El Sótano de Radio Belgrado

Vuelven las Caras B de El Sótano, y esta vez nos sumergimos en un documento fascinante: el guion original que Wes Craven y Bruce Wagner escribieron para la tercera entrega de Pesadilla en Elm Street. Una versión nunca filmada que podría haber devuelto la saga al terror crudo, la sordidez y la seriedad de la primera película, y que además planteaba una secuela mucho más directa y coherente con el clásico de 1984. En este episodio repasamos sus ideas, escenas, personajes y el tono radicalmente distinto que proponía. Un viaje a lo que podría haber sido y que, lamentablemente, quedó en un cajón. Y como regalo especial, vuelve al programa Julio Freixa, que nos cuenta sus experiencias en su nueva vida como wrestler. Una charla cercana, divertida y llena de anécdotas que no os podéis perder.

En esta edición volvemos a traer al programa La gran prueba, esta vez para comentarla junto a Belén (Filmotecast) dentro del pequeño homenaje que estamos dedicando a William Wyler. Tras analizar Horizontes de grandeza en el capítulo anterior, regresamos a esta obra maravillosa, aparentemente humilde pero cargada de un trasfondo existencial y un mensaje antibelicista de enorme potencia. Un clásico que sigue creciendo con cada visionado y que encaja a la perfección en este recorrido por la filmografía más humanista de Wyler.

En esta edición, continuando con nuestro ciclo dedicado a la cheersploitation, hablamos de Satan’s Cheerleaders, una película fascinante dentro de la serie B setentera que mezcla la comedia adolescente típica de los drive‑in con elementos de terror ligero y ese espíritu gamberro tan propio del exploitation de la época. Al final del programa suena el tema “I’m Damned” de Vampira with Satan’s Cheerleaders.

En este capítulo os traemos nuestra reseña del último título de la saga Scream. Junto a Pot tratamos Scream 7, esperemos que os guste.

Continuando con nuestro ciclo dedicado a la mandanga cinematográfica, en esta ocasión nos adentramos en Las adolescentes (1975), una película clave dentro del cine de la Transición. Una de las primeras obras del destape, envuelta en un aura de aparente inocencia pero con una trama mucho más turbia y reveladora de lo que su fachada sugiere.

Bienvenidos a una nueva entrega de Caras B, el espacio donde exploramos los rincones menos transitados de la ficción. En este especial nos sumergimos en la evolución de los personajes secundarios, desde sus raíces en el teatro clásico, el siglo de Oro, pasando por el pulp, el cine de género y la televisión contemporánea. Analizamos cómo han cambiado sus funciones narrativas, sus códigos simbólicos y, sobre todo, sus estereotipos más persistentes. Nos detenemos especialmente en el concepto del “negro mágico”, figura recurrente en el cine norteamericano que encierra más mandanga ideológica de la que parece. Por supuesto, no faltará la editorial del programa, ni nuestro merecido homenaje a Chuck Norris, el secundario que se convirtió en arquetipo, en meme y en leyenda.

Arrancamos una nueva etapa en El Sótano dedicada a uno de los subgéneros más deliciosamente engañosos del cine de explotación: el cheersploitation, o lo que es lo mismo, películas de animadoras cargadas de más mandanga de la que aparentan. Bajo su fachada de comedia juvenil y erotismo suave, este cine esconde tensiones sociales, pulsiones culturales y un retrato muy vivo de la América de los 70. Para inaugurar el ciclo nos lanzamos de cabeza con The Pom Pom Girls (1976), una joya dirigida por Joseph Ruben, cineasta que más tarde firmaría títulos tan potentes como El padrastro o Durmiendo con su enemigo. Aquí, sin embargo, lo encontramos en su etapa más libre, fresca y experimental, capturando como pocos el espíritu rebelde y despreocupado de la juventud californiana. No es casualidad que Quentin Tarantino la tenga entre sus favoritas del cine juvenil setentero. Su mezcla de humor, sensualidad, caos adolescente y retrato casi documental de la vida en un instituto la convierten en una obra de culto inesperada, de esas que se quedan contigo sin que te des cuenta.

