La Madriguera del Rock

Bienvenidos a la Madriguera del Rock donde este cuenta su historia, el refugio perfecto para hablar de sonidos de guitarra legendarios, discos olvidados, músicos y bandas que hicieron temblar los amplificadores del mundo. En esta madriguera les damos la garantía de que acá nunca va a haber Regguetón. Los saluda su amigo el topo, Orlando Muñoz, desde San José Costa Rica, y hoy traemos una reseña de uno de los álbumes mas representativos del movimiento hair metal galm ochentoso, de manera que preparen sus sentidos para un viaje a través de 10 temas que nos llevarán de vuelta atrás en el tiempo. Cinderella fue una banda estadounidense formada en 1982 en Filadelfia, Pensilvania, por el vocalista y guitarrista Tom Keifer y el bajista Eric Brittingham. Su alineación clásica se completó con el guitarrista Jeff LaBar, fallecido en 2021 y el baterista Fred Coury, creando un sonido característico que fusionaba melodías fuertes de guitarra, baladas con sentimiento y influencias de blues, inspirado en grupos como AC/DC y Aerosmith. Descubiertos por Jon Bon Jovi en un bar local, firmaron con el sello Mercury Records y debutaron con su placa "Night Songs" en junio de 1986, un álbum que vendió tres millones de copias en EE.UU. y les abrió las puertas al éxito con hits como "Shake Me" y "Nobody's Fool". Su discografía incluye trabajos como "Long Cold Winter" de 1988, el cual contiene el icónico tema "Don't Know What You Got (Till It's Gone)", el cual alcanzó el top 10 en la lista de Billboard; también su placa "Heartbreak Station" de 1990, más orientada hacia el blues-rock; y finalmente su álbum "Still Climbing" de 1994, su último trabajo de estudio antes de una pausa. La banda vendió más de 15 millones de álbumes globalmente y realizó giras con pesos pesados como Bon Jovi, David Lee Roth, Ratt, Tesla y Winger, destacando en la escena hair metal de los 80. Sin embargo, problemas vocales de Keifer llevaron a su disolución en 1995, con reuniones intermitentes hasta 2014. Cinderella dejó un legado como exponentes del rock melódico y accesible, con letras sobre amor, pérdida y la vida en la carretera. Aunque no alcanzaron la fama de otras bandas como Mötley Crüe, su música perdura en playlists de rock clásico. En este 2025, Tom Keifer continúa en solitario, manteniendo vivo el espíritu de la banda. La crítica recibió a "Night Songs" con opiniones mayoritariamente positivas, destacando su energía cruda y su rol como puente entre el hard rock y el glam metal de los 80, aunque no exento de algunas limitaciones. Sitios como Sputnikmusic lo describen como un debut impactante que deja al oyente deseando más, con una gran primer impresión y un sonido que fusiona ganchos pegajosos con potentes guitarras. También se elogian sus composiciones como pegajosas pero a la vez poderosas, con solos explosivos y una producción que captura la esencia del hair metal, superando en su sonido a otras bandas de la ṕoca como Poison en la ejecución musical. Otras opiniones en lo llaman un clásico fantástico y subestimado, aunque también se critica la sobreexposición radial de hits como "Nobody's Fool". En general, se considera un imprescindible para colecciones de rock, con su influencia de la música blues y su vibra energética que resiste el tiempo, contribuyendo al éxito comercial de triple platino y al legado de la banda en la escena ochentera. En la grabación de Night Songs, Cinderella contó con la participación de su alineación principal, aunque no todos los miembros tocaron en el disco. Tom Keifer asumió el papel central como vocalista, guitarrista y pianista, además de ser el principal compositor. Jeff LaBar aportó su guitarra y coros, mientras que Eric Brittingham se encargó del bajo y las voces de acompañamiento. Fred Coury, aunque figura como baterista oficial, no participó en las sesiones de grabación, ya que se unió al grupo poco después de finalizado el proceso. En su lugar, Jody Cortéz fue el encargado de la batería en todos los temas. El álbum también incluyó a varios músicos adicionales que aportaron matices al sonido: Barry Benedetta tocó la guitarra líder en “Back Home Again”, “Nothin’ for Nothin’” y “Push, Push”, mientras que Jeff Paris añadió teclados. En los coros participaron Tony Mills y Bill Mattson, y como invitado especial destacó Jon Bon Jovi, quien prestó su voz en “Nothin’ for Nothin’” y tambien en el tema “In from the Outside”. Esta combinación de talento consolidó el característico sonido del debut de Cinderella, mezclando la energía del hard rock con una producción pulida que anticipaba su rápido ascenso en la escena del glam metal de los ochenta. El álbum Night Songs fue lanzado el 9 de junio de 1986 y representó el explosivo debut de la banda dentro del movimiento glam metal, logrando con éste un éxito comercial notable. La placa alcanzó el puesto #3 en el Billboard 200 de Estados Unidos y fue certificado triple platino, con más de tres millones de copias vendidas solo en ese país. En Canadá también obtuvo certificación de platino y llegó al puesto #15 en las listas. Aunque en el Reino Unido y Europa su impacto fue más moderado, el álbum consolidó a Cinderella como una de las nuevas fuerzas del hard rock estadounidense. Entre sus sencillos destacados, Nobody’s Fool alcanzó el puesto #13 en el Billboard Hot 100 y el #25 en la lista Mainstream Rock, mientras que Somebody Save Me llegó al #66 del Hot 100. La presencia de la banda en ese momento en el canal MTV y su estética visual contribuyeron a su gran popularidad en la era dorada del video rock. El álbum se grabó con el sello Mercury Records en EE.U.U. y fue el resultado de una apuesta de la discográfica tras la presentación del demo de la banda, motivada en parte por la recomendación del mismo Jon Bon Jovi. El productor elegido fue Andy Johns, conocido por su trabajo con bandas de rock importantes como Led Zeppelin, the Rolling Stones y Van Halen, y la grabación tuvo lugar en múltiples estudios como Bearsville en Nueva York, Kajem y Warehouse en Pensilvania y The Sound Factory en la ciudad de Los Ángeles. La producción se enfocó en lograr un sonido potente pero accesible para el mercado masivo del hard rock/glam-metal de mediados de los 80, mientras que el contrato con Mercury había implantado la necesidad de entregar un álbum de impacto que aprovechara la atención que la banda estaba recibiendo mediante videos en MTV y giras de apoyo a algunas bandas ya consolidadas. Esto llevó a una grabación relativamente rápida pero con altos estándares técnicos y a una promoción agresiva para situar a Cinderella en el mapa del rock comercial de la época. La gira promocional de Night Songs arrancó poco después del lanzamiento del disco, con la banda abriendo conciertos para bandas como Loudness en Japón y actos de glam metal estadounidenses, lo cual les permitió ganar exposición en grandes escenarios; durante 1987 se unieron como banda soporte de David Lee Roth y luego para Bon Jovi en la etapa de su tour Slippery When Wet, durante siete meses, de modo que tocaron en arenas masivas y festivales internacionales, incluyendo Japón, Escandinavia y los festivales Monster of Rock en Reino Unido y Alemania. Gracias a esta gira intensa, Cinderella multiplicó su presencia mediática, apareció frecuentemente en MTV, alcanzó nuevos públicos y fomentó así la certificación triple platino de Night Songs. El álbum Night Songs ha tenido varios relanzamientos a lo largo de los años, destacando por su relevancia en el hard rock de los ochenta. En 2012, se editó una versión japonesa en formato SHM-CD que incluyó como pista extra una versión en vivo de “In From the Outside”, reflejando el interés constante del público nipón por el grupo. Posteriormente, en 2021, el sello francés Bad Reputation Records lanzó una edición especial en formato digipak de dos discos bajo el título Night Songs + Live in Japan (1990). Esta versión incluye el álbum original remasterizado junto a grabaciones en directo del concierto en el Tokyo Dome del 31 de diciembre de 1990, ofreciendo a los coleccionistas y seguidores una mirada más completa al sonido y la energía de Cinderella en su mejor momento. El álbum Night Songs ha sido ampliamente reconocido a lo largo de las décadas como una de las obras más representativas en la escena glam metal de los años ochenta, logrando consolidar su estatus de clásico dentro del género. En 2003, el sitio Metal Rules lo ubicó en el segundo lugar de su lista de los “Top 50 Glam Metal Albums”, destacando su energía cruda y el poder vocal de Tom Keifer. Tres años después, la misma publicación lo incluyó en su ranking de “Top 10 One Album Heavy Metal Wonders”, en la octava posición, reflejando la percepción de que el disco marcó un punto culminante en la carrera inicial de la banda. En 2008, Guitar World lo posicionó en el octavo lugar de los “Top 20 Hair Metal Albums of the Eighties”, subrayando la influencia de sus guitarras y la calidad de su producción. Más adelante, en 2011, L.A. Weekly lo colocó en el puesto 11 entre los “Top 20 Hair Metal Albums of All Time”, reafirmando su impacto duradero dentro del estilo. En 2016, Loudwire lo situó en el séptimo puesto de los “Top 30 Hair Metal Albums”, mientras que en 2019 la revista Rolling Stone lo incluyó en su prestigioso listado de los “50 Greatest Hair Metal Albums of All Time”, en el lugar 18, reconociendo su mezcla de actitud callejera, melodías intensas y estética glam que definió una era del rock. Acá en cada episodio de La Madriguera del Rock hacemos regularmente una inmersión en los laberinto sonoros del género, donde la oscuridad y la luz chocan al ritmo de guitarras y las voces, las cuales desafían el silencio. Este es un viaje sin reglas, un descenso al corazón salvaje del rock, donde las historias que marcaron generaciones siguen resonando en las profundidades, y cada acorde encierra una verdad que aún se atreve a desafiarlo todo. Agradezco sinceramente su compañía, y le pido que si le ha gustado este episodi

