MALASOMBRA

El brutalismo soviético es uno de los lenguajes arquitectónicos más reconocibles —y más malinterpretados— del siglo XX. En este episodio del podcast abordamos su origen, su contexto político y social, y las ideas que lo sostienen, alejándonos tanto de la nostalgia acrítica como del rechazo automático. Hablamos de hormigón, escala, repetición y monumentalidad, pero también de vivienda, planificación urbana y vida cotidiana en la URSS y en los países del bloque del Este. ¿Qué problemas intentaba resolver esta arquitectura? ¿Qué ideales proyectaba? ¿Por qué hoy provoca fascinación, rechazo o una mezcla incómoda de ambos? Un recorrido sereno y documentado por el brutalismo soviético, pensado para entenderlo más allá de la estética, como una respuesta concreta a un momento histórico, a unas condiciones materiales y a una forma determinada de imaginar lo colectivo.

Una reflexión crítica sobre el legado de Mugler y la vigencia de su obra en el siglo XXI. Su manera de entender el espectáculo, la construcción del deseo y el cuerpo como campo de experimentación filosófica lo sitúa como uno de los diseñadores más radicales de la historia. Revisamos sus iconos, sus metamorfosis y su visión del poder femenino.

William Blake fue poeta, grabador, místico y uno de los creadores más singulares de la historia del arte. En este video exploramos su obra desde sus visiones más tempranas hasta la construcción de su propio universo simbólico, donde conviven ángeles, profetas, revolución política e interrogaciones sobre la condición humana. Analizamos su poesía, sus iluminated books, su técnica de grabado y la manera en que desafió tanto a su tiempo como a las corrientes artísticas que vendrían después. También abordamos su relación con la tradición bíblica, el Romanticismo, la imaginación como forma de resistencia y la vigencia contemporánea de su pensamiento. Si te interesa la historia del arte, la literatura inglesa, el simbolismo o la figura del artista visionario, este video te dará un recorrido claro y profundo por la obra de Blake.

Analizamos el mercado del arte contemporáneo en profundidad

Robert Frank cambió la historia de la fotografía con The Americans, un fotolibro que rompió con todas las convenciones de la imagen documental en el siglo XX. En este video analizamos en profundidad su obra, su contexto histórico y el impacto que tuvo en la fotografía contemporánea. Exploramos cómo la América de los años 50 —entre el sueño americano y la desigualdad social— marcó el tono de un proyecto que transformó la mirada fotográfica para siempre. Analizamos la estructura narrativa de The Americans, su importancia en la historia del fotolibro occidental y su influencia directa en autores como Daidō Moriyama y el movimiento japonés Provoke. También revisamos la evolución del fotolibro como formato artístico, las técnicas y cámaras que utilizaba Frank (como la Leica III), y el modo en que su estilo espontáneo y crítico redefinió la fotografía de calle.

Otto Dix fue el testigo más brutal y lúcido de la Alemania de entreguerras. Sus cuadros no buscan belleza, sino verdad. En este video exploramos su vida y su obra dentro del contexto de la República de Weimar, un periodo marcado por el trauma de la Primera Guerra Mundial, la decadencia urbana y el auge de los totalitarismos. Analizamos cómo la Nueva Objetividad reaccionó contra el expresionismo y cómo Dix transformó su experiencia como soldado en una denuncia visual del horror, la hipocresía y la corrupción moral de su tiempo.

Analizamos una obra maestra de la animación japonesa y del género cyberpunk. Esta serie hizo madurar al género de una forma nunca antes vista.

Franz Kafka escribió Carta al padre en 1919, pero nunca se la entregó. En esas páginas, una de las confesiones más intensas de la literatura moderna, le habla a un padre autoritario, omnipresente y temido. Le habla también al miedo, a la culpa y a la herida que define toda su obra. En este episodio exploramos qué hay detrás de esa carta: la estructura psicológica de Kafka, la figura paterna como símbolo de poder, y cómo el trauma personal se convierte en una forma de escritura. ¿Es posible escribir para liberarse de un padre? ¿O la literatura solo repite la herida? Un análisis entre la biografía, la filosofía y la psicología literaria de una de las cartas más brutales y reveladoras del siglo XX.

