Ars sonora

Con este programa, que da fin a la temporada 2024-2025 de nuestro espacio, quisiéramos recordar algunos momentos compartidos a través de nuestras emisiones radiofónicas semanales durante los últimos meses. Escuchamos, pues, algunos pasajes de esos programas, que presentaremos solamente separados por la simulación de interferencias (quizá generadas por la propia memoria que intenta proyectarse en cada uno de esos momentos).En el inicio de esta temporada tuvimos ocasión de presentar la música de Pharmakon, es decir, la artista neoyorquina Margaret Chardiet (nacida en 1990), que ahora recordamos antes de escuchar un extracto de la pieza sonora "Cascabullos", creada por Susana Jiménez Carmona durante su residencia artística en la Fundación Campocerrado, donde estuvo acompañada y orientada por los principales responsables de esa institución, Borja Fernández-Cobaleda y Luis Gea —desgraciadamente, la artista nos dejó pocos meses después, a finales del año pasado—. En este pequeño homenaje a esta gran artista e investigadora, recordamos la voz de Jiménez Carmona, quien nos explicaba su experiencia dentro del proyecto "Dos lugares, dos escuchas".Recuperamos después un fragmento de la edición de Ars Sonora consagrada a las figuras pioneras de la música electrónica en Hungría, concretamente el pasaje dedicado a la composición de Zoltán Pongrácz titulada "Mariphonia" (1972), que fundamenta su estructura sonora en las proporciones del cuerpo de la esposa del compositor, así como en la manipulación de su voz (particularmente de su risa) a través de medios electrónicos. Las dos siguientes emisiones estuvieron dedicadas a conmemorar el octogésimo aniversario (y, por desgracia, también la reciente desaparición) del húngaro Peter Eötvös, nacido en 1944 y fallecido el 24 de marzo de 2024, a quien ahora evocamos a través de la pieza "Music for New York", de 1971, que conjuga la cítara, la zanfona y el sintetizador EMS —a los cuales se añaden, en la versión que aquí ofrecemos, las improvisaciones del saxofón soprano y el bodhran, a cargo de los hermanos László Dés y András Dés, respectivamente—.Kaitlyn Aurelia Smith, compositora, intérprete y productora estadounidense nacida en la Isla Orcas, en el noroeste del Pacífico, en 1987, protagonizó el siguiente programa de la temporada junto al sintetizador modular Buchla 100, un instrumento clave en su trayectoria, y especialmente en su álbum "The Mosaic of Transformation”, de 2020, en el que Smith utiliza este dispositivo para crear paisajes sonoros (como "Expanding Electricity", que aquí presentamos brevemente) que exploran la conexión entre la electricidad y la energía corporal, logrando una experiencia meditativa e hipnótica. Por su parte, la artista y DJ londinense de ascendencia chino-malaya Flora Yin-Wong manipula, en piezas como "Śūnyatā", instrumentos de cuerda como el violín, el yangqin chino o el kemenche turco, para crear ambientes digitales herméticos.La temporada prosiguió con un ciclo de tres emisiones dedicadas al compositor alemán York Höller (nacido en Leverkusen en 1944) en su octogésimo aniversario. Aquel ciclo se inició con la escucha de "Topic" (1967), obra orquestal de su primera etapa como compositor que revela la influencia de su maestro Bernd Alois Zimmermann, y de "Horizont" (1971/72), obra para electrónica en cuatro canales que refleja varias ideas centrales en la obra de Höller: claridad estructural, expresividad, contenido poético y la concepción de la música como discurso sonoro.La siguiente edición de Ars Sonora, quizá una de las experiencias de escucha más radicales en la historia de nuestro programa, está dedicada a Catherine Christer Hennix (nacida en Estocolmo el 25 de enero de 1948 y fallecida en Estambul -ciudad a la que se trasladó después de convertirse al Islam- el 19 de noviembre de 2023), una figura singular en el panorama de la música experimental y el arte sonoro. Rememoramos un extracto de "Further Selections from the Electric Harpsichord" (una grabación inédita recuperada en 2024).En los dos programas especiales motivados —como es ya tradición en Ars Sonora— por las festividades navideñas intentamos recordar a todas los niños que, de manera incomprensible, continúan siendo víctimas de conflictos bélicos —injustos e injustificables— en diversos lugares del planeta. A ello nos ayudaron las respectivas audiciones de la "Missa pro pueris" ("Misa para los niños") y del "Apocalipsis de Angers", ambas del compositor francés Denis Dufour (nacido en Lyon en 1953).El fallecimiento el 25 de diciembre de 2024, de Eduardo Polonio, figura clave de la música española (por mucho que las instituciones oficiales de nuestro país, en una nueva muestra de su terrible y ya insostenible conservadurismo, nunca llegaran a reconocer adecuadamente este hecho) propició un homenaje que aspiraba a complementar el ciclo de cinco emisiones de Ars Sonora con el que, en enero de 2021, tuvimos la oportunidad de celebrar el octogésimo cumpleaños del maestro, y la extensa entrevista que, a lo largo de otras dos ediciones de nuestro espacio (presentadas en mayo de 2012) nos permitió conversar con Polonio.Poco antes de otra triste desaparición, la de la compositora rusa Sofia Gubaidulina, nacida en 1931 y fallecida el 13 de marzo de 2025, su música formó parte de un monográfico dedicado a explorar algunas de las fascinantes posibilidades del sintetizador ANS, un instrumento fotoelectrónico desarrollado en la Unión Soviética por el ingeniero Evgeny Murzin, y del que también hizo un brillante uso el compositor Eduard Artemiev (1937-2022), autor de la banda sonora de "Solaris" (1972), de Andrei Tarkovsky (película a la que, por cierto, Ars Sonora ya dedicó, el 14 de marzo de 2009, un programa monográfico titulado "Apuntes de Solarística"). La música de Sofia Gubaidulina —concretamente "Luz y oscuridad", compuesta en 1977— también sonó en la siguiente entrega de nuestro espacio, un programa que sirvió para retomar nuestro ciclo dedicado al órgano. Esta serie continuó después con sendos monográficos dedicados a Mauricio Kagel, Tom Johnson (que falleció el pasado 31 de diciembre de 2024 en París, a los 85 años), y a Klaus Huber.Ese programa consagrado a la música para órgano del compositor suizo Klaus Huber (1924-2017) prologó un conjunto de emisiones motivadas por el centenario de su nacimiento —que conmemoramos algo tardíamente—. Las dos últimas secciones de ese homenaje, a su vez, sirvieron como enlace con otro ciclo de Ars Sonora, el que dedicamos a los instrumentos "exóticos", que por su parte dieron pie a dos emisiones en las que presentamos la música de la vocalista y compositora estadounidense, de ascendencia armenia, Cathy Berberian (1925-1983), cuyo centenario celebramos en 2025.Otro centenario, bien diferente, y que propició otras dos ediciones de Ars Sonora, fue el dedicado a Pierre Boulez (1925-2016). Esos programas incorporaron una reflexión crítica sobre la relevancia histórica y actual de sus innovaciones (estéticas y, particularmente, políticas —sobre todo en el ámbito de la gestión cultural, donde el poder ejercido por Boulez no tuvo parangón—).Los últimos programas rememorados en esta emisión son los dedicados, respectivamente, a la compositora belga Ingrid Drese (Amel, 1957), a través de dos de sus obras más emblemáticas, en las cuales convergen la física, la cosmología y la experimentación electroacústica, y a la presentación del último libro del poeta y performer Bartolomé Ferrando (Valencia, 1951), "En la línea del horizonte" (publicado por la editorial La única puerta a la izquierda), mediante una conversación registrada en la Galería Freijo de Madrid.Tras esas emisiones, Ars Sonora reanudó otro ciclo destacado en nuestra programación, "Relatos del ruido" (que, a través de seis nuevos capítulos, ha continuado presentando "una historia escuchada de la música experimental en España"), y registró dos programas en directo dentro la Feria del Libro de Madrid, antes de presentar monográficamente —en la emisión de la semana pasada— la exposición titulada "Resignificaciones", que presenta una amplia muestra de trabajos desarrollados conjuntamente, entre 1989 y 2024, por Concha Jerez y José Iges, y que puede visitarse hasta el 7 de Septiembre de 2025 en las amplias salas del CGAC (Centro Galego de Arte Contemporánea), en su sede de Santiago de Compostela.Y así llegamos, hoy, al término de esta temporada de Ars Sonora, esperando poder reencontrarnos con los oyentes tras el verano para continuar poniendo en duda los propios límites de nuestra escucha y expandiendo, cada vez más, el significado de la palabra "música".Escuchar audio

