Verano en la SER

En 1959, Washington grabó 'What a Difference a Day Makes!', un trabajo que la convirtió en una gran estrella y cambió su carrera. Ya en la cima se comió Nueva York con fiestas legendarias antes de abrir su propio club en Chicago, local frecuentado por la mafia. Para entonces ya era una mujer dependiente de las pastillas y con problemas con el alcohol. Su muerte, tremendamente joven, bien pudo servir de anticipo de lo que le sucedería décadas después a Winehouse. Dinah al menos tuvo tiempo para dejarnos sobradas muestras de su talento.Otros programas relacionadosEl ocaso de Billy HollidayLa guerra de Nina Simone

The Holy Bible, el tercer álbum de los galeses Manic Street Preachers es una llamada de auxilio de su compositor Richey Edwards, autor del 75% de las letras de este disco oscuro, claustrofóbico por momentos y tremendamente personal.Durante la extraña gira mundial del álbum -Tailandia, Portugal y Reino Unido- Edwards ingresó en una institución mental para estrellas, la misma por la que pasó Amy Winehouse y en la que coincidió con Eric Clapton. Tras salir de allí, Edwards desapareció en la víspera de un viaje promocional a Estados Unidos. Nunca se le volvió a ver hasta que en noviembre de 2008 fue oficialmente dado por muerto.Recorrer las canciones de The Holy Bible es una experiencia intensa, cruda y también vigorizante. Las canciones del álbum rompen con la temática dominante del britpop y aunque el tercer disco de los galeses coincidió con la publicación del debut de Oasis o el Parklife de Blur, sus canciones parecen sacadas de un mundo distinto. Los temas de Edwards hablan del consumismo, del auge del fascismo o de la anorexia. Todo un vuelvo al hedonismo inglés de los noventa.Esta semana queremos recordar esa historias y esas canciones, ver el peculiar contexto musical y personal en el que fueron creadas y recordar un disco demasiado olvidado de una banda que triunfó a lo grande años después de la desaparición de su letrista.

Cuando Marisa Monte era una niña apuntaba a ser una suerte de María Callas brasileña, pero Marisa creció escuchando muchas cosas, bailaba con el rock y con la samba, se relajaba con la música clásica y lloraba con Billie Holiday, toda esa escuela y una energía desbordante acabaron dando forma a una de las carreras más fascinantes de las últimas décadas. La carrera de Marisa Monte toca muchos palos, estilos y sonidos y son el reflejo de esa cantante intrépida y curiosa que acabó abrazando la música de su propio país cuando llegó a Roma a estudiar clásica y acabó subiéndose a un escenario para cantar a las estrellas de Brasil sin saber entonces que ella misma acabaría siendo una por méritos propios. Tras hacerse un hueco en la música de su país y comerse el mundo con sus amigos de Tribalistas, Marisa hizo un movimiento extraño y maravilloso, un día de 2006 Monte publicó dos discos a la vez, dos discos diferentes que se pueden leer como las dos caras de una misma manera, como sus dos mellizos. Esta semana viajamos a Brasil para recordar esos dos álbumes, Infinito Particular y el Universo Ao Meu Redor, dos trabajos excelsos y brillantes que muestran las caras, las diferentes caras, de Monte. Para esta aventura nos acompaña, como es habitual, Arturo Lezcano y Lucía Taboada.*Toda la información del programa, discos, recomendaciones y anécdotas de música en nuestro canal de WhatsApp, apúntate y no te pierdas nada*

El final de los Beatles marcó el final de una era y de un sueño, pero fue también el comienzo de una nueva etapa para sus músicos, una nueva vida con mucha incertidumbre, dudas y también expectativas. El mismo año en el que llegó el disco final de la banda sus cuatro miembros coincidieron en las tiendas con sus primeras entregas en solitario. Quien peor lo pasó en esos años fue Paul McCartney, quizá porque era el que más interés tenía en seguir con sus amigos, en seguir siendo un Beatle. Puede que por ello Paul no tardase en volver a montar una banda.Junto a Wings, Paul volvió a volar, a sentirse en comunidad. Con ellos editó siete discos de estudio durante una década, cuando Paul ya se sintió listo para seguir solo en la música.En 1973, Paul estaba repleto de confianza tras volver al número 1 con My Love, pero siente que tiene que dar un golpe encima de la mesa, que tiene que sacar ese disco redondo al que nadie le pueda poner un pero. Para preparar ese disco el músico le pidió a EMI un listado de los estudios de grabación que tenían disponibles y subrayó uno. Paul McCartney decidió grabar Band On The Run en Lagos, Nigeria.El experimento africano de Paul tuvo grandes resultados, pero fue una odisea. Antes de salir de Inglaterra dos de sus músicos dejaron la banda. Cuando llegaron a Nigeria descubrieron que su plan de sol y playa no era muy factible en pleno monzón. Para colmo, Fela Kuti, la gran estrella del afrobeat los acusó de robar la música africana. También les robaron a punta de pistola y Paul sufrió un colapso que apuntaba a infarto. Un buen balance de unas semanas intensas que dieron como resultado un disco intenso y con una historia fascinante que vamos a recorrer de la mano de Fernando Neira y Lucía Taboada.

