Música y significado

Se le ha achacado a Bach escribir música sublime sobre textos demasiado ingenuos, o incluso demasiado sentimentales. El Evangelio de Mateo es un texto sobrio, pero los textos poéticos de Picander tienen rasgos de Pietismo: religiosidad "doméstica", misticismo muy emocional. Bach no era pietista, pero deseaba llegar a toda la gente, y prefirió esos textos que dieran a su Pasión un rasgo de cercanía con aquellas gentes de Leipzig en 1727. La Segunda Parte de esta Pasión tiene ocho escenas, de la 9 a la 16.  Escena 9: Jesús ante Caifás. Bach representa el silencio de Jesús, la paciencia por medio de un tema de viola de gamba, y la ofensa de las "lenguas injuriosas". Escena 10: Jesús es condenado. Bach retrata la crueldad de las turbas, sus burlas, el coral que se lamenta de aquellos golpes... Escena 11: La negación de Pedro. El momento en que el fiel Pedro, confuso, dice que no conoce a su Amigo y Maestro. Su alma "niña" canta aquella inolvidable aria, Erbarme dich. Escena 12: El suicidio de Judas. El aria del bajo clamando "Devolvedme a Jesús". Escena 13: Jesús ante Pilato. El "Coral de la Pasión". Pilato se entrega a Jesús. El descomunal grito de las turbas: "¡¡Barrabam!!". Y su frenesí diabólico con el motivo de la Cruz: "¡¡Sea crucificado!!". Expresionismo barroco. El aria casi incorpórea de la soprano con la flauta, que (según Daniel Vega) representa "el desamparo". Los latigazos y el "motivo de la flagelación" en recitativo y aria. Escena 14: Jesús es crucificado. La viola de gamba representa el paso tropezado y tembloroso de Jesús hacia el Calvario. Las burlas de las turbas contra el Crucificado. Escena 15: Muerte de Jesús. Las tinieblas en la hora novena. El grito de Jesús: "¡Elí, Elí, ¿lama sabactani?". Jesús entrega su espíritu. El "Coral de la Pasión" silencioso y misterioso. El terremoto. Las gentes al pie de la cruz: "Éste verdaderamente era el Hijo de Dios". Escena 16: El entierro de Jesús. El coro desea descanso al Hijo de Dios, y finalmente canta el sobrecogedor número final: "Nos postramos y decimos ¡Alcanza la paz!". Está en Do menor, y Daniel Vega nos recuerda que Do menor simboliza el sueño, porque Su muerte es un sueño del que despertará triunfante. El profesor Vega también nos desentraña cuándo Bach se introduce como personaje en la escena: es al pie de la Cruz, su voz es la del bajo que hace 14 notas, el número/firma de B-A-C-H (2+1+3+8 = 14): "Yo también testifico que Jesús es el Hijo de Dios".Escuchar audio

Bach transforma la música sobre Jesús de Nazaret, el Hijo de Dios. Antes de Bach, las representaciones musicales de Jesucristo eran más místicas, abstractas, filosóficas, e incluso encantadoramente etéreas, de un Dios intangible, o casi aristotélico. Pero Bach, en su Pasión según San Mateo, inicia una cercanía dramáticamente humana hacia Jesús. Bach es como un personaje más (muy apasionado) junto a su Maestro, y lo expresa de manera extrema: desde las turbulencias pre-románticas hasta la paz casi sobrehumana. Revisitamos la obra cumbre de Johann Sebastian Bach, y ampliamos nuestro análisis a lo largo de dos programas. Hoy damos la Primera Parte, es decir, las escenas 1-8. Empieza con un prólogo en que se agitan las "hijas de Sión" en estrépito de confusión, en aquella Jerusalén nocturna, y que contiene todas las premoniciones siniestras del relato. Después, la música narra toda aquella historia inolvidable: Jesús anuncia su muerte a los 12 apóstoles; los sacerdotes planean su captura; Judas se ofrece para entregar a Jesús; se reúnen esa noche para la Santa Cena, con la voz emotiva de Jesús; se describe el núcleo central de la Expiación de Jesucristo, casi como un Dios solitario en el Universo, en Getsemaní (el Jardín de los Olivos); llega Judas con los alguaciles y los sacerdotes, y capturan a Jesús. Bach, en 1727, utiliza el Evangelio de Mateo (según la traducción de Lutero) y encarga al poeta aficionado Picander que cree textos poéticos o reflexivos sobre cada escena. El relato de Mateo lo canta un tenor agudo, y los textos poéticos forman las arias, los coros añadidos, los dúos con que Bach compone este colosal oratorio. Al final de casi cada escena, Bach sitúa un coral tradicional, representando a la congregación, a los fieles, que actúan como comentario íntimamente afectado. Pero la música de Bach tiene la rara virtud de emitir belleza, la belleza como fuerza consoladora, como gran esperanza hacia dimensiones que es imposible verbalizar. Bach narra lo que para él es la mayor tragedia de la Humanidad con una grandeza que parece bendecir las vidas de los que escuchamos.Escuchar audio