Bienvenidos a la Madriguera del Rock donde el rock cuenta su historia, el refugio perfecto para hablar de riffs legendarios, discos olvidados y anécdotas que hicieron temblar los amplificadores del mundo.y con la garantía de que acá nunca va a haber Regguetón. Los saluda su amigo el topo, Orlando Muñoz, y hoy traemos una compilación especial para la noche más creepy del año, preparen sus sentidos para un viaje a través de 14 temas que celebran lo macabro, lo sobrenatural y la diversión aterradora del 31 de octubre. Desde pesados sonidos de distorsiones que evocan sombras y brujas hasta letras que relatan historias de miedo y misterio, exploraremos cómo el rock el punk y el metal han capturado la esencia de esta festividad. Bienvenidos a un recorrido donde la música y Halloween se encuentran en su máxima expresión. Acá en cada episodio de La Madriguera del Rock hacemos regularmente una inmersión en los laberinto sonoros del género, donde la oscuridad y la luz chocan al ritmo de guitarras y las voces, las cuales desafían el silencio. Este es un viaje sin reglas, un descenso al corazón salvaje del rock, donde las historias que marcaron generaciones siguen resonando en las profundidades, y cada acorde encierra una verdad que aún se atreve a desafiarlo todo. Agradezco sinceramente su compañía, y le pido que si le ha gustado este episodio nos regale un me gusta, que nos ayude a romper los algoritmos y llevar a mas criaturas del rock este programa, igualmente lo invito a visitarnos en nuestra página de Facebook, La Madriguera del Rock, donde a diario compartimos noticias y curiosidades de la música rock en todos sus géneros. Tracklist 1. King Diamond - Halloween 2. Rob Zombie - Dragula 3. Ministry - (Every Day Is) Halloween 4. Ghost - Hunter’s Moon 5. Muse - You Make Me Feel Like It’s Halloween 6. Ozzy Osbourne - Bark at the Moon 7. Misfits - Night of the Living Dead 8. Type O Negative - Black No. 1 (Little Miss Scare‑All) 9. Dead Kennedys - Halloween 10. Bride - All Hallow’s Eve 11. Green Lung - Maxine (Witch Queen) 12. Acid Witch - The Black Witch 13. Danzig - Her Black Wings 14. Helloween - Halloween

Hoy traemos nuevamente a una de las bandas indiscutiblemente más importantes de la historia del Rock, Led Zeppelin, banda británica compuesta por Jimmy Page en la guitarra, Robert Plant en la voz, John Paul Jones en el bajo y teclados y John Bonham en la batería. La banda revolucionó por completo el mundo del rock, estableciendo un nuevo estándar con su explosiva fusión de hard rock, blues, folk y misticismo. Led Zeppelin no solo creó un sonido poderoso, sino un universo musical monumental, ue traspasaba los límites de la época. Con giras que se transformaron en leyenda, conciertos que se recuerdan como experiencias casi míticas y más de 200 millones de discos vendidos en todo el mundo, Zeppelin forjó un legado que sigue influyendo y definiendo la esencia del rock moderno. Led Zeppelin II, lllegó apenas meses después del debut de la banda, consolidando su presencia en la escena del rock internacional. El álbum se gestó en un período de intensa actividad: giras maratonianas por Reino Unido, Europa y Estados Unidos, donde la banda absorbía influencias de diversos estilos musicales, desde el blues y el folk hasta el hard rock emergente. Este ritmo de conciertos y viajes contribuyó a un sonido más agresivo y directo en comparación con su álbum debut, reflejando la energía cruda del grupo y la química consolidada entre sus miembros. La placa combina ritmos contundentes, riffs memorables y letras cargadas de misterio y sensualidad, mostrando un equilibrio entre potencia y melodía que definiría la identidad de Led Zeppelin. Muchos de sus temas establecieron un estándar para el hard rock, mientras que otros exploraban texturas más experimentales y narrativas épicas. La influencia del blues clásico es evidente, pero reinterpretada con un enfoque más audaz y contemporáneo, creando un sonido único que capturaba la atención de críticos y fans por igual. La sesiones de grabación de Led Zeppelin II se llevaron a cabo en los estudios Olympic y Morgan en Londres, Inglaterra, A&M, Quantum, Sunset y Mystic en Los Ángeles, California, Ardent Studios en Memphis, Tennessee, A&R Juggy Sound, Groove y Mayfair en Nueva York y en el estudio ubicado en Vancouver, Columbia Británica. La producción fue acreditada en su totalidad a Jimmy Page, quien utilizó junto al productor e ingeniero musical Jimy Kramer algunas técnicas que se habían utilizado previamente con los discos de Jimi Hendrix. Según el mismo Kramer, su trabajo con Page logró un excelente sonido, pese a las condiciones en las que se grabó el álbum, señalando que habían hecho ese álbum por fragmentos, cortando algunas pistas en los estudios más extraños que se pudieran imaginar. Una vez que se tuvieron todas las pistas Page y Kramer pasaron dos días mezclando el álbum en los estudios de A&R, es decir en el estudio Charlie Chaplin en Hollywood, California. Led Zeppelin II, lanzado el 22 de octubre de 1969, fue un éxito comercial inmediato. En Estados Unidos, el álbum alcanzó el puesto número 1 en la lista Billboard 200, donde permaneció durante siete semanas consecutivas. En el Reino Unido, también llegó al número 1 y se mantuvo en las listas durante 138 semanas. Este éxito se reflejó en las ventas: en 1999 se certificó el álbum con 12 veces platino por más de 12 millones de copias vendidas solo en EE. UU. A nivel mundial ha vendido aproximadamente 22 millones de copias, siendo uno de los discos más vendidos de la banda. Además de su éxito en EE. UU. y el Reino Unido, el álbum también alcanzó el número 1 en las listas de Canadá, Australia y España. La portada de esta placa es tan icónica como la música que contiene. Diseñada por David Juniper. Su diseño fue un collage nominado al Grammy que sustituyó las cabezas de los pilotos en una foto de un escuadrón aéreo alemán de la Primera Guerra Mundial por imágenes de los miembros de la banda y otras figuras destacadas como la actriz británica Glynis Johns y el cantante de blues norteamericano Blind Willie Johnson. Tracklist 1- Whole Lotta Love 2- What Is and What Should Never Be 3- The Lemon Song 4- Thank You 5- Heartbreaker 6- Living Loving Maid (She's Just a Woman) 7 - Ramble On 8- Moby Dick 9- Bring It on Home