Hay canciones que son parte de tu vida, de tu historia, incluso de tu relato. Frases que narran historias, que dicen verdades y cuentan mentiras. Canciones que tienen frases que hemos gritado, llorado y a veces, también cantado. Muchas de esas frases, en castellano, tienen como autor a Joaquín Sabina, muchas de ellas las escribió Joaquín para 19 días y 500 noches, un disco hermoso, redondo y con sabor a despedida.En 1999 parecía que el mundo se iba a acabar, la gente hablaba con miedo del efecto 2000, del fin del siglo, de las últimas horas del milenio. En ese contexto, o quizás ajeno a todo ello, Joaquín Sabina entró a un estudio de grabación con la obsesión eterna de escribir la canción más hermosa del mundo. Quizá no le salió, pero sí consiguió acabar el mejor disco de su carrera. El músico más canalla, golfo y callejero se acercaba a los malditos 50 y con el peso de su propia historia acuestas grabó un disco que es parte de la historia de la música en castellano y que lo consolidó como uno de los mejores compositores españoles.La historia de este disco comienza tras la fallida alianza con Fito Páez y termina con Sabina dejando las drogas tras la intensa gira que siguió al lanzamiento del álbum. Para este disco Joaquín se hizo acompañar de Alejo Stivel y dio un paso al frente mostrando su voz desnuda, sin adornos. Arenosa y a cara de perro para cantar al olvido, a la melancolía, a la derrota y al amor tóxico.Un cuarto de siglo después ese disco se ha mostrado como la cima de Sabina, con un álbum con personalidad propia que envejece con estilo, sin perder un ápice de fuerza. Por todo ello, y porque era una deuda eterna, esta semana invitamos a Juan Puchades, director de Cuadernos Efe Efe y autor de un tremendo libro sobre esta joya, a recordar el contexto, las anécdotas y las canciones de este disco.

Bob Marley es uno de los grandes personajes de la música, un hombre ligado a un género, a una religión y a un país como casi nadie más lo ha sido o lo será. Marley vivió su vida a su manera, con sus normas y sus ideas, a veces polémicas pero casi nunca contradictorias.Bob Marley tuvo una vida trepidante, repleta de grandes momentos y de situaciones al límite en una Jamaica que vivió una agitada independencia a comienzos de los años sesenta. Una década más tarde, Marley era una figura poderosa en la isla y tras un intento de asesinato escapó a Londres donde editó Exodus, el disco más importante de su carrera y nuestro trabajo de esta semana.Exodus es un disco con dos caras bien diferentes e igual de poderosas. En la cara A se escucha al Marley más político y activista. El que contesta con Exodus al eslogan de la campaña electoral del primer ministro de Jamaica y el que reflexiona sobre la situación de la isla. La cara B es otra historia, es una colección de himnos perfecta, canciones pegadizas y eternas que son parte de la vida del reggae y de su autor.El contexto, la historia y las canciones de este álbum resultan vibrantes y sorprendes y por ello es el disco perfecto para adentrarnos, de la mano de Arturo Lezcano y Lucía Taboada, en la carrera de Bob Marley y en este momento clave de su vida.

La historia de Jerry Lee está marcada por su música del diablo y por su veloz ascenso a la cima del rock para luego despeñarse desde lo más alto quemándolo todo como quemaba su propio piano. Cuando en su primera gira por Reino Unido la prensa descubrió que la niña que lo acompañaba era su mujer y que era su prima segunda de 13 años todo acabó para Jerry.Tras ese escándalo Lewis pasó de cobrar 10.000 dólares por concierto a no más de 200. Vivió diez años en el abismo tocando cada noche saltando de ciudad en ciudad conduciendo como un loco para mantenerse a flote. Tras una década maldita salió a flote como cantante de country en los años setenta, una década marcada por sus adicciones y la muerte, la de dos mujeres y su hijo primogénito.En los años ochenta comenzó su redención y en los dos mil grabó discos muy populares con colaboradores de lujo como Bruce Springsteen o Neil Young. Esta semana dedicamos el programa a recordar la tremenda vida de Jerry Lee Lewis junto a Fernando Navarro y Lucía Taboada.