Revisitamos una de las músicas más luminosas de Robert Schumann (con el refuerzo orquestal de Gustav Mahler). La Sinfonía "Primavera" la compuso en 1841, unos meses después de su matrimonio con Clara.  Él mismo escribió sobre esta Sinfonía: “Escribí la Sinfonía en esas acometidas de la primavera que transportan a un hombre [...] y lo renuevan cada año". Por eso es una música de renovación y de transformación: la fanfarria del comienzo ("una llamada al despertar") se transforma en el Tema A, un tema de jovialidad primaveral. También Schumann evoca un "tema-Clara" (La-Sol-Fa-Mi-Re), que ella había compuesto con 14 años en su Nocturno op. 6:2. Y también evoca sus famosas "papillons", las mariposas que simbolizan la transformación hacia la luz. Repasamos todo eso, queridas y queridos, con el segundo movimiento ensoñador; el tercero, un Scherzo que él tituló "Felices compañeros de juegos"; y el cuarto, en que parece que homenajea la Canzonetta de Mendelssohn (su amigo que dirigió el estreno), pero con un tema que ya había utilizado en su Kreisleriana, y que al parecer es una canción popular que decía "Tanto tiempo he estado lejos de ti". Es quizá un resumen de la lucha de aquellos jóvenes, Clara y Robert, por hacer triunfar su legendaria historia de amor. Clara misma anotó que Robert se basó en un poema de Böttger: "Oh, vuélvete, vuélvete y cambia tu camino; en el valle, la primavera ya florece". De nuevo la música de la transformación y la victoria luminosa de aquel amor indestructible. Acabamos con una bellísima obra contemporánea: la Sonata en Fa Mayor (2026) del joven pianista y compositor Daniel Villarroya, con una gran dosis de "transformación romántica" y de cierto lejano "esplendor primaveral" también. Felices primaveras mágicas y renovadoras, queridas y queridos,,,Escuchar audio

La música se hizo famosa en las películas Fantasía (1940, 2000) de Disney con el ratoncito Mickey luchando contra las escobas... pero Paul Dukas (1897) se basó en la balada de Goethe El aprendiz de brujo (1797), que no era un cuento infantil, sino una escena envuelta en un halo enigmático, cargado de secretos, con aquel joven imprudente, el aprendiz del hechicero, entregado a su soledad y al abismo de la tentación. Dukas parece que tiene un tema musical para la atmósfera mágica, otro para la escoba (primero inerte, después llena de actividad inexorable), otro para la vida, otro para la sensación de poder del aprendiz, y ráfagas sonoras para representar aquel abismo de agua que se desborda sin control racional. Repasamos otras músicas que dan vida a objetos o muñecos inanimados: El niño y los sortilegios (1925) de Ravel, Los cuentos de Hoffmann (1881) de Offenbach, Coppelia (1870) de Delibes, La novia de Frankenstein (1935) de Waxman, Petrouchka (1911) de Stravinsky, y Blade Runner (1982) de Vangelis. Y concluimos que el genio musical también da vida a seres inanimados y convierte temas sonoros en seres vivos. Por eso recordamos a Beethoven & Friends, y no a otros. Son creadores de vida, legatarios de aquel Creador que infunde su aliento en figuras de barro... Felices creatividades y felices seres animados, queridas y queridos...Escuchar audio