Desde el pasado 14 de febrero hasta el 7 de Septiembre de 2025, las salas del CGAC (Centro Galego de Arte Contemporánea), en su sede de Santiago de Compostela, acogen la exposición titulada "Resignificaciones", que presenta una amplia muestra de trabajos desarrollados conjuntamente, entre 1989 y 2024, por los artistas Concha Jerez (nacida en Las Palmas de Gran Canaria en 1941) y José Iges (nacido en Madrid en 1951).En palabras de la comisaria de la exposición, Alicia Murría, "A través de imágenes fijas y en movimiento, objetos reutilizados, sonidos cotidianos, fotografías, entrevistas, obras ideadas para radio, videoperformances y documentos —muchos de ellos procedentes de los medios de comunicación y su ruido—, Jerez e Iges componen una especie de paisajes visuales y sonoros que analizan, tensan, describen, y parodian a veces, el mundo que nos rodea. Se trata de un trabajo en el que confluyen lenguajes que, como el vídeo, la performance, el arte radiofónico o las instalaciones, han complejizado las prácticas artísticas tradicionales. [...] Concha Jerez y José Iges entienden las prácticas artísticas desde la transversalidad de medios, abogando por la convivencia de diversas tecnologías, desde las más actuales hasta otras ya en desuso. En ese sentido, sus exposiciones aspiran a ser siempre puestas en común, donde la audiencia participa activamente en la construcción de significado".En este programa, registrado en el propio CGAC —a cuyos responsables extendemos nuestro agradecimiento por su invitación y por la generosa acogida—, repasamos los contenidos de esta muestra de carácter retrospectivo, lo cual nos sirve también para analizar la evolución artística de la pareja configurada por Jerez e Iges. En ese proceso aparecen cuestiones muy relevantes en el contexto del arte sonoro en su relación con los centros de arte contemporáneo: desde las dificultades administrativas que aún representan e imponen determinadas prácticas ya perfectamente asimiladas en los procesos de creación artística (pero aún no incorporadas en los procedimientos de gestión interna de algunos centros), hasta la cualificación —propuesta por José Iges— de "artista politécnico" como forma de capturar, mejor que con otras expresiones, el conjunto (y la disposición) de los diferentes saberes que un artista intermedia debe desplegar en el momento de afrontar proyectos como los que se presentan en una exposición como "Resignificaciones".Junto a las declaraciones de Concha Jerez y José Iges, escuchamos también las voces de Santiago Olmo (director del CGAC), Alicia Murría (comisaria de la muestra) y Gloria Picazo (crítica de arte, comisaria y ensayista).Escuchar audio

Regresamos a la Feria del Libro de Madrid, donde registramos en directo esta edición de Ars Sonora el sábado 7 de junio de 2025. Esta vez contamos, en nuestra conversación, con Ana Gorostizu, autora de "El arte sin órganos. Manifiesto de la música electrónica", un ensayo recientemente publicado por la editorial valenciana La Caja Books, cuyo director, Raúl E. Asencio —que también nos acompaña—, indica que su sello edita "desde la periferia de la industria", pero también que en el centro de su motivación está la de "crear imaginarios habitables de futuro". Con Gorostizu y con Asencio exploramos tanto la génesis como algunas de las ideas principales de "El arte sin órganos", que parte de algunas ideas sobre el cuerpo enunciadas por el poeta —y pionero de la creación radiofónica experimental— Antonin Artaud, retomadas décadas después por el filósofo francés Gilles Deleuze en textos como "Diferencia y repetición", muy influyente en el pensamiento de Gorostizu (al igual que otros de Mark Fisher, Simon Reynolds o Jaques Attali, pensadores a quienes también nos referimos). Igualmente nos preguntamos acerca del vacío editorial que hasta tiempos recientes ha existido, en el contexto de nuestro idioma, en lo concerniente a reflexiones de carácter filosófico o estético enfocadas hacia la creación sonora de nuestro tiempo, y analizamos cómo se está corrigiendo, en los últimos años, esa anómala situación —un fenómeno editorial que también se constataba en la anterior edición de Ars Sonora grabada en la Feria del Libro, donde se han presentado numerosos textos que tratan estas materias—.Se suma a este diálogo la voz de Carlos Almela, que hace solamente unas semanas publicó —dentro del catálogo que comparten el Círculo de Bellas Artes y la editorial Lengua de Trapo— el ensayo titulado "Filantropía bastarda", en el cual "reivindica una filantropía capaz de construirse contra su propia genealogía, de revisar su relación con el capitalismo depredador y de desarrollar modelos de economía social que la lleven a deshacerse de su legado patriarcal y colonial". Abordamos, pues, cuestiones relacionadas con la financiación de la cultura y, más específicamente, de manifestaciones artísticas que pueden adjetivarse como "experimentales" y que, en su caso, pueden estar relacionadas con la creación sonora, así como con diferentes movimientos sociales, con la participación ciudadana, con la crítica institucional, etc. La mirada amplia que Almela proyecta desde este volumen nos permite, también, rememorar un caso de mecenazgo fundamental para la historia del arte sonoro y las músicas experimentales en España: el que impulsó la familia navarra Huarte para que el compositor (devenido gestor cultural) Luis de Pablo —que ya había disfrutado del apoyo de los Huarte en la creación de ALEA, primer laboratorio de música electroacústica en España— comisariase junto al artista visual José Luis Alexanco los Encuentros de Pamplona en 1972 —un evento seminal al que, con motivo de su cincuenta aniversario, en Ars Sonora dedicamos una serie monográfica de doce episodios—.Completa el elenco de invitados María Mur, responsable de consonni, una organización que no solamente opera como editorial —con presencia en la Feria del Libro—, sino también como productora de proyectos artísticos. Con sede en el bilbaíno barrio de San Francisco, consonni se describe con las siguientes palabras: "Desde 1996 producimos cultura crítica y en la actualidad apostamos por la palabra escrita y también susurrada, oída, silenciada, declamada; la palabra hecha acción, hecha cuerpo. Desde el campo expandido del arte, la literatura, la radio y la educación ambicionamos afectar el mundo que habitamos y afectarnos por él. Escrito en minúscula y en constante mutación, consonni es una criatura andrógina y policéfala, con los feminismos y la escucha como superpoderes. Nos la jugamos en las distancias cortas. Partiendo de la economía social y solidaria y de una comunidad de proximidad, apoyamos y amplificamos talento creativo local e internacional". Con María Mur retomamos la necesidad de una perspectiva feminista al analizar los vínculos que entrelazan (y, sobre todo, que podrían entrelazar) cultura y economía, y reflexionamos acerca de las posibles expansiones de la labor editorial hacia diferentes medios —como el radiofónico, por ejemplo—, así como hacia lenguas históricamente minorizadas, entre otros asuntos.Este coloquio, que concluye con algunas polémicas consideraciones acerca de la presencia del "amateurismo" en la creación cultural (y sobre la relación del karaoke con el arte sonoro), está jalonado por diferentes audiciones, que extraemos de las siguientes composiciones: "Soledad interrumpida", de Luis de Pablo; "Siempre", de Ixiar Rozas; "#7", de Aphex Twin; "Myuthafoo", de Caterina Barbieri; "Music For Airports", de Brian Eno.Escuchar audio