En esta edición hemos preparado unas Caras B especiales para Semana Santa, donde hablamos y recomendamos películas para cada día de esta semana tan singular. Pero no se trata de cine religioso al uso, sino de obras que, desde el western, la ciencia ficción o el cine de acción, encajan simbólicamente con el significado profundo de cada jornada. Desde el sacrificio hasta la redención, pasando por la traición, el silencio, la caída y la resurrección, hemos seleccionado títulos que dialogan con el espíritu de la Semana Santa sin necesidad de santos ni milagros. Películas que hablan de lo humano, lo trágico, lo heroico y lo inevitable. Esperamos que os guste este recorrido alternativo, sotanero y cinematográfico por los días más intensos del calendario. Dale al play y acompáñanos en esta Semana Santa sin incienso… pero con pólvora, sudor y redención.

Dentro de nuestro ciclo titulado La Mandanga Soft, hablamos de una pequeña joya que merece ser reivindicada: Carne Apaleada. Una película que encaja de lleno en ese maravilloso cine de la transacción, con ecos del cine quinqui, miradas al erotismo de su generación y una sensibilidad única para retratar la crudeza emocional de su época. En este episodio nos adentramos en la adaptación de las memorias y la obra de la fascinante Inés Palou, una figura tan magnética como trágica, cuya vida y escritura siguen golpeando con fuerza décadas después.

En este episodio nos sumergimos en el fascinante y aterrador thriller 70 minutos para huir, una obra independiente, áspera y apocalíptica que merece ser reivindicada como una de las grandes joyas ocultas de nuestro cine reciente. Junto a Eduardo Vaquerizo, analizamos esta película que funciona como un reloj de arena invertido, donde cada minuto es una cuenta atrás emocional y cada decisión acerca al protagonista a un destino inevitable. Para mí, 70 minutos para huir es la After Hours oscura o fatalista

Os dejamos un pequeño capítulo que he grabado junto a Agustín, una despedida sentida y necesaria a la figura de Chuck Norris. Un homenaje sincero a un icono del videoclub, un héroe de rectitud absoluta y una presencia que marcó a generaciones enteras. Y os prometemos que esto no termina aquí. Muy pronto tendréis otro segmento especial dedicado a él en una de las futuras caras B junto a Tomas, donde seguiremos explorando su figura con más calma y profundidad.

Dentro de nuestro ciclo dedicado a las cacerías humanas, hoy nos metemos en una de mis películas favoritas de la Cannon, una auténtica joya del videoclub ochentero y, además, la secuela bastarda de Invasion USA: La fuerza de la venganza (Avenging Force, 1986) Michael Dudikoff toma el relevo del personaje que interpretó Chuck Norris en Invasion USA, y lo hace enfrentándose al Pentangono, una sociedad secreta de fanáticos que mezcla racismo, poder político y sadismo ritual. Una película sucia, intensa y sorprendentemente oscura, que combina conspiración, survival y acción pura con un ritmo imparable. Un título imprescindible para entender el espíritu Cannon y una de las mejores aproximaciones del estudio al subgénero de la caza humana. Esperamos que disfrutéis del episodio tanto como nosotros grabándolo. Si os gusta, dadle a Me Gusta y dejad vuestro comentario en iVoox. Nos ayuda muchísimo a seguir creciendo.

Dentro de nuestro ciclo dedicado a otras realidades, nos adentramos en uno de los mockumentaries más inquietantes y perturbadores del terror independiente reciente: Los asesinatos de Mr. Shiny. Una falsa investigación policial que se convierte en un descenso a la locura, siguiendo la pista de un asesino en serie cuya presencia parece ir más allá de lo humano. Un relato profundamente lovecraftiano, donde la realidad se descompone, la cordura se tambalea y lo inexplicable se filtra en cada testimonio, cada cinta y cada escena reconstruida.