Beethoven se enfrenta a las Furias del Averno en el segundo movimiento (según Franz Liszt). Quizá es la mejor metáfora de su lucha por Josephine Brunsvik, "Pepi", a la que debe renunciar esos días debido a las leyes discriminatorias de Viena.Por eso los otros dos movimientos, como era su costumbre, son heroicos, luchadores, lumínicos. Beethoven quiere "agarrar al Destino por el cuello". Y parece que glorifica (como en la Quinta Sinfonía) el canto de un pájaro -esta vez un carpintero escapulario, según Sylvia Bowden- en el primer movimiento, siguiendo esa "estética de la sublimación". Y el tercer movimiento es un rondó a caballo victorioso junto con un himno sobre bajo de cornamusa pastoral.Beethoven el 22 de diciembre de 1808 estrenó su Quinta Sinfonía, su Sexta Sinfonía, y su Concierto para piano nº4, todo en la misma sesión. Parecen tres monumentos sobre una misma fuerza inusitada, creando aquel Romanticismo que sacudió las conciencias y la humanidad, hasta hoy mismo. Felices victorias sobre las Furias y los abismos, queridas y queridos,,,Escuchar audio

Nos elevamos sobre las vidas amorosas de algunos de nuestros genios irreemplazables: Machaut y Peronelle d'Armentieres, Johann Sebastian Bach y Anna Magdalena, Beethoven y "Pepi" Brunswik, Edvard Grieg y Nina Hagerup, Gustav Mahler y Alma... y acabamos con Paul Simon y... ¿Garfunkel?... ¡¡Nooo!!... Paul Simon y su Puente con Peggy Harper. Felices amores perdurables, queridas y queridos,,,Escuchar audio

En 1829 ¡¡con 19 años!! Chopin está creando el Gran Romanticismo europeo: ensoñaciones, amores ideales, violencia del alma, pasiones que se derraman, euforias sin freno... Su Concierto en Fa menor es una de las primeras revelaciones de este genio inaudito. Al parecer, gran parte de este concierto lo escribió soñando (y ensoñando) con su amiga del conservatorio Konstancja Gładkowska, la guapa estudiante de canto, con quien intercambió anillos...Examinamos sus tres movimientos, con figuras de dolor (el pianto, el basso lamento), figuras de incertidumbre (la antigua dubitatio), torrentes expresivos, el famoso tema de amor para Konstancja, y los sabores polacos (los aires de mazurka tipo "oberek" y tipo "kujawiak").Reflexionamos sobre los amores de Chopin: ¿que sentía por Konstancja? ¿y por Tytus, Jan o Julian Fontana? ¿qué pasa entonces con Maria Wodzinska y con Aurora Dudevant (George Sand)?... Quizá el secreto de Chopin no nace de sus amores, ni sus exilios, ni sus dolores, ni su revolución contra el Zar... Cuando él improvisaba, entraba -como Beethoven- en un "raptus", un trance más allá de este mundo o algo así, y de ahí extraía sus maravillas, sus arquetipos eternos, y por eso es tan preferido en todo el mundo, hasta hoy.Escuchar audio

