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RUSS LOSSING MOTIAN MUSIC - Hampton, NJ, c. 2018 - Abacus, Fiasco, Asia, Dance - Russ Lossing (p) Masa Kamaguchi (b) Billy Mintz (d)El pianista Russ Lossing mantuvo una estrecha relación musical con Paul Motian, uno de los bateristas y compositores más originales del jazz moderno. Durante años colaboraron en distintos proyectos, y Lossing llegó incluso a participar en la preparación de algunas de sus composiciones. Motian, falleció en 2011, dejó más de cien obras, muchas de ellas con melodías sencillas y atractivas, pero con estructuras rítmicas poco convencionales.En Motian Music, Lossing vuelve a visitar ese repertorio, acompañado por el contrabajista Masa Kamaguchi y el baterista Billy Mintz, sus compañeros de trío durante más de veinte años.El disco reúne diez composiciones de Motian, la grabación se realizó con todos tocando juntos en una misma sala, y cada pieza quedó registrada en una sola toma. Lossing no pretende reproducir las interpretaciones originales, sino acercarse a estas composiciones desde su propia experiencia. El resultado es un homenaje cálido y personal a un músico que dejó una profunda huella en el jazz contemporáneo.CHARLIE HADEN/CHET BAKER SILENCE - Rome, Italy, November 11 & 12, 1987 - Silence, Visa, My funny Valentine - Chet Baker (tp) Enrico Pieranunzi (p) Charlie Haden (b) Billy Higgins (d)En noviembre de 1987, cuatro grandes músicos se reunieron en Roma para grabar Silence: el contrabajista Charlie Haden, el trompetista Chet Baker, el pianista italiano Enrico Pieranunzi y el baterista Billy Higgins.La sesión tuvo lugar apenas seis meses antes de la muerte de Baker, y constituye uno de los últimos testimonios de su extraordinaria capacidad para expresar emociones a través de la trompeta.La composición que da título al álbum, escrita por Haden, es una melodía pausada y melancólica, particularmente apropiada para el sonido íntimo de Baker. Pieranunzi aporta un acompañamiento delicado, mientras Higgins, antiguo compañero de Haden en los grupos de Ornette Coleman, mantiene un ritmo discreto y elegante. CHICO HAMILTON SEXTET ELLINGTON SUITE - Los Angeles, January 9 & 12, 1959 - In a sentimental mood, Day dream, It don’t mean a thing - Buddy Collette (fl,as,ts) Paul Horn (fl,cl,as) Fred Katz (cello) Jim Hall (g) Carson Smith (b) Chico Hamilton (d)El baterista Chico Hamilton fue uno de los músicos más originales del jazz de la Costa Oeste durante la década de 1950. Después de trabajar con Lester Young, Gerry Mulligan y Lena Horne, formó su propio quinteto, cuya particularidad era incluir un violonchelo, instrumento poco habitual en los pequeños conjuntos de jazz de aquella época.En enero de 1959, Hamilton invitó a varios integrantes de sus primeras agrupaciones para grabar Ellington Suite, un disco dedicado a las composiciones de Duke Ellington y Billy Strayhorn. Participaron los saxofonistas y flautistas Buddy Collette y Paul Horn, el guitarrista Jim Hall, el violonchelista Fred Katz y el contrabajista Carson Smith. El violonchelo y la guitarra, junto con los instrumentos de viento, proporcionan al conjunto un sonido muy particular. Hamilton mantiene una base rítmica ligera, pero muy movida. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