Esta edición de Ars Sonora, dedicada a la presentación de algunas novedades y proyectos editoriales relacionados con el arte sonoro y las músicas experimentales, fue registrada en directo la tarde del sábado 31 de mayo en el contexto de la Feria del Libro de Madrid. Contamos, en nuestro diálogo, con Jesús Gil, de la librería El Argonauta —con quien repasamos algunas publicaciones recientes propiciadas por editoriales como EdictOràlia, en Valencia ("Fuera de tono. La música de nueva creación ante su desbordamiento", de Alberto Bernal, con prólogo del recientemente fallecido Peter Ablinger, así como "Lecturas de la improvisación", de Carlos Galán), o los respectivos servicios de publicaciones de la Universidad de Cádiz ("Los escritores y el flamenco. La lucha antifranquista (1967-1978)", de Tyler Barbour) y de la Universidad de Salamanca ("Pretextos musicales", editado por Antonio Notario)—. Escuchamos después a Pep Olona, coordinador de la sección "Indómitas" en la propia Feria del Libro y director del festival POETAS, así como de la librería y la editorial Arrebato, que recientemente ha publicado títulos como "Se secará como la hierba. Antología (1946-2009)", de Friederike Mayröcker (con selección y traducción de Sandra Santana).También nos acompaña el poeta y traductor Benito del Pliego, quien comparte con nosotros algunas de sus recientes versiones de diversos textos de la escritora estadounidense Gertrude Stein (traducciones que acaba de incluir en su catálogo la editorial Kriller71 dentro de un volumen titulado "ÍDEM LO MISMO"). Por su parte, Jesús Espino, director editorial de Akal, nos describe la génesis de algunas publicaciones recientes que ya han devenido fundamentales para nuestro ámbito, como "De la música al sonido. La emergencia del sonido en la música de los siglos XX y XXI", de Makis Solomos (en traducción de Javier Roma), "El momento analírico. Una historia expandida de la poesía en España de 1964 a 1983", de María Salgado, o "Luigi Nono. Por una escucha revuelta", de Susana Jiménez Carmona. La conversación está atravesada por diferentes audiciones, que extraemos de las siguientes composiciones: "Cant etern pel poble palestí", de Josep Lluís Galiana; "Omega (Poema para los muertos)", de Enrique Morente y Lagartija Nick; "If I Told Him: A Completed Portrait of Picasso", de Gertrude Stein (en la voz de Benito del Pliego, primero, y de la propia autora, después); "DW [Differenz / Wiederholung] 17: Doubles/Schatten II", de Bernhard Lang (en la interpretación de la orquesta sinfónica de la SWR de Baden Baden y Friburgo, dirigida por Sylvain Cambreling); "La légende d'Eer", de Iannis Xenakis.Escuchar audio

Continuamos con el ciclo titulado "Relatos del ruido. Hacia una historia escuchada de la música experimental en España", que en esta tercera serie comprende un total de seis programas (desde el decimoquinto hasta el vigésimo capítulo), después de que al final de la temporada 2023-2024 de Ars Sonora presentásemos los anteriores episodios de este peculiar ejercicio de historiografía musical —el más ambicioso de los realizados hasta la fecha en nuestro ámbito cultural, al haber reunido (y analizado, y puesto en diálogo) los trabajos de más de dos centenares de artistas sonoros—.Este conjunto de programas está relacionado con el proyecto homónimo que se viene desarrollando desde febrero de 2023 en la Cineteca de Matadero Madrid; "Relatos del ruido" es también una serie de encuentros mensuales, celebrados en la Sala Borau de la mencionada Cineteca, dedicados a la escucha y al debate en torno a las músicas experimentales creadas en nuestro país durante las últimas décadas.El capítulo número veinte de estos "Relatos del ruido" coincide con —y, sobre todo, quiere celebrar— el vigésimo aniversario de IN-SONORA, la Muestra Internacional de Arte Sonoro e Interactivo que desde 2005, y a lo largo de catorce ediciones, viene dando a conocer, en la ciudad de Madrid, las propuestas de artistas seleccionados mediante la convocatoria pública que articula, en cada edición, este fundamental proyecto dirigido por Maite Camacho. Junto con ella hemos seleccionado un conjunto de audiciones de artistas que han formado parte de la comunidad IN-SONORA, y cuyas obras representan la enorme variedad de aproximaciones al arte sonoro y a las músicas experimentales acogidas y promovidas por esta iniciativa. Presentamos diversos fragmentos sonoros procedentes de los siguientes trabajos:Miguel Ángel García - "Zorro zaurre" (2013)Mikel Arce - "Diapasones 2,5" (2005)Wade Matthews - "A Brief Explanation" (2002)Pablo Sanz - "strange strangers" (2019)Eli Gras - "Yeyé" (2016)Edith Alonso, Kumi Iwase, Anthony Maubert - "Le jazz non plus…" (2015)Bromo (Paloma Peñarrubia y Azael Ferrer) - "De-extinction" (2024)Elena Sáenz de Tejada - "Minimal Suite" (2023)Narcoléptica (Beatriz Vaca Campayo) - "Paradox" (2024)L.A.R. Qzios (Luis Ángel Romero Quicios) - "Cielo color pantalla canal muerto" (2025)Cabosanroque (Laia Torrents y Roger Aixut) [Niño de Elche, voz] - "una silla diez sillas" (2024)Ainara LeGardon - "Pausar pulsa (extracto 3)" (2023)Alicia G. Hierro - "Una noche en el cine" (2017)Más información: https://www.cinetecamadrid.com/programacion/capitulo-xix-musica-en-el-tiempo-escuchar-la-duracionEscuchar audio

Continuamos con el ciclo titulado "Relatos del ruido. Hacia una historia escuchada de la música experimental en España", que en esta tercera serie comprende un total de seis programas (desde el decimoquinto hasta el vigésimo capítulo), después de que al final de la temporada 2023-2024 de Ars Sonora presentásemos los anteriores episodios de este peculiar ejercicio de historiografía musical —el más ambicioso de los realizados hasta la fecha en nuestro ámbito cultural, al haber reunido (y analizado, y puesto en diálogo) los trabajos de más de dos centenares de artistas sonoros—.Este conjunto de programas está relacionado con el proyecto homónimo que se viene desarrollando desde febrero de 2023 en la Cineteca de Matadero Madrid; "Relatos del ruido" es también una serie de encuentros mensuales, celebrados en la Sala Borau de la mencionada Cineteca, dedicados a la escucha y al debate en torno a las músicas experimentales creadas en nuestro país durante las últimas décadas.El decimonoveno capítulo de estos "Relatos del ruido" lleva por título "Música en el tiempo (escuchar la duración)". En esta ocasión ese escurridizo concepto que es el tiempo sirve como eje vertebrador de las audiciones aquí consteladas. Escucharemos obras cuyos tiempos han sido medidos cronométricamente, o con referencia al movimiento de los astros, tiempos que se concretan en fechas específicas (o en celebraciones indicadas por diferentes calendarios), tiempos blandos, tiempos de espera... tiempos múltiples, en definitiva, que quizá nos ayuden a recordar cómo la música consiste, básicamente, en compartir un tiempo. Presentamos diversos fragmentos sonoros procedentes de los siguientes trabajos:Esther Ferrer - "Al ritmo del tiempo" (1992)Susan Drone (Susana López) - "Era lunar" (2020)Javier Piñango - "Ruins" (2015)Eduardo Polonio - "Acaricia la mañana" (1984)Ixiar Rozas - "Siempre" (2020)Llorenç Barber – "De sol a sol" (1995)Álvaro Martínez León - "Fuera de(l) tiempo" [Carlos Gálvez Taroncher, clarinete bajo; Enric Monfort, percusión] (2014)Josep Lluís Galiana - "Cant etern pel poble palestí" (2024)José Iges - "Seven Minutes Desert" [Patrician Mikishka, voz] (1991)Narcoléptica (Beatriz Vaca Campayo) - "Time Reversal" (2019)La Otra Cara de un Jardín (Francisco Felipe) - "Los últimos minutos de cada día" (1983)Más información: https://www.cinetecamadrid.com/programacion/capitulo-xix-musica-en-el-tiempo-escuchar-la-duracionEscuchar audio

