lovano y Bro convocaron un grupo poco convencional con tres bajistas (Thomas Morgan, Larry Grenadier y Anders Christensen) y dos bateristas (Joey Baron, Jorge Rossy).¡Gracias por leer “Roberto Barahona · Puro Jazz”! Para recibir nuevas publicaciones y acompañar este proyecto, te invito a suscribirte gratis.CHARLES LLOYD “OF COURSE, OF COURSE” - New York, March 8, 1965 - Of course, of course, The things we did last summer (rc,tw out), Apex (gs out), Goin’ to Memphis - Charles Lloyd (ts,fl) Gabor Szabo (g) Ron Carter (b) Tony Williams (d)El segundo álbum del saxofonista Charles Lloyd como líder Of Course, Of Course lo une al guitarrista Gabor Szabo; ambos tocaron en el quinteto de Chico Hamilton), el bajista Ron Carter y el baterista Tony Williams. Aunque Lloyd todavía era miembro del grupo de Cannonball Adderley, su ,amanera de tocar aquí muestra que estaba claramente listo para convertirse en líder. Siete de las nueve composiciones son suyas. SU version de “THE THINGS WE DID LAST SUMMER” es un dúo con Szabo. Aaunque que en Lloyd y muchos otros tenores había una clara influencia de Coltrane, ciertamente, la ráfaga de notas y la deconstrucción de acordes de Coltrane es evidente en partes, pero “APEX”, Lloyd en un trío sin el guitarrista; , es el inquebrantable sentido de la melodía y la rima es de de Ornette Coleman lo que se escucha. Sin embargo, tanto en tenor o flauta, Lloyd se estaba estableciendo rápidamente como una voz original, y este disco lo prueba.THE TED HEATH ORCHESTRA “THE HEATH 100TH LONDON PALLADIUM SUNDAY CONCERT” - London, February 14, 1954 - Birth of the blues, Fascinating rhythm, Viva Verrell, How high the moon - Bobby Pratt, Duncan Campbell, Stan Reynolds, Ronnie Hughes (tp) Wally Smith, Don Lusher, Jimmy Coombes, Ric Kennedy (tb) Roy Willox, Les Gilbert (as) Henry McKenzie (cl,ts) Danny Moss (ts) George Hunter (bar) Frank Horrox (p) Johnny Hawksworth (b) Ronnie Verrell (d) Lita Roza (vcl) Ted Heath (dir)Ted Heath fue uno de los líderes de bandas más famosos de Gran Bretaña de la década de 1950. Sus bandas tocaban música swing modernizada que siempre era bailable, pero que ocasionalmente tenían valiosos solos. Heath comenzó a tocar el tenor antes de cambiar al trombón cuando tenía 14 años. Tuvo largos períodos como acompañante con una variedad de las mejores bandas de baile, y comenzó a dirigir su propia gran banda en 1944 y, a través de apariciones regulares en la radio, giras y conciertos, pronto se convirtió en un nombre popular en Inglaterra. Incluso después de la muerte de Ted Heath en 1969, la banda continuó actuando y grabando hasta 1977. Ted Heath London Palladium Swing Sessions, marca la centésima Swing Session. El disco también puede considerarse como un homenaje a una de las instituciones musicales más famosas de Londres, The London Palladium, porque ahi se presentaron las Ted Heath Swing Sessions, sesiones que comenzaron como un experimento en 1945, poco después de la formación de la banda. Ocho años después, llegaron a su concierto numero 100. Todos los conciertos desde que comenzó la serie se agotaron.El disco The Heath 100th London Palladium Sunday Concert de 1954, lo compró en Montevideo el padre de nuestro auditor Sergio Labra cuando él era niño. Sergio adoraba el disco y lo tocaba frecuentemente, pero con el tiempo se extravió y hace años que no lo escucha. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

MARK TURNER “RETURN FROM THE STARS” - New York, November, 2019 - Return from the stars, Terminus - Jason Palmer (tp) Mark Turner (ts) Joe Martin (b) Jonathan Pinson (d)Las composicones de Mark Turner para su cuarteto en el disco Return from the Stars (título de la novela de ciencia ficción de Stanislav Lem) dan a los músicos mucho espacio para moverse, en un álbum a la vez estimulante y reflexivo en su expresión. Los solos fluyen orgánicamente fuera de los arreglos y, bajo la deslumbrante interacción del tenor de Turner y la trompeta de Jason Palmer, la sección rítmica de Joe Martin y Jonathan Pinson, bajo y batería, se desliza libremente. Aunque Turner ha sido una presencia frecuente en el sello ECM, Return from the Stars es su primer álbum de cuarteto desde Lathe of Heaven de 2014 y un documento esencial de su arte como músico y su pensamiento conceptual como líder de banda.¡Gracias por leer “Roberto Barahona · Puro Jazz”! Para recibir nuevas publicaciones y acompañar este proyecto, te invito a suscribirte gratis.TOMEKA REID “GEOMETRY OF TREES” - New Haven, CT, July 17, 2021 - Re : berth, Imaginary donuts, Through the shaft of nothings we drive onward - Taylor Ho Bynum (cnt) Joe Morris (g) Tomeka Reid (cello) Kyoko Kitamura (voice)La violonchelista Tomeka Reid ha forjado un camino sin limitaciones. Las citas con artistas legendarios como Roscoe Mitchell y Anthony Braxton las ha complementado con aclamadas sesiones bajo su liderazgo y colaboraciones con otros artistas. En su disco Geometry of Trees se le unen a Reid la vocalista Kyoko Kitamura, el cornetista Taylor Ho Bynum y el guitarrista Joe Morris. Es el tercer álbum del cuarteto que sigue siendo un colectivo donde prevalece un credo grupal de técnica no convencional e intercambio tenso de sonido. Cada miembro parece estar conectado en una red de interacción vanguardista que a veces conduce a una tensión notablemente controlada, como en el conciso “Re: berth”, donde los gestos repentinos estallan desde el espacio mientras gruñidos de la corneta responden a las oscilaciones de violonchelo arqueadas y a los susurros vocales.MICHAEL BISIO “ACCORTET” - Brooklyn, NY, February 16, 2014 AM - Henry’s theme, Giant chase - Kirk Knuffke (cnt) Art Bailey (accor) Michael Bisio (b) Michael Wimberly (d)Hay mucho que escuchar en “Accortet”: la calidad del sonido es excelente (es el trabajo de Jim Clouse de Park West Studio en Brooklyn, Nueva York), las composiciones son reflexivas y la musicalidad inmejorable. El cornetista Kurt Knuffke sigue impresionando en cada escenario en el que toca y la paleta musical de Art Bailey muestra cómo sigue ampliando el vocabulario del acordeón. Y la sección rítmica mantiene la música en movimiento mientras es melódica y añade tantos colores. La música del contrabajista y líder Michael Bisio continúa evolucionando mientras desafía y recompensa al oyente. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com