Hoy vamos a revisar un álbum que hizo historia, Phoenix, de la mítica banda de hard rock Grand Funk Railroad, una placa que está cumpliendo 53 años. Grand Funk Railroad, formada en 1969 en Flint, Michigan, es una de las bandas más icónicas del hard rock estadounidense de los años setenta. Integrada por Mark Farner (voz, guitarra y teclado), Mel Schacher (bajo) y Don Brewer (batería). La banda se destacó por un sonido directo, potente y lleno de energía, con riffs sólidos, percusiones contundentes y una actitud rockera inconfundible. A pesar de la crítica inicial que los consideraba “comerciales”, conquistaron a millones de fanáticos y se consolidaron por sus espectaculares presentaciones en vivo, dejando un legado influyente para generaciones posteriores de músicos de hard rock y heavy metal. Lanzado el 12 de octubre de 1972, Phoenix marcó un punto de evolución en su carrera, combinando la fuerza del hard rock con elementos progresivos y experimentales. E Phoenix representó un hito en la carrera de Grand Funk Railroad al ser el primer álbum producido íntegramente por la banda, tras su ruptura con el controvertido manager y productor Terry Knight. Las tensiones acumuladas y las diferencias creativas motivaron a Farner, Schacher y Brewer a asumir el control total de su música y dirección artística, marcando una etapa de mayor autonomía y libertad creativa. La grabación se llevó a cabo en el Sound Shop Studio de Nashville, Tennessee, en 1972, con la banda supervisando cada detalle. Esta independencia permitió experimentar con nuevas influencias, enriqueciendo su estilo de hard rock con elementos progresivos y psicodélicos, diversificando su paleta sonora sin perder la energía característica de su música. Phoenix introdujo al tecladista Craig Frost como miembro oficial de la banda, aportando una capa adicional de complejidad y textura sonora. Además, se contó con la participación del violinista eléctrico Doug Kershaw, quien contribuyó con su estilo único a la atmósfera del álbum. El resultado de este enfoque autogestionado fue un álbum que, aunque no alcanzó el mismo nivel de éxito comercial que sus predecesores, recibió elogios por su audacia y evolución musical. Phoenix alcanzó el puesto número 7 en el Billboard 200 en Estados Unidos, consolidando a Grand Funk Railroad como una de las bandas de hard rock más importantes de la época. El sencillo principal, “Rock & Roll Soul”, llegó al puesto 29 en el Billboard Hot 100 en 1972. En Europa, el álbum también tuvo buena recepción, alcanzando el número 20 en Noruega y el 25 en Alemania. Además, fue certificado disco de oro por la RIAA el 12 de octubre de 1972, por más de 500,000 copias vendidas en Estados Unidos. La crítica especializada tuvo una recepción mixta hacia Phoenix. Algunos críticos elogiaron la evolución musical de la banda, destacando su capacidad para incorporar elementos más complejos y sofisticados en su sonido. En general, Phoenix fue visto como un intento de Grand Funk Railroad por evolucionar y diversificar su sonido, alejándose de su estilo más directo y crudo hacia una propuesta más melódica y experimental. Aunque no todos los críticos consideraron que el álbum alcanzó su máximo potencial, su desempeño comercial y la apreciación de ciertos aspectos musicales indican que fue un paso significativo en la carrera de la banda. Tracklist 01 - Flight of the Phoenix 02 - Trying to Get Away 03 - Someone 04 - She Got to Move Me 05 - Rain Keeps Fallin’ 06 - I Just Gotta Know 07 - So You Won’t Have to Die 08 - Freedom Is for Children 09 - Gotta Find Me a Better Day 10 - Rock 'n Roll Soul

Hoy traemos a una de las bandas indiscutiblemente más importantes de la historia del Rock, la banda británica Led Zeppelin, formada en Londres en 1968. Compuesta por Jimmy Page en la guitarra, Robert Plant en la voz, John Paul Jones en el bajo y teclados y John Bonham en la batería, la banda redefinió el género con una mezcla explosiva de hard rock, blues, folk y misticismo. Led Zeppelin creó un sonido monumental: riffs pesados, voces desgarradoras y arreglos innovadores. Su habilidad para fusionar la crudeza del blues con experimentos acústicos y épicos narrativos, los convirtió en íconos. Con giras legendarias y más de 200 millones de discos vendidos, su legado perdura en el rock moderno. Pese a su disolución en 1980 tras la muerte de Bonham, hoy Led Zeppelin sigue siendo sinónimo de grandeza uno de los que fijo están sentados en el Olimpo del Rock. Led Zeppelin III presenta un sonido equilibrado entre la furia de la guitarra eléctrica y la delicadeza acústica. Temas como "Immigrant Song", de alguna forma define el hard rock de los 70. Al lanzamiento, la recepción fue mixta: la crítica en su momento catalogó al álbum como inconsistente, confundidos por el cambio de estilo. Las ventas iniciales fueron sólidas, alcanzando el No. 1 en el Reino Unido y US, con certificaciones multiplatino, pero no igualaron el éxito inmediato de sus predecesores. Retrospectivamente, esta placa hoy es aclamada como un hito: sitios especializados en la crítica musical como Pitchfork lo ve como un espacio físico e intelectual, mientras que la plataforma Sputnikmusic resalta la sensación que transmiten los temas que generan una impresión de estar flotando en un paisaje sonoro etéreo, con texturas que sugieren calma, nostalgia o un viaje interior, similar a un sueño lúcido, y además sus letras profundas. Algunos críticos en su momento, señalaron negativamente el material acústico por imitar la música de Crosby, Stills, Nash & Young, a lo que Page reacciono señalando que el grupo había presentado ese estilo en sus álbumes anteriores. El mismo Page también ha señalado que las críticas negativas tras este tercer álbum, lo afectaron tanto que no concedió entrevistas de prensa durante 18 meses después de su lanzamiento, y agregó que las críticas fueron una de las razones por las que el siguiente álbum no contenía información escrita. en absoluto. Más tarde llegó a creer que los periodistas tenían poco tiempo para escuchar el material y simplemente buscaban que la banda repitiera el éxito conseguido por sus primeros trabajos, sin salirse del molde, en lugar de apreciar el material por sus propios méritos. Esta placa se grabó en tres lugares. Gran parte del trabajo se realizó en Headley Grange, un antiguo hospicio construido en el año 1795, situado en la localidad de East Hampshirey que durante los años 70. La banda también utilizó el Rolling Stones Mobile Studio, una unidad móvil que se remonta a 1968, originalmente este estudio contenía un máximo de 20 micrófonos y grababa en un formato de 8 pistas. Además se realizaron sesiones adicionales en Island Studios y Olympic Studios en Londres. Al igual que en el álbum anterior, la banda evitó el uso de músicos invitados, con toda la música interpretada por los miembros de la banda. Hacia 1970, Led Zeppelin ya había logrado un gran éxito comercial en el Reino Unido y Estados Unidos con sus dos primeros discos. Fue cuando luego de la gura de su segunda producción, decidieron tomarse un descanso. Gracias a esto Robert Plant sugirió a Page refugiarse en Bron-Yr-Aur, una cabaña rural del siglo XVIII en Gales. Este lugar aislado, aislado de la civilización y las comodidades de la modernidad como agua potable o electricidad, inspiró un leve giro musical en la banda, concediendo prioridad a los arreglos acústicos que se aprecian en esta placa. La edición original en vinilo de Led Zeppelin III se lanzó con una funda desplegable que destacaba por su innovador diseño, creado por Richard Drew, conocido como Zacron, un artista que Page había conocido en 1963 mientras estudiaba en el Kingston College de las artes. El diseño de la portada y su interior desplegable presentaban una colección surrealista de imágenes aparentemente desordenadas sobre un fondo blanco, muchas relacionadas con la aviación o el vuelo, evocando una sensación de movimiento y libertad. Este disco mostraba más imágenes, incluyendo fotos de los miembros de la banda, visibles a través de recortes en la cubierta. Al girar el disco, las imágenes cambiaban, creando un efecto dinámico donde una figura principal se alineaba con otras secundarias en los orificios. Led Zeppelin III fue uno de los álbumes más esperados del año, los pedidos anticipados solo en Estados Unidos se acercaron al millón de unidades. La funda con diseño retrasó la producción y provocó un retraso de dos meses. Previo al lanzamiento, el grupo publicó un anuncio a página completa en la revista Melody Maker a finales de septiembre, que simplemente decía: "Gracias por convertirnos en la banda número uno del mundo". Finalmente el álbum se lanzó en Estados Unidos el lunes 5 de octubre de 1970 y en el Reino Unido el viernes 23 de octubre. Inmediatamente encabezó las listas británicas. En el Reino Unido, alcanzó el número 1 el 7 de noviembre de 1970 y permaneció en la lista durante 40 semanas. En Estados Unidos, entró en la lista en el número 3 el 24 de octubre y alcanzó el número 1 la semana siguiente. Permaneció en la lista durante 19 semanas y obtuvo la certificación de Oro el 8 de octubre de 1970. Tracklist 01 - Immigrant Song 02 - Friends 03 – Celebration Day 04 - Since I've Been Loving You 05 - Out on the Tiles 06 - Gallows Pole 07 - Tangerine 08 - That's the Way 09 - Bron-Y-Aur Stomp 10 - Hats Off to (Roy) Harper