Revisitamos hoy la Tercera Sinfonía "Renana" de Robert Schumann, escrita en noviembre de 1850 ¡en un mes y pico!, con la re-orquestación que hizo Gustav Mahler, uno de los más potentes orquestadores de la historia.Robert y Clara Schumann (y sus seis hijos) vivían una época espléndida cuando se trasladaron a Düsseldorf, a orillas del gran río Rhin, por el trabajazo que le habían dado a Robert: Director Musical de la ciudad. La Sinfonía Renana es muuuy luminosa y muy cercana, y recoge aires de canciones populares, o de bailes incluso (como el Ländler o vals campesino del segundo movimiento). Casi la puedes cantar de principio a fin. Pero todo esto, combinado con ese "don arquitectónico" que tenía Schumann. Uno de los momentos más subyugantes es el cuarto movimiento, que se sitúa en la impresionante Catedral de Colonia, que Robert y Clara habían visitado en septiembre. Era la catedral más alta del mundo en aquellos tiempos. Schumann dijo que no sólo el cuarto movimiento, sino que toda la Sinfonía se había inspirado en aquella catedral, quizá un poco por su magnificencia y sobre todo porque las gentes del Rhin iban a sus puertas a festejar, lo cual incluía bailar.El mejor Robert Schumann, queridas y queridos. Y el mejor Mahler: podéis ver cómo las trompetas, trompas, trombones... remarcan las ideas "ocultamente grandiosas" en Schumann, y cómo Mahler sitúa trompas "en la lejanía", o cómo pone de relieve los contrapuntos internos de Schumann. Mahler le añade unos grados de épica a su admirado Robert Schumann. Poderío y sano vitalismo tenemos hoy.Escuchar audio

Dumka es diminutivo de la palabra duma en ucraniano, y es una canción narrativa, como una balada, y a la vez un lamento, y en Polonia y en Bohemia se adoptó la dumka como algo muy genuino y muy expresivo. Dvorak era de Bohemia. Las dumkas de Dvorak tienen un tema principal como un lamento, o una elegía (como en algunas Danzas Eslavas), pero también exponen temas súper-felices, como danzas muy muy vivaces... Dvorak usa la dumka para mezclar el dolor con la belleza.El Quinteto para piano y cuerda nº2 es del verano de 1887: Dvorak, Anna y sus 5 hijos (luego vendría uno más), estaban en su casona de Vysoká, al sur de Praga, haciendo excursiones y música en familia. Por cierto, que sus hijas mayores y sus hijos lo adoraban. Eso nos cuenta Ottakar Dvorak, el hijo pequeño, que dejó escritos sus recuerdos. Pero aquellos veranos eran una gozada para la familia.En el primer movimiento, el Tema A viene con un rayo de felicidad sosegada (digamos), y el Tema B doloroso, elegíaco. Pero al final de la coda Dvorak nos revela que el Tema B sería el “tema sombra” de A. El segundo movimiento, Dumka, dura 14 minutos y tiene estructura de A-B-A-C-A-B-A: A es el tema melancólico, B es ligero alegre y después teñido de tristeza, C es vivace muy vigoroso y muy rítmico. Cuatro años antes, en 1883, Dvorak había escrito las Canciones de amor, para voz y piano. Y la canción número 7 se llama “El dulce poder de tus ojos”, y hace el mismo motivo musical principal que el Tema A. Dvorak tenía 46 años, y estaba muy unido a su esposa Anna, cantante y pianista, y tenían 5 hijos preciosos, 3 niñas y 2 niños. Habían perdido a otros tres, muy pequeños, diez años antes (y por eso compuso y revisó Dvorak su Stabat Mater en 1877, tras aquellas muertes que los golpearon tanto). El tercer movimiento es un Scherzo, y Dvorak lo titula Furiant, que es una danza bohemia muy desbordante y muy optimista.El cuarto movimiento continúa con ese optimismo imparable. El Tema A es una danza bohemia. El Tema B1, una canción como del bosque; y el Tema B2 una especie de canción bélica infantil o de juego.Inolvidable versión del Cuarteto Ebéne y el pianista Menahem Pressler, en vivo, desde París, el 20 de diciembre de 2020. Además, curiosamente, el pianista Menahem Pressler cumplía ¡¡90 años!! ese día... Increíble su vitalidad y su técnica, a la altura del maestro inolvidable Antonin Dvorak, el "genio con pinta de hojalatero" (según Hans Von Büllow).Escuchar audio