Continuamos con el ciclo titulado "Relatos del ruido. Hacia una historia escuchada de la música experimental en España", que en esta tercera serie comprende un total de seis programas (desde el decimoquinto hasta el vigésimo capítulo), después de que al final de la temporada 2023-2024 de Ars Sonora presentásemos los anteriores episodios de este peculiar ejercicio de historiografía musical —el más ambicioso de los realizados hasta la fecha en nuestro ámbito cultural, al haber reunido (y analizado, y puesto en diálogo) los trabajos de más de dos centenares de artistas sonoros—.Este conjunto de programas está relacionado con el proyecto homónimo que se viene desarrollando desde febrero de 2023 en la Cineteca de Matadero Madrid; "Relatos del ruido" es también una serie de encuentros mensuales, celebrados en la Sala Borau de la mencionada Cineteca, dedicados a la escucha y al debate en torno a las músicas experimentales creadas en nuestro país durante las últimas décadas.El decimoctavo capítulo de estos "Relatos del ruido" lleva por título "Comer y sonar (un banquete musical)". Lo gastronómico inspira esta sesión de escucha, cuya receta sonora incluye referencias a los más variados alimentos, así como al propio acto de ingerir y al ambiente propio de la cocina. La comida se manifiesta, así, como una constante en la creación musical experimental española, un ámbito artístico frecuentemente relacionado con el hambre (no sólo en un sentido intelectual). Presentamos diversos fragmentos sonoros procedentes de los siguientes trabajos:GILFER - "Solo de batidora" (2024)Amidea Clotet - "Mete el pan en la lavadora" (2022)Gregorio Paniagua - "Spaghetti alla Milanese" (1980)Josep Lluís Galiana / Carlos D. Perales - "Achicoria" (2014)Carlos Cruz de Castro - "Menaje" (1970)El sueño de Hyparco (Antonio Dyaz) - "Platos Combinados" (2014)Miguel Ángel García - "Gallineja" (2014)Jaume Sisa - "Comiendo pollo" (1971)Carlos D. Perales - "Piano cake" (2021)Limpiamáquinas - "Tordo en salsa" (2022)Juan Manuel Cidrón - "Nueces de las que te gustaban" (1993)Eduardo Polonio - "Hoy comemos con Leonardo" (1991)Carles Santos - "Himne del Segon Congrés Català de Cuina" [Coral Pau Casals; Uma Ysamat, soprano] (2015)Flatus Vocis Trio (Llorenç Barber, Bartolomé Ferrando, Fátima Miranda) - "Tabula plena" (1990)Josep Lluís Galiana / Josu de Solaun - "Amuse-bouche" (2021)Isaac Diego - "Siete micropiezas para un banquete sonoro" (2012)Pablo Jordán - "Sound for carnivores" (2013)Daphne X - "12 Seabirds at the Fish Market" (2020)Neo Zelanda (María José González) - "Paso hambre" (1983)Más información: https://www.cinetecamadrid.com/programacion/capitulo-xviii-comer-y-sonar-un-banquete-musicalEscuchar audio

Continuamos con el ciclo titulado "Relatos del ruido. Hacia una historia escuchada de la música experimental en España", que en esta tercera serie comprende un total de seis programas (desde el decimoquinto hasta el vigésimo capítulo), después de que al final de la temporada 2023-2024 de Ars Sonora presentásemos los anteriores episodios de este peculiar ejercicio de historiografía musical —el más ambicioso de los realizados hasta la fecha en nuestro ámbito cultural, al haber reunido (y analizado, y puesto en diálogo) los trabajos de más de dos centenares de artistas sonoros—.Este conjunto de programas está relacionado con el proyecto homónimo que se viene desarrollando desde febrero de 2023 en la Cineteca de Matadero Madrid; "Relatos del ruido" es también una serie de encuentros mensuales, celebrados en la Sala Borau de la mencionada Cineteca, dedicados a la escucha y al debate en torno a las músicas experimentales creadas en nuestro país durante las últimas décadas.El decimoséptimo capítulo de estos "Relatos del ruido" lleva por título "Música numérica (matemática sonora)". Las relaciones entre música y matemática son profundas, antiguas y enigmáticas. Esta sesión de escucha no intentará desvelar esos misterios, sino más bien compartir una selección de composiciones de música experimental y arte sonoro en las cuales el número —en sus más diversas acepciones y sentidos— deviene protagonista. Presentamos diversos fragmentos sonoros procedentes de los siguientes trabajos:José Luis de Delás - "Cinco sellos" (1972)Dr. Truna (Andrés Blasco) - "Truna x 3" (2016)Juan Manuel Cidrón - "3" (2023)David Cordero - "32-A" (2024)Yolanda Uriz Elizalde - "110Hz_bb" (2018)Coeval (Juan Carlos Blancas) - "Bounces 72 (metasound)" (2014)Noelia Rodríguez - "Nono_0.1 Darkspace" (2014)Lucas Bolaño - "Taichung 10893" (2014)Fernando Millán - "En sí 7" (2014)Edith Alonso - "C14" (2014)Andrea Zarza - "11 Noises" (2014)Javier Piñango - "zero" (2015)Pedro Guajardo - "INFINITY (remix 2.0)" (2015)Carlos Cruz de Castro - "10 + 1" [Conjunto Instrumental de Madrid; Antoni Ros Marbá, director] (1975)Narcoléptica (Beatriz Vaca Campayo) - "10:00" (2020)Josep-Oriol Graus Ribas - "Intangible VI" (2015)Migala - "320m. to the Surface" [Nacho Vegas, theremin] (2019)Carlos González Bolaños - "flL ⇒ t- a+ == 2_a8m(cdm)" (2021)Germán Navarro - "6784" (2021)Germán Navarro - "4321" (2021)Más información: https://www.cinetecamadrid.com/programacion/capitulo-xvii-musica-numerica-matematica-sonoraEscuchar audio

Continuamos con el ciclo titulado "Relatos del ruido. Hacia una historia escuchada de la música experimental en España", que en esta tercera serie comprende un total de seis programas (desde el decimoquinto hasta el vigésimo capítulo), después de que al final de la temporada 2023-2024 de Ars Sonora presentásemos los anteriores episodios de este peculiar ejercicio de historiografía musical —el más ambicioso de los realizados hasta la fecha en nuestro ámbito cultural, al haber reunido (y analizado, y puesto en diálogo) los trabajos de más de dos centenares de artistas sonoros—.Este conjunto de programas está relacionado con el proyecto homónimo que se viene desarrollando desde febrero de 2023 en la Cineteca de Matadero Madrid; "Relatos del ruido" es también una serie de encuentros mensuales, celebrados en la Sala Borau de la mencionada Cineteca, dedicados a la escucha y al debate en torno a las músicas experimentales creadas en nuestro país durante las últimas décadas.El decimosexto capítulo de estos "Relatos del ruido" lleva por título "Sonidos danzantes (cuerpos, movimientos, resonancias)". Esta sesión de escucha recorre algunos vínculos entre la danza contemporánea, las músicas experimentales y el arte sonoro. Presentamos obras compuestas para acompañar el movimiento de bailarines, pero también otras piezas que evocan (o incluso recrean) los movimientos del cuerpo humano. Coreografías sonoras, en fin. Esta sesión de "Relatos del ruido" se desarrolla en colaboración con el Festival Gatadans, dirigido por Javier Mosquera de la Vega, que se celebra en diferentes sedes de la Comunidad de Madrid. Presentamos diversos fragmentos sonoros procedentes de los siguientes trabajos:Eduardo Polonio - "Paso a dos" (1976)Camino al desván - "Adjudicado a la danza" (1984)Oniropompo (Enrique del Castillo y Valentín Ramos) - "Extraña danza de los aborígenes" (2016)Wolf Vostell - "Fandango" (1975)Comando Bruno (Rafael Flores) - "Danza" (1986)Charo Calvo - "Trio for Boys" (1991)Reyes Oteo - "Mademoiselle Contorsioniste" (2013)Ainara LeGardon - "El fin de las cosas" (2017)Tomomi Kubo - "Azul" (2021)Aire (Daniel Sánchez Rodríguez) - "FLOP" (2024)Clara Fiol / Jansky - "S'Albufera" (2024)Alfonso García de la Torre - "Acuarela" [Roberto Casado, flauta] (2012)César Camarero - "Instrucciones para dejarse caer al otro lado del vacío" [Academia de música contemporánea de la Joven Orquesta Nacional de España; Fabián Panisello, director] (2006)Fernando Monedero - "Lo animal avanza" (2023)Sirius (Guillermo Lauzurika / Alfonso García de la Torre / Ignacio Monterrubio) - "Sujetos" (2008)Okeans (Marina Santamaría) - "Here’s to life" (2023)Más información: https://www.cinetecamadrid.com/programacion/capitulo-xvi-sonidos-danzantes-cuerpos-movimientos-resonanciasEscuchar audio