Bienvenidos a la Madriguera del Rock donde el rock cuenta su historia y con la garantía de que acá nunca va a haber Regguetón. Iron Maiden es uno de los pilares indiscutibles del heavy metal, una banda que desde su formación en la ciudad de Londres en 1975 ha creado un universo sonoro y visual único. Bajo el liderazgo de Steve Harris y con la poderosa voz de Bruce Dickinson, lograron fusionar velocidad, melodía y narrativas épicas que inspiraron a incontables grupos posteriores. Sus conciertos masivos, su inagotable energía en escena y la icónica presencia de Eddie —la mascota que protagoniza cada portada— los convirtieron en una leyenda viva. Durante los años ochenta alcanzaron la cima creativa con discos como “The Number of the Beast” y “Powerslave”, consolidando un estilo característico. En 1986, tras la extensa y agotadora gira del World Slavery Tour, Maiden sorprendió al mundo con si sexto trabajo de estudio “Somewhere in Time”. Este álbum incorporó por primera vez guitarras sintetizadas, lo que aportó un aire futurista a su propuesta. Inspirado en la ciencia ficción y con una portada cargada de referencias, representó un giro audaz dentro de su carrera. Aunque en su momento dividió a la crítica, con los años se ha convertido en un clásico imprescindible. “Somewhere in Time” demostró que el heavy metal podía evolucionar sin perder su esencia, consolidando a Maiden como visionarios del género. “Somewhere in Time” es el sexto álbum de estudio de Iron Maiden, y fue lanzado un día como hoy 29 de septiembre pero del año 1986, es decir hace hoy 39 años. Esta placa se produjo en los estudios Compass Point en Bahamas y los estudios Wisseloord en Países Bajos, bajo la producción de Martin Birch. Somewhere in Time ha sido certificado como disco de platino en los Estados Unidos por vender más de 1 millón de copias. En Reino Unido también alcanzó certificación de Oro tras vender más de 100.000 copias. La portada fue diseñada por Derek Riggs, y está impregnada de estética de ciencia ficción, lo que junto al sonido futurista del disco hizo que se convirtiera no solo en un éxito comercial, sino en una pieza clave en la evolución musical de Iron Maiden. Maiden decidió dar un paso audaz hacia nuevos horizontes musicales con “Somewhere in Time”, incorporando de manera extensiva el uso de “guitarras sintetizadas”, un recurso innovador para la banda y para el heavy metal de la época. Aunque algunos de sus seguidores se mostraron sorprendidos por esta novedad sonora, la mayoría continuó fiel al espíritu de la banda, valorando su capacidad para reinventarse sin perder su esencia. Estos cambios que no fueron únicos si no más bien una tendencia de la segunda mitad de los ochenta, aportaron un “aire fresco y futurista” al mismo tiempo que les permitieron explorar atmósferas más progresivas y épicas, diferenciándose claramente de muchas bandas del glam y heavy metal de los 80 que simplemente seguían las tendencias de moda. El resultado es un que hoy, el Somewhere es un disco que, con el tiempo, se ha consolidado como “una obra maestra de la era dorada de Iron Maiden”, tanto por su calidad musical como por su concepto visual y lírico. Somewhere in Time marcó un punto de inflexión en la carrera de Iron Maiden. Aunque al principio algunos fanáticos mostraron reservas debido a los cambios en el sonido tradicional, Somewhere in Time ha sido elogiado por su complejidad y profundidad. La crítica especializada destacó la madurez musical de la banda y la capacidad de Maiden para reinventarse sin perder su esencia. Con el paso de los años, el álbum ha ganado reconocimiento y es considerado uno de los favoritos entre los seguidores del grupo. Track List 01 - Caught Somewhere In Time 02- Wasted Years 03 - Sea of Madness 04 - Heaven Can Wait 05- The Loneliness of the Long Distance Runner 06 - Stranger In A Strange Land 07 - Déjà Vu 08 - Alexander the Great

Hoy, en este regreso y luego de una prolongada pausa, estamos de nuevo por acá con la promesa de que en el futuro cercano vamos a tener biografías de bandas icónicas, así como revisiones de discos y también regresando al pasado para revisar algunas listas de éxitos. Hoy como pudieron sentir, viajamos hasta el corazón de Sevilla para revivir los orígenes de Triana, la banda que, sin proponérselo, fueron los referentes que crearon todo un género musical. Hoy vamos a desempolvar una biografía que escribí hace años, actualizada con datos frescos hasta 2025, para contar cómo Jesús de la Rosa, Eduardo Rodríguez y Tele Palacios cambiaron la música española para siempre. Triana sin lugar a dudas representa un pilar fundamental en la escena rock española, al forjar el rock andaluz como un género único que fusionó el flamenco profundo con el rock progresivo y psicodélico, y a la vez capturando el espíritu contracultural de una España en busca de identidad. Su innovación radicó en la capacidad de transformar el "duende" sevillano en himnos poéticos y sonoros que trascendieron barreras regionales, influyendo en generaciones de músicos que exploran la hibridación de tradiciones folclóricas con vanguardia rockera. Bandas y artistas contemporáneos, desde el indie flamenco hasta el rock alternativo, citan su esencia como inspiración para romper moldes y reivindicar raíces culturales en un panorama globalizado. El legado de Triana perdura en homenajes cinematográficos, teatrales y colectivos que celebran su rol como símbolo de libertad creativa, demostrando que su música no solo definió un movimiento, sino que sigue iluminando la diversidad del rock ibérico con un eco eterno de resistencia y pasión. Setlist: 1. En el Lago 2. Sería maravilloso ( Tabaca ) 3. Recuerdos de una Noche 4. Abre la Puerta 5. Luminosa Mañana 6. Sé de un Lugar 7. Rumor 8. ¡Ya está bien! 9. Hijos del Agobio 10. Hasta Volver 11. Tiempo sin saber 12. Tu Frialdad 13. Caudaloso río 14. Una noche de amor desesperada 15. Desnuda la mañana 16. De una nana siendo niño 17. Aires de mi Canción 18. Rock De La Calle Feria 19. Ser Feliz