HENRY “RED” ALLEN - New York, September 24, 1929 - Funny feathers blues (vs vcl), How do they do it that way ? (vs vcl) - Henry “Red” Allen (tp,vcl) J.C. Higginbotham (tb) Albert Nicholas (cl) Charlie Holmes (sop,cl,as) Teddy Hill (ts,cl) Luis Russell (p,celeste) Will Johnson (g,bj,vcl) Pops Foster (b) Paul Barbarin (d,vib) Victoria Spivey (vcl) - New York, February 18, 1930 - Sugar Hill function - Henry “Red” Allen (tp,vcl) Otis Johnson (tp-1) J.C. Higginbotham (tb) William Thornton Blue, Charlie Holmes (cl,as) Teddy Hill (cl,ts) Luis Russell (p,arr) Will Johnson (bj,g,vcl) Pops Foster (b) Paul Barbarin (d)Henry “Red” Allen nació en 1908 en Nueva Orleans. Su familia estaba estrechamente vinculada al jazz. Su padre dirigía una banda de bronces y fue precisamente en sus desfiles donde Red comenzó a tocar la trompeta. Más adelante trabajó en los barcos del río Mississippi y pasó brevemente por la orquesta de King Oliver.En 1929 se estableció en Nueva York, donde comenzó a grabar bajo su propio nombre. Durante los años siguientes fue solista destacado de las grandes bandas de Fletcher Henderson y Mills Blue Rhythm Band. También participó en grabaciones con Billie Holiday y Jelly Roll Morton.Allen tenía un estilo muy personal, se distinguía por un fraseo imprevisible, lleno de cambios de ritmo, silencios inesperados y una expresividad que lo alejaba de los esquemas habituales. También cantaba, con una voz áspera y un sentido del humor muy particular.Durante los años cuarenta dirigió pequeños conjuntos que combinaban el swing con elementos que anticipaban el rhythm and blues. Más adelante se concentró en el jazz tradicional, especialmente en el club Metropole de Nueva York, donde actuó durante más de una década.Aunque sus raíces estaban en Nueva Orleans, Red Allen nunca dejó de buscar nuevas maneras de interpretar aquella música.BUDDY TATE & HIS ORCHESTRA JUMPIN’ ON THE WEST COAST - Los Angeles, December 6, 1947 - Vine Street breakdown, The things you done for me baby (1) - Emmett Berry (tp) Ted Donnelly (tb) Charles Q. Price (as,vcl-1) Buddy Tate (ts) Bill Doggett (p) Louis Speiginer (g) Billy Hadnott (b) Chico Hamilton (d) Jimmy Witherspoon (vcl-2) Eddy Fullylove (vcl) - Los Angeles, December 28, 1947 - Kansas City local, Six foot two blues (2), Blue and sentimental (3) Benny Booker (b) replaces Billy HadnottEl saxofonista tenor Buddy Tate nació en Sherman, Texas, en 1915. Comenzó tocando el saxo alto a los once años, pero pronto se decidió por el tenor, instrumento con el que desarrollaría una larga carrera dentro del swing. Durante sus primeros años trabajó con distintas orquestas del sur de Estados Unidos, entre ellas la de Andy Kirk. En 1939 ingresó a la orquesta de Count Basie para ocupar el puesto que había dejado Herschel Evans, fallecido poco antes.Tate permaneció con Basie hasta 1948, compartiendo la sección de saxofones con músicos como Lester Young, Don Byas y Lucky Thompson. Su sonido era robusto, cálido y directo, muy representativo de la tradición de los saxofonistas de Texas. Tenía una manera de tocar especialmente rítmica, con frases sencillas y expresivas, siempre apoyadas en el blues.Después de dejar a Basie trabajó con Hot Lips Page y Jimmy Rushing, antes de formar su propio conjunto. Durante más de veinte años mantuvo una actuación regular en el Celebrity Club de Nueva York, una residencia poco común que le permitió desarrollar un estilo muy reconocible.LAWRENCE BROWN’S ALL STARS INSPIRED ABANDON - New York, March 8, 1965 - Mood indigo (1, Nance, Brown, Procope, Hodges, p,b,d only), Good Queen Bess, Jeep’s blues - Ray Nance (cnt) Cat Anderson (tp) Lawrence Brown, Buster Cooper (tb) Jimmy Hamilton (cl) Russell Procope (as,cl) Johnny Hodges (as) Paul Gonsalves, Harold Ashby (ts) Jimmy Jones (p) Richard Davis (b) Gus Johnson (d) Johnny Hodges, Jr. (d-1) replaces JohnsonLawrence Brown nació en Kansas en 1907 y