Retomamos el ciclo titulado "Relatos del ruido. Hacia una historia escuchada de la música experimental en España", que en esta tercera serie comprenderá un total de seis programas (desde el decimoquinto hasta el vigésimo capítulo), después de que al final de la temporada 2023-2024 de Ars Sonora presentásemos los anteriores episodios de este peculiar ejercicio de historiografía musical —el más ambicioso de los realizados hasta la fecha en nuestro ámbito cultural, al haber reunido (y analizado, y puesto en diálogo) los trabajos de más de dos centenares de artistas sonoros—.Este conjunto de programas está relacionado con el proyecto homónimo que se viene desarrollando desde febrero de 2023 en la Cineteca de Matadero Madrid; "Relatos del ruido" es también una serie de encuentros mensuales, celebrados en la Sala Borau de la mencionada Cineteca, dedicados a la escucha y al debate en torno a las músicas experimentales creadas en nuestro país durante las últimas décadas.El decimoquinto capítulo de estos "Relatos del ruido" lleva por título "Homenaje a Rebecca Collins (1982-2024)". El pasado 26 de junio falleció, tras una breve, repentina y devastadora enfermedad, Rebecca Louise Collins, artista sonora, investigadora de la escucha, comisaria de proyectos relacionados con la música experimental, y asidua seguidora —al igual que su pareja, David G. Cerdeño— de este ciclo, "Relatos del ruido". Con este homenaje compartiremos un conjunto de creaciones sonoras que nos ayudarán a recordarla, y que en muchos casos nunca habrían llegado a existir sin su estímulo y su imaginación —tan audaces y generosos que resultarán imposibles de olvidar—. Presentamos diversos fragmentos sonoros procedentes de los siguientes trabajos:Silvia Zayas - ruido ê (2023)Ode Asiguenolaza - An Acoustic Balade (2019)Concha Jerez y José Iges - Spoken Madrid (1992)Ixiar Rozas - Siempre (2020)Susana Jiménez Carmona - Un cuerpo-oído (2024)Marina Santamaría (Okeans) - Rebecca (2024)Menhir (Coco Moya e Iván Cebrián) - Black Hole (2022)Ixiar Rozas - Siempre_ (2020)Laura Romero - Paseo hacia las estrellas con Sara (2022)Roger Bernat - Dominio público (2008)Ainara LeGardon - An Inkling (2024)Más información: https://www.cinetecamadrid.com/programacion/homenaje-rebecca-collins-1982-2024Escuchar audio

Exploramos, en esta edición de Ars Sonora, la rica trayectoria creativa del poeta y performer Bartolomé Ferrando (Valencia, 1951) una de las figuras más destacadas en el ámbito de la poesía experimental dentro del contexto español. A través de una conversación registrada el pasado 13 de febrero en la Galería Freijo de Madrid con motivo de la presentación de su último libro, "En la línea del horizonte" (publicado por la editorial La única puerta a la izquierda), trazamos un recorrido por las múltiples facetas de un artista que ha transitado desde la filología hacia la poesía visual, fonética y sonora, explorando territorios creativos que conectan la palabra con el gesto, el sonido (semántico o no) y la performance.El programa se articula como un diálogo íntimo entre disciplinas, en el cual participan, junto a Ferrando, la galerista Angustias Freijo (quien ya visitó nuestros estudios en 2018 con motivo de la celebración en su galería de la exposición "Sonido visible", comisariada por José Iges) y el editor Juanje Sanz Morera. Este encuentro nos permite adentrarnos en las conexiones entre poesía discursiva y experimentación fonética que caracterizan el trabajo de quien fuera, durante varias décadas, profesor titular de performance en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Politécnica de Valencia —también recordamos, en nuestra conversación, esta importante etapa en la trayectoria del artista, inicialmente impulsada por el artista visual José María Yturralde—. Ferrando nos regala, además, varias piezas fonéticas improvisadas, en las cuales incorpora un lenguaje de su propia creación que articula de forma aleatoria y fragmentaria, siguiendo una línea estética enraizada en un creacionismo que, como se manifiesta claramente en esta conversación, el poeta valenciano nunca ha abandonado.Recordamos también las colaboraciones históricas que han marcado la evolución artística de Ferrando, desde su participación en el ya legendario Flatus Vocis Trío junto a Fátima Miranda y Llorenç Barber en los años ochenta (un fragmento de "Tabula plena" nos ayuda a rememorar estas andanzas), hasta trabajos más recientes como el disco "Música en ropa interior" (2023), realizado en colaboración con Avelino Saavedra (y publicado por el sello Liquen Records, que dirige el también músico Josep Lluís Galiana), así como sus experiencias camerísticas junto a artistas como Cova Villegas y Laura Tejeda. El libro que motiva esta presentación incorpora una dimensión multimedia pionera: códigos QR que permiten acceder a grabaciones sonoras —las cuales nosotros también escuchamos en este programa— realizadas en un pozo del siglo pasado, estableciendo un diálogo entre texto, fotografía y paisaje sonoro que ejemplifica la búsqueda constante de Ferrando por trascender las fronteras disciplinares entre poesía, artes visuales y música.El acto de presentación de "En la línea del horizonte" concluyó con una performance del autor —cuyos sonidos también compartimos, en el final de nuestra emisión— que fue registrada por Juan Vacas de Bruchard, asistente de dirección de la citada Galería Freijo, a quien expresamos nuestro agradecimiento por su colaboración, al igual que a todos los participantes en este diálogo.Escuchar audio

Nos adentramos, en esta edición de Ars Sonora dedicada a la compositora belga Ingrid Drese (Amel, 1957), en dos de sus obras más emblemáticas, en las cuales convergen la física, la cosmología y la experimentación electroacústica. Drese, formada en el Real Conservatorio de Mons bajo la tutela de Annette Vande Gorne y colaboradora de figuras como François Bayle, ha consolidado una trayectoria que une pedagogía, creación sonora y diálogo interdisciplinar con científicos y artistas. La primera pieza, "Treize virgule huit" (2018-2019), surge de su colaboración con el astrofísico Marc Moniez. El título alude a los 13.800 millones de años estimados de edad del universo, cifra que estructura la narrativa sonora de la obra. A través de cinco secciones interconectadas (Fournaise, Errance, Chaos, Attente y Danse), Drese traduce fenómenos cósmicos —como las ondas gravitacionales y la expansión térmica del universo— en un paisaje acústico en continua evolución. Utilizando sonidos sintéticos generados con el software "Mathematica", así como técnicas electroacústicas tradicionales, la composición acelera progresivamente su "tempo", simbolizando la compresión del tiempo cósmico desde el Big Bang hasta la actualidad. Estrenada en el Musée Curie de París, esta obra refleja el interés de la compositora en la integración de datos científicos en los procesos creativos, transformando conceptos abstractos en experiencias auditivas inmersivas. A continuación, en "Pérégrinations d'une petite sphère happée par le temps" (2020), obra dedicada a François Bayle, Drese aborda la percepción subjetiva del tiempo. La "pequeña esfera" del título actúa como metáfora de su fluir inexorable, representado mediante sonidos concretos modificados digitalmente. La pieza, estructurada mediante una serie de desplazamientos y pausas, combina texturas erráticas con momentos de quietud, evocando en el oyente la ilusión propia de un flujo temporal continuo que experimenta sucesivas detenciones temporales.Escuchar audio