Hoy en La Madriguera del Rock vamos a hacer un viaje a través de una compilación tributo de la que es sin lugar a duda la banda mas importantes de la historia del rock, la banda británica The Beatles. En esta ocasión se trata del homenaje de tipo metalero a The Beatles. Este proyecto reunió a varios músicos, aclarando que no todos son metaleros, pero que si se dedicaron a metalizar 12 temas del Cuarteto de Liverpool. A pesar de la variedad de figuras del metal que participan en Butchering the Beatles, esta placa no tiene particularmente un sonido pesado, de hecho algunas interpretaciones no son muy creativas, pero se dejan oir, haciendo que el disco no sea enteramente aburrido, algunas de las canciones resultan tener un sonido lo suficientemente sólido que en su momento fue una motivante para adquirir una copia física del disco. Butchering The Beatles, A Headbashing Tribute es el nombre de esta compilación, y presenta una formación de estrellas para honrar a The Beatles. En total, más de 50 artistas discográficos de renombre internacional aportan su singular toque rompehuesos a estas extraordinarias canciones. Producida por el productor y guitarrista ganador del premio Grammy 2004, el fallecido Bob Kulick quien murió en octubre de 2020 debido a causas naturales por una falla cardíaca congénita y el ingeniero de sonido estadounidense Brett Chassen. Butchering The Beatles presenta 12 temas de algunos éxitos de The Beatles. Cuando la revista Guitar Player le preguntó qué lo poseyó para volverse completamente metalero con The Beatles, Bob Kulick dijo: "Las canciones de The Beatles son el Santo Grial. Son las mejores canciones de rock jamás escritas. Estas nuevas grabaciones son totalmente fieles, pero completamente diferentes". Butchering The Beatles - A Headbashing Tribute, se publicó hacia finales de 2006, todas ese mismo año en 8 ediciones diferentes, 6 por el sello Enigma a través de su subsidiaria Restless Records en EUA, Japón y en UK, algunas verisiones solo como promo CD, una por el sello Rykodisc que lo distribuyó a nivel global y otra por el sello ruso G. & P. Essential Music en una versión no oficial. Lista de Temas 1. Hey Bulldog Con la voz de Alice Cooper, Steve Vai en la guitarra, Duff McKagan (ex Guns’n’Roses, Velvet Revolver) en el bajo, Mikkey Dee (Motörhead, King Diamond) en la batería. 2. Back in the USSR Con la voz y el bajo de Lemmy Kilmister (Motörhead), John 5 (Rob Zombie, ex David Lee Roth) en la guitarra y Eric Singer (Kiss, Alice Cooper y Avantasia) en la batería. 3. Lucy In the Sky With Diamonds Con la voz de Geoff Tate (Queensryche), Michael Wilton (Queensryche) y Craig Goldy (Dio) en las guitarras, Rudy Sarzo (Ozzy Osbourne, Quiet Riot, Dio) en el bajo, Simon Wright (Dio) en la batería y Scott Warren (Dio) en el teclado. 4. Tomorrow Never Knows Con la voz de Billy Idol, Steve Stevens (Billy Idol) en la guitarra, Bosko en el bajo y Brian Tich (Billy Idol) y en la batería. 5. Magical Mystery Tour Con la voz de Jeff Scott Soto (Yngwie Malmsteen), Yngwie Malmsteen en la guitarra lider, Bob Kulick en la guitarra rítmica, Jeff Pilson (Dokken) en el bajo y Frankie Banali (W.A.S.P., Quiet Riot) en la batería. 6. Revolution Con la voz y la guitarra de Billy Gibbons (ZZ Top), el guitarrista Vivian Campbell (Def Leppard, Dio), Mike Porcaro (TOTO) en el bajo y Gregg Bisonnette (David Lee Roth, Ringo Starr Band) y Joseph Fazzio (Superjoint Ritual) en las percusiones. 7. Day Tripper Con las voces de Jack Blades (Night Ranger, Damn Yankees) y Tommy Shaw (Styx, Damn Yankees), Doug Aldrich (Withesnake, Dio) en la guitarra, Marco Mendoza (Withesnake, Thin Lizzy) en el bajo y Virgil Donati (Steve Vai, Soul Sirkus, Planet X) en la batería. 8. I Feel Fine Con la voz de John Bush (ANTHRAX), Stephen Carpenter (Deftones) en la guitarra, Mike Inez (Ozzy Osbourne, Alice in Chains) en el bajo y John Tempesta (The Cult, Testament) en la batería. 9. Taxman Con la voz de Doug Pinnick (King’s X), Steve Lukather (Toto) en la guitarra, Tony Levin (John Lennon, Peter Gabriel) en el bajo y Steve Ferrone (Eric Clapton, Tom Petty) en la batería. 10. I Saw Her Standing There Con la voz de John Corabi (ex-Mötley Cüe), Phil Campbell (Motörhead) y C.C. Deville (Poison) en las guitarras, Chris Chaney (Jane’s Addiction) en el bajo y Kenny Aronoff (Smashing Pumpkins, Bon Jovi) en la batería. 11. Hey Jude Con la voz de The Ripper Owens (Judas Priest, Iced Earth, Yngwie Malmsteen), George Lynch (Dokken, Lynch Mob) y Bob Kulick (Meat Loaf, Paul Stanley Band) en las guitarras, Tim Bogert (Vanilla Fudge, Beck) en el bajo y Chris Slade (AC/DC) en la batería. 12. Drive My Car Con la voz de Kip Winger (Winger), Bruce Kulick (KISS) en la guitarra, Tony Franklin (The Firm, Whitesnake) en el bajo y Aynsley Dunbar (Whitesnake, Journey) en la batería.

Hoy en La Madriguera del Rock y desde el fondo de la madriguera vamos a hacer un viaje a través de la historia de una de las bandas mas importantes de la historia del rock argentino, la banda Invisible. La banda Invisible de Argentina tuvo una gran importancia en la música de ese país durante los años 70. Fueron pioneros en la exploración de nuevos sonidos y estilos musicales, fusionando el rock con elementos del jazz, la música clásica y la música folklórica argentina. Hoy viajaremos a través de corta historia de la banda repasando su discografía y algunos de sus temas más importantes. "Invisible" se formó hacia noviembre de 1973 en Buenos Aires, Argentina. Luego de Pescado Rabioso, Luis Alberto Spinetta fundó esta banda junto con Héctor "Pomo" Lorenzo en la batería y Carlos Alberto "Machi" Rufino en bajo y voces. Ambos músicos integraban al momento de ser convocados por Spinetta, el trío Pappo's Blues, que era liderado por el legendario Pappo Napollitano. De hecho, la influencia musical y personal de Pappo sobre Spinetta en aquellos momentos es muy importante. La propuesta de Spinetta era conformar una experiencia colectiva, en la que sobresaliera ninguna individualidad, razón por la que todos los temas eran firmados en forma conjunta, al igual que el contrato discográfico y no había notas ni entrevistas periodísticas personales, que siempre eran concedidas como trío. Spinetta deseaba crear un sonido que se diferenciara del rock de ese momento, caracterizado por la distorsión overdrive, por lo que el sonido de Invisible se caracterizó por la ausencia de la distorsión, combinando las letras inspiradas por Spinetta con la poderosa energía de la base que aportaban Pomo y Machi. 01 - La llave del Mandala 02 - Elementales leches 03 - Jugo de Lúcuma 04 - Suspensión 05 - Durazno Sangrando (con Invisible - Bandas Eternas) 06 - Azafata del tren fantasma 07 - Pleamar de Águilas 08 - El Diluvio y la Pasajera 09 - Viejos ratones del tiempo 10 - Lo que nos ocupa es esa abuela, la conciencia que regula el mundo 11 - Oso del sueño 12 - Perdonado (Niño Condenado) - Bandas eternas 13 - El anillo del capitán Beto 14 - Los libros de la Buena Memoria 15 - Que ves el Cielo 16 - Amor de Primavera 17 - En una Lejana Playa del Animus