Repasamos la inolvidable Sinfonía de los Juguetes, al parecer de 1765, atribuida a Leopold Mozart, a los hermanos Haydn, y finalmente a Edmund Angerer, y abordamos un fenómeno que empezaba a asentarse en Occidente: el "descubrimiento de la infancia" (eso dijo Philippe Ariès en 1960).Es decir, la infancia como "universo encantado" en sí mismo, y no adultos en crecimiento. Es decir, nace la sensibilidad moderna hacia la dimensión infantil y la "grandeza" de lo infantil. Lo ilustramos con Czerny, Burgmüller, Mendelssohn, Schumann, Bizet, Fauré, Ravel y Béla Bartók. (Dejamos al gran Chaikovski para otro programa para él solo, claro.)Felices países infantiles y eternos, queridas y queridos, y felices nostalgias de infancias quizá memorables y renovadoras,,,Escuchar audio

Hacia 1780, Boccherini era músico de la corte itinerante de ese infante calavera que era Don Luis de Borbón, hermano del rey tieso y eficaz Carlos III. Boccherini se hace eco de la particular "movida madrileña" de aquellos años, y en su Música Nocturna de las Calles de Madrid, "pinta" de manera casi goyesca las campanadas del Ave María, el tambor de los soldados, el rosario (que quizá tiene un guiño a esa cantante quasi coplera que era La Rosario, "La Tirana" en aquellos tiempos), el pasacalle con sus manolos, y la retirada de las patrullas al toque de la banda de guerra, todo eso para quinteto de cuerda, aunque a veces se hace con grupo de cuerda más numeroso, con violines y violonchelos imitando la guitarra.Hay un Boccherini no tan simpatiquillo, que reproduce las erupciones del infierno desde el centro de la tierra y los espectros y las furias que emergen para atormentar a Don Juan. Esto lo "plagia" del Don Juan de Gluck, para su Sinfonía en Re menor, que también analizamos hoy.También hablamos de sus andanzas y su amor por Clementina, con quien se casará y quien morirá muy joven en Arenas de San Pedro. Acabamos con el Concierto para Violonchelo en Si bemol, con ese mundo de simetrías idealizadas y amabilidades indestructibles con que Luigi Boccherini caminó por Madrid, por Europa y por sus propias desdichas, como una disciplina triunfante, queridas y queridos,,,Escuchar audio

En julio de 1829 Félix Mendelssohn (cuando tenía 20 años) había ido a Escocia para conocer a Sir Walter Scott. Y allí en Edimburgo, en el Palacio de Holyrood, escuchó a un grupo de gaiteros. De ahí le vino la primera inspiración para empezar la Sinfonía Escocesa.Y después, en el crepúsculo, enfrente de ese castillo gris invadido por la hiedra, supo que allí había vivido la reina María Estuardo, y allí asesinaron a su secretario David Rizzio en 1566, el confidente italiano de la reina y además músico y buen cantante. Todo esto entra en la Sinfonía, incluido el segundo tema del primer movimiento, que es una canción italiana, tras una introducción brumosa.El segundo movimiento es la canción de los gaiteros, junto con un aire de "duendes de pasos ligeros". El tercer movimiento es sentimental y tiene un clímax desgarrador. El cuarto es Allegro Guerriero, y por eso dos temas parecen "cabalgar" hacia un combate físico o espiritual, mientras otro tema canta una elegía, en un desarrollo dramático exacerbado, con gritos de guerra. Todo parece apaciguarse al final, y suena el gran himno de gratitud “poético, un atardecer adecuado a una espléndida mañana”, según Mendelssohn mismo. Estamos ante el mejor Mendelssohn, queridas y queridos, que completó esta Sinfonía en 1842 (13 años después de su visita a Hollyrood). Felices allegros guerrieros y felices himnos de colosal gratitud,,,Escuchar audio