En esta segunda entrega del monográfico dedicado a Pierre Boulez con motivo de su centenario, Ars Sonora profundiza en la madurez creativa del compositor francés, analizando su integración de las tecnologías electroacústicas con los instrumentos tradicionales, así como su papel como fundador del IRCAM. La emisión traza un arco temporal que abarca desde "Répons" (1981-1984) hasta "Anthèmes II" (1997), revelando cómo Boulez superó su inicial escepticismo hacia los medios electrónicos para crear obras pioneras en la interacción entre instrumentos acústicos y procesamiento digital. La fundación del IRCAM (Institut de Recherche et Coordination Acoustique/Musique), en 1977, marcó un punto de inflexión en la carrera de Boulez. A diferencia de laboratorios y estudios de grabación anteriores, como el GRM regido por Pierre Schaeffer también en París, el IRCAM combinó la investigación científica con la creación artística bajo una filosofía interdisciplinar. El IRCAM, por lo demás, no fue solo un centro tecnológico, sino un manifiesto arquitectónico: su diseño subterráneo bajo el Centre Pompidou intentaba simbolizar la ruptura con las tradiciones más academicistas (desde la perspectiva actual, ciertamente debe cuestionarse si este propósito ha sido alcanzado o no). Este "Silicon Valley de la música contemporánea" —así lo denominó, algo exageradamente, el semanario The New Yorker en 1984— permitió a Boulez, por ejemplo, materializar las ideas esbozadas en "Poésie pour pouvoir" (1958), obra que —tal y como se argumentó en el programa anterior— el compositor abandonó debido a las limitaciones técnicas del momento, pero cuya problemática resurgió en "Répons". Para este proyecto el propio Boulez coordinó equipos multidisciplinares dentro de los cuales ingenieros como Andrew Gerzso desarrollaron sistemas de procesamiento en tiempo real que revolucionaron la espacialización sonora. Estrenada en 1981 y expandida hasta 1984, "Répons" representa la culminación de dos décadas de investigación. La obra establece un "juego de espejos acústicos" entre seis solistas (arpa, címbalo, vibráfono, glockenspiel/xilófono y dos pianos), una orquesta de cámara y un sistema de veinticuatro altavoces. Boulez utilizó algoritmos desarrollados en el IRCAM para transformar los sonidos instrumentales en tiempo real, creando una textura donde lo acústico y lo digital se entrelazan como en un caleidoscopio sonoro. La estructura en espiral de la obra —organizada en una introducción, ocho secciones y una coda— retoma el concepto medieval de canto responsorial, actualizándolo mediante técnicas de espacialización que envuelven al oyente. Como señaló el crítico Paul Griffiths, "cada intervención solista genera un eco digital que se propaga por la sala como onda expansiva". Por su parte, en "Dialogue de l'ombre double" (1985), Boulez traslada al terreno electroacústico la dualidad presente en el drama "El zapato de raso" de Paul Claudel. El clarinete solista interactúa con su "doble espectral" —una parte pregrabada procesada mediante líneas de retardo y modulaciones de frecuencia—, en un juego de ausencias/presencias que anticipa conceptos propios de la realidad virtual. La musicóloga Carmen Noheda ha destacado cómo la espacialización a través de seis altavoces crea una "topografía sonora móvil", dentro de la cual el intérprete físico y su avatar electrónico negocian constantemente su posición en el espacio. Esta obra, concebida como homenaje a Luciano Berio, sintetiza el interés de Boulez por la poética del espejo —tema recurrente en su catálogo— mediante el uso de una tecnología que convierte cada gesto instrumental en un material sonoro extremadamente maleable. La génesis de "...explosante-fixe..." (1991-1993) revela el método compositivo bouleziano: partiendo de un esbozo de 1972 concebido como elegía a Stravinsky, el compositor desarrolló durante dos décadas un sistema de variaciones infinitas mediante herramientas digitales. La flauta MIDI solista —instrumento híbrido que combina sensores de movimiento con síntesis granular— dialoga con dos "flautas sombra" y un ensemble, mientras un conjunto de algoritmos genera derivaciones microtonales en tiempo real. Boulez describe el proceso como "geología sonora": cada capa estratigráfica revela nuevas relaciones entre el material temático original y sus transformaciones electrónicas. El título, tomado de André Breton, encapsula esta tensión entre lo fijo ("fixe") y lo explosivo ("explosante"), entre la partitura escrita y la improvisación algorítmica. En su última incursión electroacústica, "Anthèmes II" (1997), Boulez lleva al extremo el concepto de instrumento aumentado. El violín solista se multiplica digitalmente mediante un sistema de muestreo en tiempo real, creando un "cuarteto virtual" donde cada línea responde a parámetros gestuales capturados por sensores. La obra estructura seis secuencias que exploran desde el "glissando" continuo hasta pulsaciones rítmico-armónicas, siempre mediadas por procesamientos espectrales. Como señala el violinista Hae-Sun Kang, "la electrónica no acompaña, sino que devora y regurgita el material sonoro, obligando al intérprete a renegociar constantemente su rol". Al conmemorar el centenario bouleziano, se impone una reflexión crítica sobre la relevancia histórica y actual de sus innovaciones (estéticas y, particularmente, políticas —sobre todo en el ámbito de la gestión cultural, donde el poder ejercido por Boulez no tuvo parangón—). Si bien el IRCAM continúa representando una referencia en el terreno de la música computacional, su modelo verticalista —radicalmente contrario a los planteamientos propios del código abierto ("open source"), más horizontales y democráticos— viene siendo cuestionado, desde hace décadas, por las nuevas generaciones de compositores y, especialmente, de artistas sonoros. La paradoja final reside en que obras como "Répons", concebidas para tecnología punta, hoy se interpretan mediante simples emulaciones de software que se actualizan constantemente, y que hoy ya pueden ejecutar los más sencillos —y baratos— sistemas de procesamiento digital. Como afirma el compositor Tristan Murail, "Boulez creó máquinas del tiempo sonoras, dispositivos donde pasado y futuro colisionan en un presente perpetuo". En cualquier caso, este doble monográfico ayuda a constatar cómo Boulez trascendió su etapa de "joven furia" serialista para convertirse en un arquitecto de nuevos paisajes acústicos. Sus investigaciones en el IRCAM no solo produjeron obras seminales, sino que redefinieron el estatuto epistemológico de la composición, fusionando arte, ciencia y filosofía en un proyecto totalizador. En un contexto cultural donde la música electroacústica lucha por mantener su relevancia, el legado de Boulez persiste como desafío: ¿puede la tecnología continuar siendo un fértil territorio de innovación estética y no un mero instrumento de reproducción de las estructuras de poder institucionalizadas?Escuchar audio

El doble programa monográfico que aquí comienza se centra en la presentación de la obra electroacústica de Pierre Boulez, cuyo centenario conmemoramos este año. El compositor y director francés, nacido el 26 de marzo de 1925 en Montbrison y fallecido en enero de 2016 en Baden-Baden, mantuvo una relación compleja pero significativa con los medios electrónicos, acerca de la cual reflexionaremos a lo largo de estas dos emisiones de nuestro espacio.El programa comienza con una contextualización de esta serie de conmemoraciones centenarias que Ars Sonora viene realizando en los últimos años, recordando los monográficos dedicados a figuras como Iannis Xenakis y Henri Chopin (2022), György Ligeti (2023), Else Marie Pade, Luigi Nono y Klaus Huber (todos en 2024) o, más recientemente, Cathy Berberian (2025). Estas remembranzas no aspiran a convertirse en nostálgicos ejercicios conmemorativos, sino más bien en valiosas oportunidades para reevaluar el legado y la vigencia actual de estos creadores fundamentales.Escuchamos, después, en orden cronológico, los resultados de las más tempranas incursiones de Boulez en el terreno electroacústico, comenzando con los "Deux Etudes" (1951), que recogen sus primeras experimentaciones con cinta magnética (realizadas en los estudios del Groupe de Recherche de la Radiodiffusion Française, bajo la dirección de Pierre Schaeffer). Tras presentar estos estudios, poco conocidos, abordamos la compleja relación del compositor con la música electrónica, su inicial escepticismo y su famosa comparación de la música electroacústica pregrabada con "la ceremonia propia de un crematorio".Exploramos después la "Symphonie mécanique" (1955), otra obra de música concreta compuesta, en este caso, para un cortometraje experimental del cineasta francés Jean Mitry. Boulez utiliza en ella grabaciones de sonidos industriales y mecánicos, transformándolos y organizándolos de manera musical para crear una "sinfonía" que refleja y amplifica las imágenes de Mitry. Esta pieza, estructurada en doce secuencias encadenadas e igualmente realizada en el contexto propio del Grupo de Investigación de Música Concreta de la Radiodifusión-Televisión Francesa en París, representa la última incursión de Boulez en la música concreta y su única contribución a la música cinematográfica.El programa culmina con la audición de "Poésie pour pouvoir" (1958), composición para orquesta y cinta basada en un poema de Henri Michaux. A través de las investigaciones de la musicóloga Aï Higashikawa, analizamos este primer intento de Boulez por integrar elementos orquestales y electrónicos en una obra que el compositor retiró de su catálogo tras su estreno en el Festival de Donaueschingen, pero que sentaría las bases para futuras creaciones como "Répons", que presentaremos en la segunda parte de este monográfico.En esa próxima edición de Ars Sonora continuaremos indagando acerca de la relación de Pierre Boulez con la música electrónica, centrándonos en sus obras más maduras y en su legado como fundador del IRCAM (Institut de Recherche et Coordination Acoustique/Musique) de París.Escuchar audio