Hoy desde el fondo de la madriguera vamos a hacer un viaje a través de la historia de uno de los guitarristas más interesantes en la historia de la música, hoy 30 de abril y con motivo de la celebración del día internacional del Jazz, revisaremos la biografía de Michael Hedges, es así que el viaje de hoy tiene una nota mas tranquila, y a pesar de que no se trata de música rock, si no que mas bine algo más relacionado a su primo hermano, el Jazz, estoy seguro que cualquier buen rockero disfrutará esta nota que traigo para hoy. Fue más o menos a los 15 años que empecé a tocar la guitarra, en forma completamente autodidacta e influido por algunas viejas piezas del cancionero que publicaba algún periódico nacional allá por el año 86. Una de las razones era llevarle la serenata de sus 15 años a una compañera del Colegio, la cual dudo que incluso recuerde que le llevamos esa serenata, también recuerdo haber recibido instrucciones para hacer dos o tres acordes por parte de mi papá, quien a pesar de que lo he visto pocas veces en mi vida con una guitarra y definitivamente no es rockero, le agradezco la vena musical, por otro lado mi tío paterno es un muy buen guitarrista en guitarra española y una prima Sofía es toda una Rockstar. Por el lado de mi mamá hay sin discusión otra parte que me alimentó el espíritu de músico, de hecho mi hermano es músico y mi primo era músico. Así fue que sin más maestro que el radio y mis discos y cassetes empecé a sacar de oído aquellas melodías que me llegaban más, estando a los pocos años en mi repertorio Queen, Def Leppard, Led Zeppelin, Pink Floyd, Dire Straits, entre lo que solía acompañar. No recuerdo concretamente cuando o porqué, pero me parece que un viejo amigo de la familia quien entre sus múltiples facetas, además de rockero, era ingeniero de sonido, fue quien llevó en algún momento algún CD de algún artista que era un completo desconocido pero que merecía la pena escucharse, creo que ese fue mi primer contacto con Michael Hedges me parece que a través de mi primo quien era el que tenía la responsabilidad de guardar los CD o los extraños cassetes de níquel - metal que casi siempre el viejo amigo Max dejaba en casa de mi Abuela. Así que de esta manera cuando la internet no pensaba siquiera asomarse al mundo ya conocía a este virtuoso de la guitarra, que junto a Yngwie Malmsteen, Steve Vai, Vitto Bratta y Joe Satriani, figuran entre mis ídolos de culto. Tracklist 01- Aerial Boundaries 02 - Come Together 03 - Silent Anticipations 04 - Bouree 05 - Preludio para Cello en sol mayor 06 - Ragamuffin 07 - All Along the Watchtower 08 - The Streamlined Man 09 - A Love Bizarre 10 - Because It's There 11 - The Jealous Tunnel – About Face 12 - I Carry Your Heart 13 - Pinball Wizard 14 - Gimme Shelter 15 - Road To Return 16 - You Can Have Anything You Want 17 - Jitterboogie 18 - Ignition 19 - Fusion of the Five Elements 20 - Torched

Hoy en la Madriguera del Rock vamos a hacer un viaje en el tiempo, casi 52 años atrás, hoy y propósito de la semana mayor, traigo un álbum muy importante en la historia de la música rock en español. La Biblia, es sin lugar a dudas uno de los trabajos musicales más interesantes de la historia del rock en español. “La Biblia nos superó como hombres y como artistas”, manifestó Ricardo Soulé, guitarrista de la banda Vox Dei, años después. Esta placa, se trata del primer disco conceptual hecho en Argentina, y es el segundo álbum de estudio del cuarteto argentino Vox Dei, que fue lanzado el 15 de marzo del año 1971 por el sello Disc Jockey. Este trabajo fue producido por el productor Jorge Álvarez, muy influyente durante los años 60 y 70 en Argentina. En el año 2007, la revista Rolling Stone ubicó a este álbum en el puesto 14 en su lista de los 100 mejores álbumes del rock argentino de todos los tiempos. La placa fue presentado con cuatro shows en el Teatro Presidente Alvear de la República Argentina, y una gira por las ciudades más importantes del mismo país y ha sido interpretado en numerosas ocasiones por otros artistas, destacándose dos versiones dirigidas por Billy Bond, una en Argentina y otra Brasil, ambas en el año 1974. Hoy en esta capítulo especial he decidido armar una versión especial de la Bilblia, que incluye temas que no fueron incluidos dentro del disco original de 1971, pero que la banda solía interpretar en vivo. De manera que esta especie de collage de esta ópera Rock, se armó con temas de mi colección personal, algunas grabadas directamente de la versión de acetato. Además de la versión de 1971, incluyo algunos temas de la versión de 1974 de la Pesada y el Ensamble Musical de Buenos Aires, la cual estuvo organizada por Billy Bond. En Brasil Bond, también realizó una versión en portugués de esta obra, publicada en el año 1977, la cual también se incluye en este capítulo, y finalmente 4 temas que aparecen en una versión de La Biblia de 1997, grabada por Vox Dei, en este caso con el acompañamiento de la Orquesta Estable del Teatro Argentino de La Plata dirigida por el maestro Roberto Ruiz, realizado el 21 de Diciembre de 1997. Con la formación original. También participaron en este recital Andrés Calamaro, Fito Páez y Alejandro Lerner como invitados. Tracklist 01 - La Pesada y el Ensamble Musical BsAs - 1974 - Introducción 02 - Vox Dei - en vivo - 1997 - El manto de Elias – movimientos 1 y 2 03 - Vox Dei - 1971 - Genesis 04 - Versión en portugués - 1977 - Moises - Nascimento - Mensagem - Cantico 05 - La Pesada y el Ensamble Musical BsAs - 1974 - Guerras – parte 1 y 2 06 - Vox Dei - 1971 - Profecías 07 - la Pesada y el Ensamble Musical BsAs - 1974 - Libros Sapiensales – parte 1 y 2 08 - Vox Dei - 1971 - Cristo y Nacimiento 09 - Versión en portugués - 1977 Cristo - Muerte y Resurrección 10 - Vox Dei - Apocalipsis 11 - Vox Dei - en vivo - 1986 - Apocalipsis

Hoy en La Madriguera del Rock, traemos la reseña de un álbum tributo al quinteto británico Def Leppard. El álbum tributo Leppardmania, salió a la luz el día 2 de mayo del 2000, bajo el sello Deadline Music, fundado hacia 1992 como un sub-sello operado por Cleopatra Records, con la intención de apoyar el resurgimiento de las algunas bandas de glam/hair metal de la década de 1980, ante la influencia del Grunge y otras corrientes más comerciales. En este tributo se realizan versiones de algunos temas que aparecen en los primeros tres álbumes de Def Leppard, On Through the Night de marzo de 1980, High n Dry de julio de 1981 y Pyromania de enero de 1983. 1. John Corabi – Wasted 2. Joe Lesté – Rock Brigade 3. Jani Lane – Photograph 4. Kevin Dubrow – Rock! Rock! (Till You Drop) 5. Stevie Rachelle – Too Late For Love 6. Steve Whiteman – Foolin' 7. Kelly Hansen – Rock Of Ages 8. Phil Lewis – Bringin' On The Heartbreak 9. Jason McMaster – Let It Go 10. Jizzy Pearl – High & Dry 11. Kory Clarke – You Got Me Running 12. Paul Shortino – On Through The Night