creció en California. Antes de dedicarse al trombón estudió piano, violín y tuba. También cursó estudios de medicina, aunque finalmente optó por una carrera musical que lo llevaría a convertirse en uno de los grandes trombonistas del jazz.Después de trabajar con distintas orquestas de Los Ángeles, entre ellas la de Paul Howard, tuvo la oportunidad de grabar con Louis Armstrong. En 1932 se incorporó a la orquesta de Duke Ellington, donde permanecería durante casi dos décadas.Brown aportó un sonido muy diferente al de los otros trombonistas de Ellington. Mientras Tricky Sam Nanton utilizaba efectos de sordina y Juan Tizol se distinguía por su precisión, Brown prefería un sonido abierto, elegante y de gran fluidez. Su dominio técnico le permitía interpretar pasajes difíciles con aparente facilidad, pero sin perder nunca el sentido del swing.En 1951 dejó la orquesta para incorporarse al pequeño conjunto de Johnny Hodges. Después de algunos años como músico independiente, regresó con Ellington en 1960 y permaneció hasta 1970.A pesar de su larga trayectoria, grabó solamente dos álbumes como director: Slide Trombone e Inspired Abandon.JOE MARSALA - AND HIS CHICAGOANS - New York, April 21, 1937 - Wolverine blues, Jazz me blues, Clarinet marmalade - Marty Marsala (tp) Joe Marsala (cl) Ray “Remo” Biondi (vln) Joe Bushkin (p) Adele Girard (harp) Eddie Condon (g) Artie Shapiro (b) Danny Alvin (d) - CHICAGOANS - New York, March 16, 1938 - Mighty like the blues (lh vcl), Woo woo (jlm,band vcl), Hot string beans - Marty Marsala (tp) Joe Marsala (cl) Joe Bushkin (p) Jack LeMaire (g,vcl) Ray “Remo” Biondi (vln) Adele Girard (harp) Artie Shapiro (b) Buddy Rich (d) Lou Hurst (vcl)Nacido en Chicago en 1907, Joe Marsala fue un clarinetista, compositor y director de pequeños conjuntos, cuya carrera estuvo estrechamente vinculada al jazz tradicional y al swing.Su formación musical fue principalmente autodidacta. Durante los años veinte, con su hermano el trompetista Marty, frecuentaban los clubes del sur de Chicago, donde escuchaban a los músicos de Nueva Orleans que estaban dando forma al jazz. Esa experiencia fue fundamental en el desarrollo de su estilo.En 1933 se trasladó a Nueva York, contratado por el trompetista Wingy Manone. Tres años después comenzó la etapa más importante de su carrera, cuando asumió la dirección de un conjunto que actuaba en el Hickory House, un conocido local de la calle 52. Marsala permaneció allí durante una década.Aunque desarrolló su actividad en plena era de las grandes orquestas, prefería los grupos de seis o siete músicos, que ofrecían mayor libertad para la improvisación y permitían destacar la personalidad de cada instrumentista.La aparición del bebop durante los años cuarenta no despertó demasiado entusiasmo en Marsala, que se mantuvo fiel al jazz tradicional y al swing. Hacia 1949 comenzó a dedicar una parte importante de su actividad a la composición de canciones populares, alejándose progresivamente de los escenarios. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

DANNY D’IMPERIO BLUES FOR PHILLY JOE - Saylorsburg, PA, September 5 & 6, 1991 - Dee Dee’s dance, Blues for Philly Joe (1) - Greg Gisbert (tp) Gary Pribek (as) Ralph Lalama (ts) Hod O’Brien (p) Steve Brown (g-1) Dave Shapiro (b) Danny D’Imperio (d)El baterista Danny D’Imperio nació en 1945 en Sidney, Nueva York, en una familia de músicos. Comenzó tocando otros instrumentos, pero la influencia de Louie Bellson lo llevó a dedicarse a la batería. A lo largo de su carrera participó en importantes orquestas y desarrolló un especial interés por