Antes de las subastas millonarias y los coleccionistas modernos, el arte ya era una moneda simbólica, política y espiritual. En este episodio exploramos cómo nació y evolucionó el mercado del arte: desde los talleres de escultores en la Grecia clásica y los encargos imperiales en Roma, hasta el mecenazgo eclesiástico de la Edad Media, el auge del coleccionismo renacentista y la aparición de los primeros marchantes y galerías en el siglo XIX. Veremos cómo cambió la relación entre el artista, el cliente y el público, cómo el arte pasó de ser un oficio a una expresión individual con valor económico, y cómo el dinero comenzó a moldear lo que consideramos belleza. Un viaje histórico y filosófico por los orígenes de la economía del arte —donde la estética se cruza con el poder, la fe y el capital.

Maruja Mallo fue una de las figuras más radicales y fascinantes del arte español del siglo XX. Miembro del círculo de la Generación del 27 junto a Lorca, Dalí y Buñuel, su obra mezcla surrealismo, modernidad y crítica social. En este video exploramos su vida, su exilio, su relación con las vanguardias europeas y cómo su figura fue borrada de la historia oficial del arte. Analizamos su estilo, sus influencias, y el modo en que su pintura anticipa debates sobre el cuerpo, la identidad y la libertad. Un recorrido filosófico, artístico y político por la obra de una mujer que rompió todas las normas.

Yohji Yamamoto no diseña ropa: diseña silencios, sombras y gestos. En este episodio exploramos la filosofía detrás de uno de los creadores más influyentes y enigmáticos de la moda contemporánea. Desde su irrupción en los años 80 hasta su diálogo constante con la imperfección, el tiempo y la identidad, analizamos cómo su obra convierte la ausencia en una forma de belleza. Entre la tradición japonesa y la rebeldía del punk, Yohji Yamamoto construyó una estética que cuestiona el género, la elegancia y la idea misma de modernidad. Un recorrido por su pensamiento, su influencia en la cultura visual y su manera de entender la ropa como un refugio, un lenguaje y una resistencia.

En este episodio exploramos la vida y la obra de Néstor Martín-Fernández de la Torre, conocido simplemente como Néstor, uno de los artistas más fascinantes y singulares del modernismo español. Pintor, escenógrafo y soñador, Néstor fue mucho más que un creador: fue un visionario que intentó construir una identidad estética para Canarias y para España, uniendo mito, simbolismo y sensualidad en una misma mirada. A través de su pintura, su teatro y su imaginario, nos adentramos en un universo de color, misterio y belleza idealizada, donde lo clásico y lo moderno dialogan constantemente. Hablaremos de su vínculo con el simbolismo europeo, su relación con la música y la poesía, su proyecto del “Tipismo Canario”, y el modo en que su arte intentó reconciliar el cuerpo, la naturaleza y el espíritu. Más allá del exotismo y la ornamentación, descubriremos en Néstor a un artista que convirtió la melancolía insular en una forma de misticismo visual. Un episodio sobre la belleza como resistencia, el arte como identidad y el sueño de un paraíso reinventado.

El Siglo de Oro español fue mucho más que una época de esplendor literario: fue también un laboratorio artístico, político y espiritual donde se definió una identidad cultural compleja, llena de tensiones entre la fe y la razón, el poder y el silencio, la luz y la sombra. En este video exploramos el reinado de Felipe II, una de las figuras más enigmáticas de la historia europea, y el modo en que su visión del mundo transformó el arte, la arquitectura y la espiritualidad del Imperio español. Desde la construcción del Monasterio de El Escorial —símbolo de un poder que aspiraba a la eternidad— hasta la pintura de El Greco y la sobriedad mística del arte contrarreformista, veremos cómo la estética se convirtió en una herramienta política y teológica. Felipe II no solo fue un monarca, sino un curador de imágenes: un hombre obsesionado con el orden, la fe y la representación del poder. Analizaremos también la influencia de la Contrarreforma, la llegada del manierismo a la península y la tensión entre el esplendor imperial y la melancolía del alma española. Un viaje por el arte, la filosofía y la historia que revela cómo el Siglo de Oro fue, en realidad, una profunda meditación sobre la mortalidad, la divinidad y el destino. Si te interesa entender el arte más allá de lo estético, este video te mostrará cómo las imágenes del Siglo de Oro fueron el reflejo de una batalla espiritual que aún resuena en nuestra cultura.

En este episodio exploramos el arte más allá de la estética: como una herramienta de indagación, cuestionamiento y producción de conocimiento. Hablamos de artistas que trabajan como detectives, filósofos o científicos; de proyectos que desentierran memorias ocultas, exponen injusticias o reescriben relatos silenciados. ¿Qué significa investigar a través del arte? ¿Cómo se construyen narrativas críticas desde lo visual, lo sonoro o lo performativo? Un recorrido por casos, ideas y prácticas donde el arte se convierte en laboratorio y archivo vivo.