Esta es la madriguera del Rock, un podcast dedicado a esa música que ha permitido a diversas generaciones adoptar y desarrollar su propia identidad, la música Rock, les saluda desde San José Costa Rica, su amigo Orlando Muñoz y desde el fondo de esta madriguera hoy vamos a continuar y finalizar el viaje de dos partes a través del espacio. El tema del podcast en esta ocasión es sobre temas de rock en español que de alguna manera están dedicados al espacio, a los planetas y al universo. Track List 1. Cerati & Melero - Vuelta por el universo 2. Invisible - El anillo del Capitán Beto 3. Los Toreros Muertos- El último mono de la NASA 4. Arco Iris - Canción de cuna para el niño astronauta 5. Mecano - Laika 6. Miguel Rios - El sueño espacial 7. M Clan - Llamando a la tierra 8. Luis Alberto Spinetta - Este es el hombre de hielo 9. Radio Futura - Divina 10. La Unión - Vida en Marte 11. Suéter - Polvo Estelar 12. Marciano Cantero - Camino a Ganímedes 13. Hombres G - Sistema Solar 14. Pedro Aznar - Across The Universe 15. SanTelmo - Destino el Universo 16. Barón Rojo - Mil años luz

Esta es la madriguera del Rock, un podcast dedicado a esa música que ha permitido a diversas generaciones adoptar y desarrollar su propia identidad, la música Rock, les saluda desde San José Costa Rica, su amigo Orlando Muñoz y desde el fondo de esta madriguera hoy vamos a iniciar un viaje de dos partes a través del espacio. El tema del podcast en esta ocasión es sobre temas de rock que de alguna manera están dedicados al espacio, a los planetas y al universo. Hoy revisaremos algunos detalles de temas que tuvieron una inspiración sideral o que de alguna manera se relacionan con el espacio o cuerpos espaciales. 1. Pink Floyd - Echoes 2. David Bowie - Space Oddity 3. Peter Schilling - Major Tom (Coming Home) 4. REM - Man on the Moon 5. Liz Phair - Supernova 6. Klaatu - Calling Occupants of Interplanetary Craft 7. Deep Purple - Space Truckin 8. The Beatles - Across the universe 9. Queen - 39 10. Rob Zombie - Mars Needs Women 11. T. Rex - Ballrooms of mars 12. The Cure - Jupiter Crash 13. Soundgarden - Black Hole Sun 14. YUNGBLUD - Mars 15. The Futureheads - Jupiter 16. The Church - Under The Milky Way 17. Def Leppard - Rocket

Esta es, La madriguera del Rock…. Un podcast dedicado a esa música que ha permitido a diversas generaciones adoptar y desarrollar su propia identidad, les saluda desde San José, Costa Rica su amigo Orlando Muñoz y desde el fondo de esta madriguera vamos a hacer un viaje en el tiempo, por Centroamérica en la década de los ochenta, con la segunda parte y final de un especial con la bandas Guatemalteca Alux Nahual. La semana pasada escuchamos la primera parte de este especial iniciando nuestro viaje en el tiempo allá por sus inicios en 1979 y terminando 10 años más tarde con su sexta placa de estudio, La Trampa editada en 1989. En esta parte continuamos con la historia del Espíritu del Duende hasta la actualidad. Setlist 01 – Hombres de Maíz 02 - Perros de La Ciudad 03 - Make it happen 04 – Hoy 05 – Vuelve 06 - La Plegaria del Hombre Lobo 07 - Alma verde 08 - Con todas tus fuerzas 09 - Joao 10 - Como un duende 11 - ALTO AL FUEGO 12 - La Fabula Del Grillo y El Mar 13 - Murciélago Danzante 14 - Los Fuslies No Cantan 15 – Consumundo 16 - 1.9 Ank 17 - Sueños de Jade (versión internacional) 18 - Macondos

Esta es, La madriguera del Rock…. Un podcast dedicado a esa música que ha permitido a diversas generaciones adoptar y desarrollar su propia identidad, les saluda desde San José, Costa Rica su amigo Orlando Muñoz y desde el fondo de esta madriguera vamos a hacer un viaje en el tiempo, por Centroamérica en la década de los ochenta, con la primera parte de un especial para una de las bandas que sin duda se podría considerar como la de mayor importancia en esta región para el desarrollo del movimiento Rock y que definitivamente marcó nuestra identidad centroamericana, la banda Guatemalteca Alux Nahual. La historia del Rock en Guatemala, puede dividirse en tres etapas principales. La primera alcanza su apogeo durante los años 70 (aunque su origen se pierde en la década anterior), con bandas como Apple Pie, S.O.S, Caballo Loco, Plástico Pesado, entre algunas otras, y este movimiento desemboca en otras como Siglo XX, Azúcar y Santa Fe, las cuales desaparecerían absorbidas por la creciente industria que significaron las discomóviles y la música bailable. Precisamente se podría decir que una segunda fase la constituye la aparición y florecimiento de Alux Nahual durante los 80's, que aún cuando no subsistió en forma aislada si superó materialmente lo alcanzado por cualquier agrupación de su época, al punto de trascender en forma solitaria los anales rockeros de Centroamérica. Una tercera etapa se marca durante a partir de los noventas, cuando logra notoriedad toda una serie de grupos, encabezados por Bohemia Suburbana, La Tona, SURASH, Piedras Negras, Estrés, Viernes Verde entre otras. Sin embargo como mencioné anteriormente fue Alux Nahual el grupo que precisamente se conoce y se reconoce como una verdadera Leyenda, recuerdo fiestas en que se ponían los acetatos de Alux, cuando los DJ tenían que usar sus manos y consolas no profesionales para poner la música, es decir que no era DJ cualquier hijo de vecina como lo es hoy con una aplicación en el teléfono, sus temas sonaron ampliamente en varias emisoras acá en Costa Rica, pero también en toda Centroamérica. Acá en Costa Rica, recuerdo que se vivió en forma intensa el fenómeno Alux, es por esto que dedico este capítulo a tan importante agrupación, la cual a mi juicio marcó la pauta durante mucho tiempo y sirven como norte aun hoy día a muchas de las agrupaciones de la escena Rock en la Mesoamérica Setlist 01 - Como un duende 02 - La Trampa 03 - Alto al fuego 04 - La fábula del grillo y el mar 05 - Hombres de maíz 06 – Mujer 07 - Conquista (Seguimos vivos) 08 - Juego Nuclear 09 - Dime que has olvidado 10 - Cada Noche 11 – Centroamérica 12 - Fiesta Privada 13 - Toca Viejo 14 - No somos niños ya 15 - De la noche a la mañana

Bienvenidos a La madriguera del Rock. Un podcast que se emite desde San José Costa Rica para todo el mundo. Les saluda su amigo Orlando Muñoz. Hoy traemos un especial de final de año con el power trío mexicano The Warning. The Warning es una banda originaria de Monterrey, Nuevo León, y que fue formada en el año 2013 por las 3 hermanas Villarreal Vélez: Daniela quien es la voz principal y guitarra nacida en enero de 2000, Paulina quien ejecuta la batería, voz y el piano, nacida en febrero de 2002 y finalmente Alejandra en el bajo, piano y coros, nacida en diciembre de 2004. Hoy haremos un recorrido por la biografía de la Banda así como su discografía. Pero antes de iniciar recuerden que si al final este capitulo les agrada, lo compartan entre sus amistades, especialmente con la promesa de que acá no habrá reguetón… y que si gustan nos pueden acompañar en nuestras redes sociales la madriguera del Rock en facebook y en nuestra página WEB, madriguerarock.blogspot.com. Setlist 01 - The Warning & Alessia Cara - Enter Sandman - The Metallica Blacklist Album 02 - Evolve – ft Sahaun Track 03 - The Pretender 04 - Free Falling 05 - Take me Down 06 - XXI Century Blood 07 - Shattered Heart 08 - Copper Bullets 09 - Dust to Dust (Live) 10 - Queen of the Murder Scene 11 - Narcisista 12 - Choke 13 - Amour 14 - Martirio