Continuamos celebrando —tras la introducción presentada hacia el final de la anterior emisión de Ars Sonora— el centenario del nacimiento de la vocalista y compositora estadounidense, de ascendencia armenia, Cathy Berberian, una de las voces más influyentes y versátiles del siglo XX. El programa explora la trayectoria de Berberian desde su formación en la Universidad de Columbia hasta sus colaboraciones con compositores como Luciano Berio y John Cage. Comenzamos escuchando algunas obras emblemáticas, como "Thema (Omaggio a Joyce)" (1958), que utiliza la voz de Berberian como materia prima sonora para crear una particular relectura del undécimo capítulo del "Ulysses" de James Joyce, y la "Sequenza III" (1965), también de Berio, que desafía las convenciones del canto clásico (estas audiciones nos sirven, también, para conmemorar el centenario de Luciano Berio, pues el compositor italiano nació el 24 de octubre de 1925).Analizamos seguidamente el concepto de "nueva vocalidad" propuesto por Berberian en 1966 con el propósito de defender la necesaria integración de diferentes estilos y técnicas vocales, tal y como se manifiesta en su propia composición "Stripsody" (1966), una obra basada en onomatopeyas de cómics. Presentamos, tras la interpretación de esta pieza realizada por la propia autora, otra lectura del mismo trabajo protagonizada por Clare Lesser, que en paralelo a su carrera como soprano desarrolla una brillante trayectoria académica (que próximamente nos brindará el esperado libro "A Radical Decentering – Deconstructing Radio in Works by John Cage and Karlheinz Stockhausen 1950-1970" —cuya publicación en la editorial Palgrave Macmillan está prevista para este mismo año, 2025—, así como otra intrigante monografía titulada "Cage, Nono and 1960s Hauntology: Sonic Ghosts" —que también está previsto que aparezca este año dentro de la prestigiosa serie "Elements in Music since 1945" de Cambridge University Press—).La sección final del programa está dedicada a las colaboraciones de Cathy Berberian con John Cage; recordamos "Aria" (1958) —obra que escuchamos superpuesta con la pieza electroacústica "Fontana Mix", compuesta ese mismo año por Cage—, "The Wonderful Widow of Eighteen Springs" y "A Flower" (1942), que muestran la versatilidad de Berberian y su capacidad para interpretar partituras no convencionales. Ars Sonora rinde así un homenaje a esta artista pionera, fallecida en 1983 (con solamente cincuenta y siete años), cuyo legado sigue inspirando a nuevas generaciones de cantantes y compositores en la exploración de las posibilidades, infinitas, de la voz humana.Escuchar audio

En esta última entrega del ciclo de Ars Sonora dedicado al compositor suizo Klaus Huber (1924-2017) profundizamos en su obra "Quod est pax? Vers la raison du cœur" ("¿Qué es la paz? Hacia la razón del corazón"), compuesta en 2007, e interpretada —en la versión que aquí les ofrecemos— por la Orquesta Sinfónica de la SWR, bajo la dirección de Rupert Huber, junto al conjunto vocal Les Jeunes Solistes, la percusionista Nora Thiele y las siguientes voces solistas: Anne-Marie Jacquin (soprano), Lucie Lacoste (mezzosoprano), Sebastian Amadieu (contratenor), Hubert Mayer (tenor) y Alain Lyet (bajo). Se trata de una grabación en directo, realizada en el contexto del Festival de Donaueschingen (los Donaueschinger Musiktage) en su edición del año 2007. Este registro fue editado en cedé al año siguiente por el sello discográfico NEOS, con el apoyo de la Fundación BBVA.Mediante el análisis de la citada obra, este programa —que también se integra dentro de la serie "Instrumentos 'exóticos'" (siempre entrecomillando la palabra "exóticos", por supuesto)— explora la fusión de diferentes tradiciones musicales y complejas reflexiones filosóficas que definen el legado de Huber, y que combinan la instrumentación occidental con la percusión árabe, así como con textos (interpretados por cinco voces solistas) de Jacques Derrida, Octavio Paz —cuya voz nosotros escuchamos en este programa, a través de una grabación en la que el poeta recita un fragmento de "El cántaro roto"—, Simone Weil y el propio compositor.La pieza se divide en dos partes conectadas sin solución de continuidad. La primera sección, basada en fragmentos del citado poema de Octavio Paz, aborda la dualidad vida-muerte mediante un peculiar tratamiento instrumental: siete contrabajos afinados en tercios y sextos de tono generan una marcha fúnebre centrada en un mi bemol grave, mientras los violines crean una textura etérea generando armónicos agudos. Esta oposición sonora simboliza la tensión entre lo terrenal y lo trascendente, reforzada por la línea vocal que declama las siguientes palabras: "Somos un solo tallo con dos flores gemelas". La segunda parte incorpora textos de Derrida, incluyendo su reflexión sobre "la razón del corazón" —concepto inspirado en el pensamiento de Blaise Pascal—, y proponiendo una idea sobre la paz en virtud de la cual ésta se plantea como un acto de amor, así como de resistencia política. Huber integra aquí instrumentos árabes, como el daf y el riqq, cuyos ritmos se entrelazan con la orquesta para subrayar el diálogo intercultural. La percusión árabe, lejos de ser un elemento decorativo, actúa en este ambicioso trabajo como puente entre tradiciones, lo que ayuda a cuestionar la propia noción de "exoticismo" y proponiendo una escucha de amplios horizontes. El epílogo orquestal sintetiza esta búsqueda de unidad a través de un "tutti" cadencial que oscila entre la extrema disonancia y una cierta resolución de carácter armónico.Con esta audición, Ars Sonora no solo cierra su homenaje a Huber, sino que también anticipa su próxima emisión, dedicada a conmemorar el centenario de la vocalista de ascendencia armenia Cathy Berberian (1925-1983), cuya obra ayudará a ampliar los márgenes de las exploraciones propias de nuestro ciclo "Instrumentos 'exóticos'".Concluimos así este recorrido por la música de Klaus Huber, que nos ha servido para recordar su enorme capacidad para fusionar el máximo rigor compositivo con un profundo humanismo, así como para reafirmar el papel de Ars Sonora como un espacio de diálogo y reflexión entre la vanguardia musical y las urgencias éticas de nuestro tiempo.Escuchar audio

Esta emisión, inscrita como tercer episodio dentro ciclo monográfico de cuatro programas consagrado al compositor suizo Klaus Huber (1924-2017), también forma parte de la serie de Ars Sonora titulada "Instrumentos 'exóticos'" (subrayando siempre el uso de las comillas en este último término), iniciada en 2023 y dedicada a rastrear la presencia de instrumentos y técnicas de otras tradiciones culturales en la (llamada) música contemporánea occidental.Tras las dos entregas anteriores —centradas en la música de Huber escrita para para órgano, por un lado, y en el oratorio "Erniedrigt – Geknechtet – Verlassen – Verachtet", por otro—, este programa explora una faceta menos transitada pero esencial en la trayectoria del compositor: su aproximación a tradiciones musicales diferentes de la europea. Como comprobaremos, la obra del autor suizo —profundamente espiritual y comprometida— se nutre de influencias y materiales procedentes de contextos lejanos, desdibujando continuamente los límites entre lo propio y lo ajeno.La primera audición que presentamos es "Rauhe Pinselspitze" ("Punta áspera del pincel", de 1992), una breve pero intensa pieza para violonchelo y percusiones coreanas. Interpretada por Alexis Descharmes en el instrumento de cuerda y Jean-Baptiste Leclère en el buk —un tambor tradicional coreano—, esta obra ejemplifica el diálogo entre la tradición europea y los timbres de raigambre asiática, generando una textura sonora que emborrona cualquier frontera estilística y abre nuevas perspectivas estéticas.El núcleo del programa lo constituye la escucha íntegra de "...à l’âme de descendre de sa monture et aller sur ses pieds de soie..." ("... al alma de descender de su montura y caminar sobre sus pies de seda..."), compuesta entre 2002 y 2004. Esta obra, de más de media hora de duración, se basa en extractos del poema "Estado de sitio" del poeta palestino Mahmoud Darwich, escrito en Ramala en 2002. Huber construye aquí un concierto para violonchelo (interpretado por Walter Grimmer en esta grabación —editada por el sello NEOS con el apoyo de la Fundación BBVA, como sucedía con otras obras de Huber presentadas anteriormente en este ciclo—), acordeón (con Hugo Noth), percusión (con Michael Pattmann) y voces (con el barítono Max Engel y la contralto Katharina Rikus). Una ambiciosa composición en la que la palabra poética y la música se entrelazan para evocar la fragilidad, la resistencia y la dignidad en contextos de conflicto —cuya escucha, en el alarmante momento actual, nos sirve para recordar a las víctimas del genocidio que el Estado de Israel continúa perpetrando contra el pueblo palestino en la Franja de Gaza—).Escuchar audio