En esta edición, y acompañado por Tomás, inauguramos nuestro nuevo ciclo dedicado a las cacerías humanas, uno de los subgéneros más salvajes, extremos y fascinantes del cine de explotación. Comenzamos con un título imprescindible del ozploitation: El imperio de la muerte (1982). Una película ambientada en un futuro distópico donde los disidentes del sistema son recluidos en campos de concentración, sometidos a torturas brutales y utilizados como presa en cacerías tan violentas como sangrientas. Un film sucio, extremo y muy representativo del cine australiano más desatado, con una atmósfera opresiva y un tono político sorprendentemente afilado. Esperamos que disfrutéis de este arranque de ciclo tanto como nosotros grabándolo. Si os gusta el programa, dadle a Me Gusta y dejad vuestro comentario en iVoox. Nos ayuda muchísimo a seguir creciendo y saber qué os apetece escuchar.

Nuevo capítulo de nuestro ciclo dedicado al cine de vigilantes, y esta vez nos metemos de lleno en una auténtica rara avis dentro del thriller policiaco de los 70: America Violenta (The Stone Killer, 1973). Una película que anticiparía el inminente fenómeno del cine de justicieros y que forma parte de ese combo irresistible que nos regaló tantas joyas: Michael Winner en la dirección y Charles Bronson como rostro imperturbable del caos urbano.

En esta edición, y acompañado por Pot, nos adentramos en una auténtica rara avis dentro del catálogo de Disney: La isla del fin del mundo (1974). Una película que pertenece a una de nuestras épocas favoritas del estudio, cuando Disney producía ese cine de aventuras clásico, lleno de misterio, exploración y criaturas imposibles, que marcó a varias generaciones. Una etapa en la que la compañía apostaba por historias arriesgadas, escenarios exóticos y un tono más oscuro del que solemos asociar a Disney.

En esta edición, y acompañado por Eduardo Vaquerizo, nos adentramos en Contaminación (No Blade of Grass, 1970), la adaptación cinematográfica de la desgarradora novela de John Christopher, La muerte de la hierba. Una historia dura, incómoda y sorprendentemente actual, que plantea un colapso ecológico y social a una velocidad aterradora. Analizamos la película, su contexto, sus diferencias con la novela y el impacto que tuvo en su momento. Exploramos también la mirada pesimista —pero tremendamente lúcida— de Christopher sobre la fragilidad de nuestra civilización. Y atención al regalo especial: He remasterizado y añadido, justo después del programa principal, el capítulo completo que dedicamos en su día a la novela. Así que no le deis a stop cuando termine el episodio… Aún os queda una hora más de contenido extra. Si os gusta el programa, dadle a “Me gusta” y dejad vuestro comentario en iVoox. Vuestra participación nos ayuda muchísimo a ganar visibilidad y a recibir más feedback para seguir mejorando los contenidos que hacemos con tanto cariño.

Arrancamos un nuevo ciclo en el programa, un viaje delicioso por ese cine erótico suave que marcó una época, que despertó curiosidades y que, entre transparencias y susurros, ayudó a abrir puertas en una España que empezaba a quitarse complejos. Bienvenidos a “La Mandanga Soft”. En este primer capítulo nos sumergimos en una película fascinante, valiente y polémica: Me siento extraña (1977). Un título que mezcla melodrama, erotismo sugerido y una historia de amor entre dos mujeres en plena Transición, cuando el país aún no sabía muy bien cómo mirar estos temas. Protagonizada por Rocío Dúrcal y Bárbara Rey, la película se convirtió en una rareza dentro del cine español: demasiado atrevida para los sectores conservadores, demasiado melodramática para los amantes del destape, demasiado moderna para su tiempo… y, precisamente por eso, absolutamente irresistible.

Continuamos nuestro ciclo de Oziexploitation, esta vez adentrándonos en las artes marciales con una coproducción entre Australia y la mítica Golden Harvest. Hablamos de El dragón vuela alto, primer largometraje de nuestro querido Brian Trenchard-Smith (Bicivoladores, Dead-End Drive-In), protagonizado por la leyenda Jimmy Wang Yu.

Dentro de nuestro ciclo Otras Realidades, nos metemos en otro found footage loquísimo, esta vez inspirado en La bruja de Blair. Con ustedes: Frogman. Cuidado con el hombre rana… no todo lo que acecha en el agua quiere ser encontrado.