Hoy llegamos al anhelado y prometido final de la Segunda Sinfonía de Sibelius. El tercer movimiento, Vivacissimo, dice Schnéevoight que es un aplastamiento del espíritu patriótico.El temazo del cuarto movimiento, también se basa en tres notas seguidas que suben, y luego se manejan y se agigantan: es decir, las tres notas inocentes del país de los hobbits finlandeses se han convertido en un gran himno, emotivo, colectivo, universal, el tema de la gratitud, que casi podría haber firmado Chaikovski. Y el Tema B, según Aino la esposa de Sibelius, lo ideó en memoria de su hermana Elli Järnefelt, que se había suicidado. De todas formas, el "rumor de fondo" se parece mucho al famoso “monólogo del monje Pimen”, de Boris Godunov, de Mussorgski. Y por eso, desde casi aquel año de 1902, esta gran canción se tomó como el himno heroico contra la tiranía rusa. Al final se impone el tema del espectro de la muerte del segundo movimiento, pero ahora desfigurado y transfigurado como triunfo sobre la muerte.El gran vanguardista partidario del sonido absoluto que fue Stravinsky, cuando un periodista le telefoneó para que dijese algo sobre la muerte de Sibelius, en 1953, le colgó el teléfono. Sencillamente lo detestaba. Sibelius lo sabía de su condición no modernista, y escribió en su Diario: “No todos pueden ser ‘un genio innovador’. Como una celebridad y una aparición entre los bosques, tendrás tu pequeño y modesto lugar”. Así se consagra en nuestra memoria el gran Sibelius, queridas y queridos,,,Escuchar audio

Feliz post-Halloween, Día de Todos los Santos, queridas y queridos... Posponemos la conclusión de la Segunda Sinfonía de Sibelius, porque hoy se impone::: ¡¡el Dies Irae!!Partimos de algunas pelis (Metropolis, Star Wars, Pesadilla antes de Navidad), para repasar la presencia de este canto gregoriano desde el siglo XIII hasta nuestros días. El Dies Irae es como un ente que se va reencarnando a través de las épocas, y adquiere diferentes personalidades, desde lo místico/mistérico, pasando por lo terrible, hasta lo triunfal: música de Engarandus Juvenis, Brumel, Lully, Haydn, Berlioz, Chopin, Liszt, Brahms, Rachmaninov... y más pelis como Ciudadano Kane (Bernard Herrmann) y Orgullo, prejuicio y zombies (Fernando Velázquez). Pero cuando esta canción se transfigura hasta una luminosidad épica es en la Tercera Sinfonía de Saint-Saëns (que además aparece en Babe, el cerdito valiente). Felices metamorfosis de las almas, queridas y queridos,,,Escuchar audio

La compuso en 1901-1902, después de una tragedia personal: la muerte de su hijita Kirsti, antes de cumplir los 3 años. Sibelius y su esposa Aino se fueron a Italia con sus otras dos hijas, y allí, entre visiones y epifanías, él escribió una de sus músicas más populares y más personales, que Sibelius definió como "una confesión del alma".El primer movimiento es un retrato de la felicidad de la Finlandia idealizada, por entre las brumas. Y el segundo es "un combate entre la muerte y la salvación", con una especie de canto gregoriano siniestro y un tema de suave luminosidad, en modo lidio. La próxima semana llegará aquel gran "momento Chaikovski" del Finale, queridas y queridosEscuchar audio

Rachmaninov había llegado a escribir en 1939, un año antes las Danzas Sinfónicas: “Me siento como un fantasma vagando en un mundo que se le ha vuelto extraño. No puedo desterrar el antiguo modo de escribir, y no soy capaz de adquirir el nuevo”.Vamos a escuchar hoy las tres Danzas Sinfónicas. Él llego a titularlas “Mediodía”, “Crepúsculo” y “Medianoche”, y con eso estaba aludiendo a su propia vida como crepúsculo y medianoche también, como despedida de ese mundo que decía que se le había vuelto extraño, sin saber que él iba a morir en 1943. Aquí encontramos encantadores temas medio rusos medio "Hollywood dorado", instrumentación casi stravinskyana, y energía casi sobrenatural, un vals que parece de La novia cadáver o algo así de Tim Burton, aparte de citas de su propia Primera Sinfonía, sus Vísperas opus 37, y el amenazante-grotesco-centelleante Dies Irae. Rachmaninov alude a su infancia en Ivanovka, la Revolución Bolchevique que le arrebató su memoria familiar, sus fracasos... y derrota a sus monstruos con ese "Aleluya" que escribe a lápiz en su partitura, al final del todo, con sus cantos ortodoxos convertidos en marciales...Acabamos soñando el presente con una preciosa obra de Andrea Casarrubios, Herencia, para orquesta de cuerda. Ofrecemos un fragmento. Andrea Casarrubios la escribió pensando en sus intérpretes, y dice: “Cada individuo lleva tras de sí una historia única de complejidad insondable; una epopeya que plasman en cada momento de su interpretación. También imaginé cómo esta colección de historias se fusionaría algún día con la intención compartida de iluminar su mundo —el suyo— con música.” Sonidos fascinantes, queridas y queridos...Escuchar audio