Continuamos el ciclo dedicado al compositor suizo Klaus Huber (1924-2017) con motivo del centenario de su nacimiento —que conmemoramos algo tardíamente—. Tras la primera entrega, centrada en su música para órgano, este programa se adentra en una de las obras más ambiciosas y significativas de Huber, el oratorio titulado "Erniedrigt – Geknechtet – Verlassen – Verachtet" ("Humillado – oprimido – abandonado – despreciado"), compuesto para voces solistas, coro, orquesta y cinta magnética.Huber inició la escritura de "Erniedrigt – Geknechtet – Verlassen – Verachtet" en 1975, si bien la forma definitiva de la obra no se alcanzó hasta el final de un periodo de reescritura que se extendió entre 1978 y 1983. Se trata de una obra de gran formato, tanto por su duración como por la complejidad de su plantilla y la profundidad de su mensaje. Este oratorio, construido a partir de textos de Ernesto Cardenal, Florian Knobloch, Carolina Maria de Jesus y George Jackson, articula una reflexión sobre el sufrimiento, la opresión y la dignidad humana, temas recurrentes en el pensamiento y la creación de Huber. La interpretación que escuchamos cuenta con la participación de Anne Haenen (mezzosoprano), Theophil Maier (tenor y narrador), Paul Yoder (bajo barítono), el Tölzer Knabenchor, la Schola Cantorum y el SWR Vokalensemble (ambos con sede en Stuttgart), la orquesta sinfónica de la SWR (con sede en Baden-Baden y Friburgo), y la dirección de Matthias Bamert, junto a Kenneth Jean, Burkhard Rempe y Arturo Tamayo como codirectores. El registro nos llega a través de una magnífica edición realizada por el sello NEOS, con el apoyo de la Fundación BBVA.A partir del análisis de la obra realizado por el musicólogo suizo Max Nyffeler, intentamos desentrañar algunas de las claves técnicas, expresivas y filosóficas de la obra, destacando la capacidad de Huber para integrar recursos contemporáneos —como el uso de la cinta magnética— con una escritura coral y orquestal de gran riqueza en matices, así como el profundo compromiso del compositor con la denuncia de la injusticia y la búsqueda de una dimensión trascendente en la música. La audición de "Erniedrigt – Geknechtet – Verlassen – Verachtet" se presenta como una experiencia intensa y transformadora, en la que la música se convierte en vehículo de memoria, resistencia y esperanza.Escuchar audio

Esta emisión representa, por una parte, el cierre del conjunto de cuatro programas que hemos dedicado estas últimas semanas a la presencia del órgano en las músicas experimentales (como parte de una serie mucho más amplia, que ya se había iniciado con anterioridad y que volveremos a retomar dentro de unos meses) y, por otra parte, el inicio de un ciclo monográfico de otros cuatro programas que versará sobre el compositor suizo Klaus Huber (1924-2017), cuyo centenario se celebró en noviembre de 2024 —si bien la generalizada ausencia de conmemoraciones de esta efeméride, especialmente en el contexto cultural español, nos impulsa ahora a emprender esta indagación radiofónica—. Aunque la figura de Huber pueda resultar menos conocida que la de otros compositores coetáneos, su influencia como creador, teórico y pedagogo ha sido fundamental en la música contemporánea europea, como demuestra la destacada nómina de discípulos que formó a lo largo de su carrera (Thüring Bräm, Hans-Ola-Ericsson, Reinhard Febel, Brian Ferneyhough, Ulrich Gasser, Daniel Glaus, Toshio Hosokawa, Michael Jarrell, Younghi Pagh-Paan, André Richard, Wolfgang Rihm, Kaija Saariaho, Alfred Schweizer, Hans Wüthrich...).Este primer programa, como se mencionaba anteriormente, se centra en la producción de Huber para órgano, instrumento al que dedicó algunas de sus páginas más significativas. El recorrido comienza con la "Sonata da chiesa" (1953), para violín y órgano, una obra de juventud que revela la temprana inclinación del compositor por el diálogo entre instrumentos y la exploración de sus posibilidades tímbricas. A continuación escuchamos "In te Domine speravi" (1964), breve fantasía para órgano Merklin, que permite apreciar la evolución de Huber hacia un lenguaje más personal y experimental. La emisión culmina con la audición de "Metanoia" (1995), obra para órgano solista que representa la madurez creativa del compositor y su profunda conexión con la espiritualidad, ya que invita al oyente a una experiencia meditativa y transformadora.Nuestro homenaje a Klaus Huber continuará, en la segunda entrega de este ciclo que ahora comienza, con su monumental oratorio "Erniedrigt – Geknechtet – Verlassen – Verachtet"("Humillado, oprimido, abandonado, despreciado"), una obra de gran formato para voces, coro, orquesta y cinta en la que Huber articula una profunda reflexión sobre el sufrimiento y la dignidad humana a partir de textos de Ernesto Cardenal, Carolina Maria de Jesus, George Jackson y Florian Knobloch. La tercera emisión explorará la faceta de Huber como creador permeable a otras tradiciones musicales, presentando obras en las que dialoga con instrumentos y sonoridades "exóticas", como "Rauhe Pinselspitze" (para violonchelo y percusiones coreanas) y "...à l’âme de descendre de sa monture et aller sur ses pieds de soie...", basada en textos del poeta palestino Mahmoud Darwich. Finalmente, en la cuarta y última entrega de esta serie dedicada a Klaus Huber, abordaremos la escucha de "Quod est pax? Vers la raison du cœur" ("¿Qué es la paz? Hacia la razón del corazón"), una obra que fusiona la instrumentación occidental con la percusión árabe, y que se apoya en textos de Jacques Derrida, Octavio Paz, Simone Weil y el propio Huber para plantear una profunda reflexión sobre la paz, la razón y las pasiones humanas. Estas dos últimas emisiones de este pequeño ciclo nos permitirán reabrir otra de las líneas de investigación que, como la dedicada al órgano, aparecen periódicamente en la programación de Ars Sonora (en este caso se trata de la que aborda el uso de instrumentos "exóticos" —siempre con intencionadas comillas en el uso de este término— dentro del repertorio propio de la creación musical contemporánea occidental).Con este ciclo invitamos a los oyentes de Ars Sonora a descubrir la riqueza y la vigencia del legado de Klaus Huber, sondeando las diferentes etapas y dimensiones de su creación, con el propósito de profundizar dentro de un territorio sonoro tan fértil como comprometido, pero quizá aún no suficientemente valorado y reconocido.Escuchar audio

Continuamos el homenaje —iniciado la semana pasada— al compositor minimalista estadounidense Tom Johnson (1939-2024), figura fundamental de la música experimental nacido en Greeley (Colorado), y fallecido en París el pasado 31 de diciembre de 2024, a los 85 años.Esta emisión se centra en la audición íntegra de "Orgelpark Color Chart", una de las composiciones más singulares de Johnson, escrita para cuatro órganos y grabada en directo en el Orgelpark de Ámsterdam el 13 de mayo de 2010. Los intérpretes de esta versión fueron Geerten van de Wetering (órgano Sauer), Hans van Haeften (órgano Verschueren), Jeroen Koopman (órgano Molzer) y Dorien Schouten (órgano Van Leeuwen)."Orgelpark Color Chart" propone un descenso progresivo a través de las diferentes octavas del órgano, comenzando con registros agudos y avanzando gradualmente hacia frecuencias más graves y cálidas. Los primeros minutos, de tonos penetrantes y agudos, generan una atmósfera inquietante, que se va transformando en un zumbido profundo y envolvente a medida que la obra avanza. El crítico Jack Chuter ha comparado este proceso con el aterrizaje de un avión: al principio, la música flota de manera inestable, con una sensación de vacío por la ausencia de graves, hasta asentarse en un registro más cálido y vibrante. Los cuatro intérpretes entran y salen de la textura musical, generando una sensación de movimiento y estructura que evita la monotonía y convierte la obra en una experiencia auditiva intensa y vertiginosa. Con esta emisión completamos el doble monográfico dedicado a Tom Johnson desde Ars Sonora, recordando su legado como una de las grandes figuras del minimalismo musical. Su obra, marcada por la exploración de estrictos procesos lógicos y sólidas estructuras matemáticas, así como por la indagación en la poética del silencio, continúa —y, sin duda, continuará, por muchos años— inspirando a nuevas generaciones de creadores.Escuchar audio