recuperar composiciones poco conocidas del bebop y el hard bop.En septiembre de 1991 grabó Blues for Philly Joe, su cuarto álbum como líder, acompañado por un septeto integrado por Greg Gisbert en trompeta, Gary Pribek en saxo alto, Ralph Lalama en tenor, Hod O’Brien en piano, Steve Brown en guitarra y Dave Shapiro en contrabajo.El disco es un tributo al gran baterista Philly Joe Jones, una de las figuras fundamentales del hard bop. El repertorio reúne composiciones que rara vez aparecen en las grabaciones habituales de este estilo. Como “Tribute to Brownie” y “Time Off”.LARRY GOLDINGS I WILL - Sam First in Los Angeles, CA., October 8, 2023 and April 11, 2024 - Roach, Mambo Inn - Larry Goldings (p) Karl McComas-Reichl (b) Christian Euman (dr)Larry Goldings es conocido principalmente como uno de los grandes organistas del jazz contemporáneo. Durante más de treinta años ha mantenido un trío con el guitarrista Peter Bernstein y el baterista Bill Stewart, una de las agrupaciones más reconocidas dentro de ese formato. Sin embargo, Goldings también es un excelente pianista, una faceta menos conocida de su carrera.En I Will lo encontramos precisamente en el piano, acompañado por Karl McComas-Reichl en contrabajo y Christian Euman en batería. El álbum fue grabado en vivo durante dos noches, en octubre de 2023 y abril de 2024, en el club Sam First aquí en Los Ángeles, ciudad donde Goldings reside desde 2001.Goldings demuestra una notable facilidad para moverse entre distintos estilos. Sus improvisaciones son imaginativas, con un fraseo claro y una estrecha comunicación con el contrabajo y la batería. I Will ofrece una excelente oportunidad para conocer otra dimensión de su talento musical.MANHATTAN JAZZ QUINTET MANTECA - LIVE “SWEET BASIL”, New York, January 24 & 25, 1992 - Stella by starlight, Manteca - Lew Soloff (tp) George Young (ts) David Matthews (p,arr) Eddie Gomez (b) Peter Erskine (d)El Manhattan Jazz Quintet se formó en Nueva York en 1983, por iniciativa de la revista japonesa Swing Journal y el sello King Records. Su propuesta consistía en reunir a destacados músicos estadounidenses para interpretar un repertorio de jazz moderno, con especial atención al bebop y al hard bop. Desde sus primeras grabaciones, el conjunto encontró una excelente acogida en Japón.En enero de 1992, el quinteto se presentó en el club Sweet Basil de Nueva York, donde grabó en vivo el álbum Manteca. La formación en esa ocasión incluyó a Lew Soloff en trompeta, George Young en saxo tenor, David Matthews en piano y arreglos, Eddie Gómez en contrabajo y Peter Erskine en batería. Los arreglos de Matthews aprovechan muy bien la combinación de trompeta y saxo tenor. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

URI CAINE SPHERE MUSIC - New York, April & May 1992 - When the word is given (1,3,4), We see (4) - Graham Haynes (cnt-1) Don Byron (cl-2) Gary Thomas (ts-3) Uri Caine (p) Kenny Davis (b) Anthony Cox (b-4) Ralph Peterson (d)El pianista Uri Caine inició su carrera acompañando a importantes figuras del jazz como Philly Joe Jones, Hank Mobley, Johnny Coles y Grover Washington. Paralelamente, estudió composición en la Universidad de Pensilvania con George Rochberg y George Crumb fueron dos de las figuras más influyentes de la música clásica contemporánea en Estados Unidos durante la segunda mitad del siglo, una formación que contribuyó a ampliar sus intereses musicales.En 1992 grabó Sphere Music, su primer disco como líder, dedicado en buena medida a la música Monk. Las utiliza como punto de partida para desarrollar sus propias ideas, combinando