Completamos la "Pastoral" de Brahms, y volvemos a asomarnos con él desde sus ventanales al Lago Wörth, en la preciosa Pörtschach (Carintia) durante aquel verano/otoño de 1877, con un Brahms sin barbas, de 44 años.Pero asomarnos al lago en el segundo movimiento nos trae vistas crepusculares, con dos temas introspectivos, que parecen optimismo contenido, y además lo completa un fugato tormentoso en el Desarrollo. Así que es un movimiento de "sonrisa triste".El tercer movimiento es un scherzo-rondó, de estructura A-B-A-B-A. Las secciones A presentan una especie de vals lejano, abstraído, y las secciones B son para una danza enérgica. Este movimiento gustó tanto el día del estreno en Viena que tuvieron que repetirlo.Y llegamos al gran Finale: el cuarto movimiento en forma sonata, con un Tema A sotto voce y después eufórico. ¡¡Atención a esas secuencias de cuartas!! El Tema B será cálido, amistoso, pero sin azúcar añadido. En el Desarrollo se agitan las cuartas famosas, y llegan a una zona "durmiente", que hace esperar un amanecer o algo así, semejante a las cuartas del principio de la Titán de Mahler. Inolvidable este final pletórico.Y acabamos con música contemporánea: el disco Kaleidoscope de Isabel Dobarro (hoy ponemos obras de Dobrinka Tabakova y Suad Bushnaq, armonizando oriente con occidente), y un temazo de Paloma Cosano: Outlander para Big Band, de "Paloma y otros pájaros" (que por cierto tocan hoy en Madrid...), aquí conjugando lo andaluz con lo jazz y lo Hollywood. Luces variopintas para sonreír al otoño, queridas y queridos,,,Escuchar audio

¡¡Feliz 15ª Temporada, queridas y queridos!!Recuperamos la Segunda Sinfonía de Brahms, que analizaremos completa en dos programas. Hoy damos el primer movimiento, con sus misteriosas "rupturas" y "neblinas" que parecen breves penumbras en una sinfonía de carácter muy pastoral, con vistas a aquel lago Wörth tan idílico, en Pörtsachs, por Carintia en el verano-otoño de 1877, con un Brahms de 44 años, ya muy famoso.¿Por qué mete Brahms la Canción de Cuna, que había dedicado a Hans, el bebé de Bertha Faber, 10 años antes? Brahms estuvo enamorado de ella cuando era veinteañero en Hamburgo. Pero ¿qué pinta la nana ahora?Quizá la solución es la otra cita que da al final del primer movimiento, de su canción "El amor es tan hermoso en primavera", sobre un poemita "desencantado" de Heine.En fin, misterios del magno Johannes Brahms y esos mundos íntimos que re-creaba en sus sinfonías.Acabamos con la maravillosa pianista Isabel Dobarro y su disco Kaleidoscope, que está nominado a los Latin Grammies. Escuchamos a dos compositoras: Carolyn Morris y Karen Tanaka, con esos fluidos oceánicos fascinadores.La próxima semana acabamos las Segunda de Brahms. Felices nuevos comienzos, queridas y queridos,,,Escuchar audio