Bienvenidos a La madriguera del Rock…. Un podcast que se emite desde San José Costa Rica para todo el mundo. Les saluda Orlando Muñoz. Hoy traemos la segunda parte del especial de Rock especial navideño. Antes de iniciar recuerden que si al final este capitulo les agrada, lo compartan entre sus amistades, especialmente con la promesa de que acá no habrá reguetón… y que si gustan nos pueden acompañar en nuestras redes sociales la madriguera del Rock en facebook y en nuestra página WEB, madriguerarock.blogspot.com. En el Programa anterior escuchamos el volumen I de este compilado Merry Axemas - A Guitar Christmas - Vol 1, un recopilatorio de música grabado por destacados guitarristas de las décadas de 1980 y 1990 y que fue lanzado en 1997 por el sello Epic Records, gracias a los esfuerzos del guitarrista Steve Vai Hoy traigo la segunda parte de este proyecto, dado que cada temporada navideña, me toca sacudir el polvo de estos dos álbumes y pasarlos a mi teléfono, pues a pesar de que existen plataformas para streaming, este viejo sentimental no renuncia a tener el control sobre lo que escucha. Desde que ambos discos salieron y gracias a mi primo, virtualponcho (qepd) he tratado de mantener esta tradición. Inicialmente recuerdo que al comprar el disco pensábamos que era un disco del señor Vai, sin embargo al ponerlo notamos que esta placa ofrece un enfoque innovador y completo para escuchar música navideña de una manera que solo se puede lograr a través de la música rock. Es así que vamos a escuchar hoy Merry Axemas - : A Guitar Christmas - Vol 2, una placa que salio en 1998 y que incluye 10 temas, publicado en el mes de noviembre de 1998 y que incluye temas de grandes artistas como Zakk Wilde, Stu Hamm, Stevie Stevens, Al di Meola y Ted Nugent entre otros. La placa fue mezclada por el fallecido ingeniero de sonido y masterización estadounidense George Marino, conocido por trabajar en álbumes de bandas de rock a partir de finales de la década de 1960, como the Beatles, Alice Cooper, Cindirella, Coldplay, Led Zeppelin, Journey, Iron Maiden y Santana entre otros. El productor ejecutivo fue el sr Steve Vai, para su propio sello Favored Nations Tracklist 1- The Christmas Song - Steve Lukather - 06:19 2- O Come, O Come, Emmanuel - Neal Schon -04:20 3- Do You Hear What I Hear? - Steve Stevens -05:52 4- Sleigh Ride - Stuart Hamm - 04:13 5- O Come All Ye Faithful - Trevor Rabin -04:27 6- White Christmas - Zakk Wylde 02:51 7- God Rest Ye Merry Gentlemen - John Sykes - 05:47 8- O Little Town of Bethlehem - Robin Trower - 03:10 9- Carol of the Bells - Al Di Meola - 04:13 10- Deck the Halls - Ted Nugent - 03:13

Bienvenidos a La madriguera del Rock. Un podcast que se emite desde San José Costa Rica para todo el mundo, les habla Orlando Muñoz. Hoy traemos la primera parte de un especial navideño porque los rockeros también tenemos espíritu navideño. Antes de iniciar recuerden que si al final este capitulo les agrada, lo compartan entre sus amistades, especialmente con la promesa de que acá no habrá reguetón… y que si gustan nos pueden acompañar en nuestras redes sociales la madriguera del Rock en facebook y en nuestra página WEB, madriguerarock.blogspot.com. Es un álbum recopilatorio de música navideña grabada por destacados guitarristas de las décadas de 1980 y 1990. Lanzado en 1997 por el sello Epic Records, la placa abarca múltiples géneros, incluidos el rock, el blues y el jazz, y surgió en gran parte gracias a los esfuerzos del guitarrista Steve Vai, quien luego de que lanzó su cuarto álbum de estudio en solitario "Fire Garden" en 1996, tenía el deseo de hacer un disco navideño de guitarra instrumental interpretando canciones navideñas tradicionales con un toque diferente. Ante lo cual recuerda “Me hubiera llevado muchos meses completar un proyecto como este, así que pensé que sería mejor usar varios artistas, músicos que hayan aportado una voz única a la guitarra. Llevé el concepto a Epic Records y quedaron encantados con él. Me junté con John Kalodner y entre él, yo y Ruta Sepetys (mi manager) lo armamos. Al principio fue difícil elegir a los músicos pues había muchas opciones finalmente participaron grandes figuras como Kenny Wayne Shepherd, Eric Johnson, Jeff Beck, Joe Satriani, Brian Setzer, Steve Morse, Steve Vai, Joe Perry, Richie Sambora, Alex Lifeson y Hotei, músicos que a través de sus guitarras nos entregaron una obra para disfrutar Navidad con una nota rock. “ 1 Rudolph The Red- Nosed Reindeer - Kenny Wayne Shepherd 2 The First Nowell - Eric Johnson 3 Amazing Grace - Jeff Beck 4 Jingle Bells - The Brian Setzer Orchestra 5 Silent Night / Holy Night Jam - Joe Satriani 6 Joy To The World - Steve Morse 7 Christmas Time Is Here - Steve Vai 8 Blue Christmas - Joe Perry 9 The Drummer Boy - Alex Lifeson 10 Cantique De Noel (O' Holy Night) - Richie Sambora 11 Happy Xmas (War Is Over) - Hotei

Bienvenidos a La madriguera del Rock. Un podcast que se emite desde San José Costa Rica para todo el mundo. Si bien la temática general de este Podcast será un poco más dura hoy vamos a hacer un programa lleno de energía calmada, esa nota hippie que sin querer todo rockero lleva dentro, la idea nació luego de que una tarde de estas debía tener un poco de paz para sentarme a trabajar en u proyecto, por lo que me puse a buscar entre mis discos para armar una lista retro de música que funcionara como calmante… Si bien hacia el final el tiempo me rindió, pude terminar de escribir y parte del porqué subió esa productividad, me parece que se debe a la música que escogí, es así que deseo compartirles un fragmento de la lista, con una reseña biográfica de cada tema, esperando que les guste, Les recuerdo que si al final este capitulo les agrada, lo compartan entre sus amistades, especialmente con la promesa de que acá no habrá reguetón… y que si gustan nos pueden acompañar en nuestras redes sociales la madriguera del Rock en facebook y en nuestra página WEB, madriguerarock.blogspot.com. Así que vamos a la musica Setlist Música Folk Argentina 70-80 01 - Pastoral - En el Hospicio 02 - Vivencia - Pupitre Marrón 03 - Almendra – Muchacha ojos de papel 04 - Juan Carlos Baglietto – Era en Abril 05 - Raul Porchetto - Pero así está en mi corazón 06 - PorSuiGieco – La Colina de la vida 07 - Sacramento - Despierta y Cree en mí 08 - Invisible – Durazno Sangrando 09 - Gabriela – Campesina del Sol 10 - Soluna - Una vida para amar 11 - Tanguito - Amor de Primavera 12 - Emilio del Guercio – Trabajo de pintor 13 - Nito Mestre - Fucsia