elementos del jazz moderno con influencias de la música clásica y de la tradición judía.Una de las piezas más interesantes es su interpretación de “’Round Midnight”, en la que participa el clarinetista Don Byron. Ambos ofrecen una lectura personal de esta conocida composición, conservando su carácter melódico, pero introduciendo cambios de armonía y ritmo.En contraste, “Jelly” presenta una faceta más experimental, con pasajes de gran intensidad y una mayor libertad en la improvisación.Sphere Music permite conocer los primeros pasos de un músico que posteriormente llamaría la atención por sus originales adaptaciones de obras de Gustav Mahler y otros compositores clásicos. AARON DIEHL THE VAGABOND - New York, February 4 & 6, 2019 - The vagabond, Kaleidoscope Road, March from ten pieces for piano, A story often told, seldom heard - Aaron Diehl (p) Paul Sikivie (b) Gregory Hutchinson (d)En The Vagabond, el pianista Aaron Diehl se presenta con un trío integrado por el contrabajista Paul Sikivie y el baterista Gregory Hutchinson. Diehl es un pianista cuyas melodías suelen tomar caminos inesperados, con pequeños cambios de dirección que mantienen el interés sin perder la naturalidad. El repertorio incluye música de John Lewis, Philip Glass y Sergei Prokofiev, interpretada con una libertad que permite apreciar las conexiones entre distintas tradiciones. En “Polaris”, la pieza que abre el álbum, los tres músicos desarrollan un juego rítmico de gran precisión. La composición que da título al disco, “The Vagabond”, ofrece otro ejemplo de su manera de combinar melodías delicadas con armonías más complejas.A lo largo del disco, Sikivie y Hutchinson acompañan con discreción en un trío equilibrado, elegante y lleno de pequeños detalles.JEROME SABBAGH STAND UP! - New York, November 7, 2024 - Lone Jack (for Ray Charles and Pete Rende), High falls (for Meaghan Glennon), Vanguard (for Paul Motian), Unbowed (for Kenny Barron) - Jerome Sabbagh (ts,comp) Ben Monder (g) Joe Martin (b) Nasheet Waits (d)El saxofonista francés Jerome Sabbagh lleva cerca de treinta años desarrollando su carrera en Nueva York, donde ha consolidado una voz propia dentro del jazz contemporáneo. Su álbum Stand Up! muestra a un músico que combina la tradición del jazz con una manera muy personal de escribir e interpretar sus composiciones que tienen una fuerte base melódica, con influencias del blues y, en algunos momentos, ciertos rasgos de la música country. Son piezas que dejan espacio para la improvisación, sin perder nunca de vista la melodía original.Sabbagh puede tocar con gran intensidad, pero también sabe mantener un tono cálido y contenido. Monder responde con una guitarra de sonido amplio, alternando entre su discreto acompañamiento o sólidas improvisaciones. Uno de sus principales colaboradores es el guitarrista Ben Monder, cuya participación resulta fundamental para el sonido del grupo. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com

THE PHOENIX TRIO TOMORROW IS TODAY - “Ornithology”, Brooklyn, NY, March 23 & 24, 2025 - 1946, Safe - Mark Turner (ts) Joe Martin (b) Marcus Gilmore (d)El saxofonista tenor Mark Turner, el contrabajista Joe Martin y el baterista Marcus Gilmore forman The Phoenix Trio. Turner y Martin se conocen desde los años noventa, cuando comenzaron a coincidir en la escena neoyorquina, y posteriormente trabajaron juntos en el grupo del guitarrista Kurt Rosenwinkel. Su álbum Tomorrow Is Today, de composiciones originales, fue grabado en vivo en Brooklyn en marzo de 2025. En varios temas, Martin establece una figura repetitiva en el