Queridos-as::: ha sido un inmenso placer construir esta súper-temporada con vuestra amabilidad, vuestro ánimo positivo y vuestro aliento siempre.Hacemos el tradicional resumen del final de "curso" (la Temporada XIV) con los programas más descargados y likeados:10) "Puentes mágicos": escuchamos el "Bridge over troubled water" en versión coral9) "Chopin y María Wodzinska": Estudio en Fa mayor8) Ravel: Pavana para una infanta difunta, inspirada en las "princesitas" de los cuadros de Velázquez7) Mahler: Tercera Sinfonía. Seleccionamos el quinto movimiento, "Cantaron tres ángeles", de religiosidad ingenuista y encantadora, y los escuchamos con la traducción susurrada6) Brahms: Sonata para violín y piano nº3. Escuchamos el precioso Adagio en que Brahms sueña que pasea con Clara...5) Mozart: Sinfonía "Haffner". Comentamos la semejanza del Finale con el aria de Osmín de El rapto del serrallo, y escuchamos ese enérgico Finale con las indicaciones4) "Mujeres compositoras del Romanticismo". Seleccionamos el Finale de la Sinfonía en Fa sostenido menor de Dora Pecjacevic, retrato de un mundo que se desmorona tras la Gran Guerra: un prodigio de sinfonía y de autora3) Vivaldi: Invierno. Escuchamos el tercer movimiento con las indicaciones "programáticas" que él mismo dio sobre los andares cautelosos, los resbalones, el hielo que se resquebraja, los vientos...2) Beethoven: Sonata "Claro de luna". Revivimos quién inventó esta evocación y escuchamos el primer movimiento con la estructura comentada1) Rachmaninov: Concierto nº2. Uno de los hitos de la cultura europea, y el más bello retrato de una victoria sobre los abismos del alma, victoria súper-luminosa y súper-poderosaNos despedimos (otra vez) con el final de El ocaso de los dioses de Wagner -otro de los programas más celebrados-. Felices crepúsculos de tiempos fatigados y felices amaneceres de los días prometedores. Hasta la próxima temporada en Música y Significado, queridas y queridos,,,Escuchar audio

Cerramos el ciclo de El anillo del nibelungo con la cuarta ópera, El crepúsculo de los dioses (1876), que culmina la obra musical/teatral quizá más grandiosa de la historia.Brunilda y Sigfrido están enamorados y llenos de promesas épicas, pero las Nornas en el Prólogo ya profetizan el fin del tiempo de los dioses, en su atmósfera oscura: el Walhalla está entenebrecido por la melancolía de Wotan, y una pira a su alrededor amenaza aquel Olimpo nórdico.Pero Sigfrido, dotado de una ingenuidad indestructible, no lo sabe, y sale al mundo para ganar la experiencia que necesita para completar su misión y estar a la altura de su amada walkiria Brunilda. Es el famoso "Amanecer de Sigfrido", y el "Viaje de Sigfrido por el Rhin".Y a partir de ahí comienzan tres actos de una trama arquetípica: el oscuro reino de Gibich, gobernado por Gunther pero dominado por el envidioso existencial Hagen que pretende apoderarse del Anillo mágico; el siniestro plan de casar a Gunther con Brunilda; la llegada de Sigfrido; la pócima del olvido que lo convierte en un ser valiente sin pasado: su matrimonio amañado con Gutrune (hermana de Gunther); la desesperación de Brunilda, que es obligada a casarse con Gunther; la desolación convertida en malevolencia; la conspiración de Hagen con Brunilda abatida para acabar con Sigfrido; y, finalmente, la cacería en que Sigfrido recupera la memoria, la traición, el asesinato... Y una de las despedidas más hermosas de la historia: la "Marcha Fúnebre de Sigfrido" y "La inmolación de Brunilda"...Veremos el majestuoso Walhalla ser pasto de las llamas, con todas sus vanidades, y el amor eterno triunfar sobre las olas del Rhin, el río primordial. Mostramos cada leitmotiv importante: Brunilda mujer, los temas de Sigfrido, el destino de los welsungos, la Espada Nothung, el río primordial, las hijas del Rhin, el fuego mágico, el Walhalla, el Anillo, la redención por amor... Felices fuegos purificadores, queridas y queridos, y felices redenciones por amor,,,Escuchar audio