Charlamos sobre literatura y escritura con Yaiza Berrocal, autora de la novela Curling. Yaiza es una de las voces más importantes del panorama literario contemporáneo y una autora que siempre juega con los límites, pura literatura ajena a las modas y corrientes editoriales.

Giotto di Bondone (1267–1337) es considerado el gran pionero del Renacimiento italiano. Su manera de representar el espacio, las emociones y el cuerpo humano transformó para siempre la historia del arte occidental. En este episodio exploramos su vida y su obra, desde los frescos de la Basílica de San Francisco en Asís hasta la Capilla Scrovegni en Padua, analizando cómo Giotto rompió con el arte medieval para abrir el camino hacia una nueva concepción de la pintura. Reflexionamos sobre su relación con Dante, su visión del espacio pictórico y el impacto que tuvo en artistas posteriores como Masaccio o Miguel Ángel. Más allá del canon, nos preguntamos: ¿por qué Giotto sigue siendo actual? ¿Qué nos enseña hoy su manera de narrar visualmente lo sagrado y lo humano?

Louise Bourgeois fue una de las artistas más influyentes del siglo XX. Su obra, marcada por la memoria, el cuerpo, la maternidad, el deseo y el trauma, sigue interpelando al arte contemporáneo. En este video analizamos su trayectoria desde sus inicios en París hasta su consolidación en Nueva York, explorando sus esculturas monumentales como las arañas (Maman), sus piezas textiles, y su relación con el psicoanálisis y la experiencia personal. A través de un enfoque filosófico y crítico, reflexionamos sobre cómo Bourgeois convirtió la intimidad en materia universal, cuestionando el género, la familia y la identidad.

Antoine d’Agata es uno de los fotógrafos más radicales y controvertidos de nuestra época. Miembro de la agencia Magnum, su obra ha explorado la marginalidad, la violencia, el deseo y la autodestrucción, borrando las fronteras entre vida y arte. En este episodio analizamos su trayectoria, sus métodos extremos y las preguntas éticas, políticas y estéticas que plantea su trabajo. ¿Qué significa fotografiar desde la experiencia personal más cruda? ¿Dónde termina el testimonio y comienza la exposición de uno mismo? ¿Puede el arte ser un espacio para la catarsis y la autodestrucción? Un viaje a través de la mirada incómoda de d’Agata para entender cómo la fotografía puede convertirse en un espejo brutal de la condición humana.

¿Dónde empiezan y dónde terminan los límites del arte? En este video exploramos cómo la filosofía, la historia y la crítica contemporánea han intentado responder a una de las preguntas más polémicas y fascinantes del pensamiento estético. Desde los debates sobre la censura y la libertad creativa hasta los casos más radicales del arte contemporáneo, analizamos qué ocurre cuando una obra desafía la moral, la política o incluso la definición misma de “arte”. Hablaremos de teorías estéticas, del papel del espectador, de artistas que han roto barreras y de cómo estas discusiones siguen vivas hoy en museos, galerías y redes sociales. Un recorrido que une filosofía, psicología y cultura visual para entender qué significa realmente traspasar los límites del arte. Si te interesa el arte, la filosofía y la crítica cultural, este video es para ti.

¿Estás jugando, o estás siendo jugado? Este video examina la adicción a los videojuegos y cómo la industria cultural se vale del arte, la cultura visual y la experiencia interactiva no para liberar, sino para capturar. Bajo una estética atractiva, se esconde un sistema de monetización que explota las emociones, el tiempo y la identidad de los jugadores sin ningún tipo de ética ni responsabilidad social. A partir del caso de los Gachas —mecánicas de juego inspiradas en la lógica de la ludopatía— abrimos un ensayo filosófico que conecta la psicología conductista con los mecanismos de recompensa y dependencia que atraviesan gran parte de la experiencia digital contemporánea. Desde ahí, nos adentramos en una reflexión más amplia: ¿qué relación existe entre videojuegos y arte? ¿Qué se pierde cuando el arte se convierte en herramienta de manipulación? ¿Qué modelos de género, qué identidades, qué cuerpos y subjetividades se reproducen una y otra vez en estos mundos virtuales? Este no es un video en contra de los videojuegos, sino una crítica al modo en que el sistema los ha convertido en dispositivos ideológicos, en instrumentos de control emocional y simbólico. Una invitación a pensar más allá del entretenimiento.