contrabajo, sobre la cual Gilmore introduce sutiles variaciones rítmicas. Turner se incorpora con frases melódicas que se extienden y transforman, mientras el contrabajo abandona ocasionalmente su función de acompañamiento para desarrollar líneas independientes.La música tiene un carácter espontáneo, casi de conversación. Los músicos proponen ideas, las modifican y responden a lo que escuchan de sus compañeros. No hay necesidad de llenar todos los espacios: los silencios también forman parte del diálogo.MATT ULERY IN THE IVORY - Chicago, IL, December 2013 & January 2014 - There’s a reason and a thousand ways, Black squirrel - Timothy Munro (alto-fl) Michael J. Maccaferri (cl) Gregory Beyer (vib,mar,berimbau,maracas) Rob Clearfield (p) Yvonne Lam, Zach Brook (vln) Dominic Johnson (viola) Nicholas Photinos (cello) Matt Ulery (b) Jon Deitemyer (d,perc,cymb)El contrabajista y compositor Matt Ulery presenta en In the Ivory una obra ambiciosa que combina elementos del jazz, la música de cámara contemporánea y el minimalismo. Para realizarla, amplió su trío habitual con integrantes del conjunto Eighth Blackbird, instrumentos de viento, cuerdas y dos cantantes.Ulery tiene una marcada inclinación por las composiciones extensas y cuidadosamente elaboradas. Sus melodías evocan a menudo imágenes cinematográficas, con paisajes abiertos y escenas que parecen desarrollarse lentamente. El álbum contiene catorce piezas en las que los distintos instrumentos se incorporan progresivamente, modificando el carácter de la música.En “Gave Proof”, por ejemplo, pequeñas figuras melódicas se repiten con ligeras variaciones, mientras clarinetes, flautas y cuerdas van enriqueciendo el conjunto. La influencia del compositor Philip Glass aparece en algunos pasajes, aunque Ulery evita que la repetición domine sus composiciones.Las voces de Grazyna Auguscik y Sarah Marie Young aportan otra dimensión a esta música.MATTHIEU MAZUÉ MONOLITHS AND SCREENS FOR QUARTET - Bellmund, Switzerland fecha de grabación no disponible. Publicado en mayo de 2025. - Monolith: Twelve Stones (to Gather), à propos de la matière, Screens: Le regard dans le vide - Matthieu Mazué (p) Michaël Attias (sa) Xaver Rüegg (b) Michael Cina (dr)El pianista y compositor Matthieu Mazué presenta Monoliths and Screens for Quartet, -monolitos y pantallas para cuarteto- un proyecto que comenzó a tomar forma en 2022, cuando incorporó al saxofonista alto Michaël Attias a su trío con el contrabajista Xaver Rüegg y el baterista Michael Cina.El álbum incluye dos grupos de composiciones, Monoliths y Screens, que responden a distintas ideas del pianista. El primero nació de su interés por las grandes formaciones rocosas, que imaginó como una representación de su propio trabajo musical. Las piezas parten de materiales sencillos que se van modificando mediante la improvisación, hasta adquirir nuevas formas.Un ejemplo es “Monolith: Twelve Stones (to Gather)”, cuya melodía surgió espontáneamente durante una sesión al piano y fue desarrollada posteriormente. La segunda parte, Screens, toma como referencia las pantallas que forman parte de nuestra vida cotidiana. Mazué propone que estos objetos, además de mostrar imágenes, también pueden reflejar nuestra propia condición. La música combina pasajes escritos con amplios espacios de improvisación, permitiendo que cada integrante contribuya al desarrollo de las piezas. El resultado es un trabajo de jazz contemporáneo que combina la composición y la improvisación en un permanente intercambio de ideas. This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.com