Dicen que los seres humanos aprendemos de nuestros errores, pero a veces esos errores nos empujan a cometer otros nuevos. El Festival de Woodstock es el mejor ejemplo de ello. Celebrado en tres ocasiones, los errores de los dos primeros empujaron a sus organizadores al caos total de la tercera edición, la de 1999.Esta semana vamos a recordar todas las ediciones del festival de Woodstock de la mano de los periodistas Fernando Navarro, Sara Morales y contaremos también con Jorge Otero, de Stormy Mondays, única banda española que actuó en el festival.Escucha el programa dedicado a la edición de 1969

Los Secretos son una de las bandas más fascinantes del pop de los años 80 y uno de los pocos grupos que pasó a la siguiente década en su mejor momento. Al frente del grupo estaba Enrique Urquijo, un tipo tímido, bromista y perseguido por las depresiones y las adiciones, un compositor tremendo que murió demasiado joven.En 1991, la banda dio un paso al frente y estrenó nueva década con Adiós tristeza, uno de sus mejores trabajos y un álbum con un sonido fresco que fortaleció la banda.Esta semana dedicamos el Sofá Sonoro a recordar el séptimo álbum de estudio del grupo madrileño de la mano de la periodista Arancha Moreno, directora de Efe Eme, y con los reportajes de Lucía Taboada.

En 1978 la música de los años setenta estaba cambiando. Aquel año los Sex Pistols dieron su último concierto, en enero la banda sonora de Fiebre del Sábado Noche llegó al número 1 en EEUU y se mantuvo en lo más alto hasta el verano. Los Grammy coronaron el Rumours de Fleetwood Mac y el Hotel California de los Eagles. En Jamaica se celebró el recordado concierto por la paz de Bob Marley. The Band también editó su último Vals. Los temas más exitosos en Reino Unido venían con la forma de los Bee Gees, John Travolta junto a Olivia Newton John, los Village People o Boney M.Aquel año también debutaron Van Halen, Kate Bush, los Buzzcocks, Prince o nuestros protagonistas de esta semana: Dire Straits.El debut de la banda inglesa costó 12.500 libras y vendió millones lanzando al estrellato a la banda de los hermanos Knopfler, que tras años de trabajo en la sombra vieron cómo su música se expandía por el mundo gracias a un sonido fresco, potente, de buenas guitarras e impulsados por el éxito de ese eterno Sultans of Swing, que fue un sencillo arrollador a ambos lados del Atlántico.Dire Straits fueron de las bandas claves de los años 80, un grupo que llenó estadios, conquistó medio mundo y dejó a una generación marcada por sus canciones convertidas en himnos, para muchos fueron la mejor banda de la década y para otros, un grupo sobrevalorado. Hace unos años dedicamos un programa de verano a recorrer su viaje, pero esta semana queríamos recordar su primer el paso, la primera etapa de su viaje de la mano de Fernando Neira y Lucía Taboada.

El año 2008 comenzó con Amy Winehouse llevándose cinco premios Grammy por su segundo disco, a su calor debutaron cantantes como Duffy o Leona Lewis. Aquel fue un año muy femenino en la música. Britney Spears regresaba al número 1 nueve años después y Rihanna sumaba su quinto consecutivo, la misma cifra que sumó Beyoncé con Single Ladies. También regresó a la música Grace Jones con su primer álbum en dos décadas. Entre tanta estrella femenina pasó más desapercibido Easy Come Easy Go el disco de una Marianne Faithfull de 61 años que editó un álbum oscuro y hermoso que es nuestro protagonista esta semana.Tras una vida al límite Faithfull se ha constituido como una de las grandes voces de su generación y ha protagonizado un siglo XXI emotivo y con grandes trabajos, nada mal para una mujer que vivió una vida de cuento y pesadilla y que acabó regresando de las más oscuras sombras encadenando una serie de buenos discos, papeles geniales en el cine (Irina Palm) que devolvieron lustre a su figura, ensombrecida por los chismes que ella misma relató en una autobiografía escrita sin filtro y a tumba abierta.Faithfull olvidó todo a base de grandes discos y uno de ellos fue Easy Come Easy Go, un álbum con una personalidad peculiar, la que le imprime su autora, y que cuenta con invitados ilustres que rinden tributo a esta mujer. Por el álbum desfilan desde Keith Richards a Cat Power pasando por Nick Cave o Jarvis Cocker.Para recorrer este genial disco y la historia de Marianne Faithfull nos acompañan Toni Castarnado y Lucía Taboada.

En 1993 tuvo lugar una de las irrupciones musicales más sorprendentes de aquella década llena de sorpresas. Ese año se publicó Emergency on Planet Earth. En pleno boom de grounge y ante el nacimiento del britpop en Inglaterra, Jamiroquai apuntaba a una nueva dirección que mezclaba el funk con el accid jazz alumbrando un sonido propio que pronto se expandió por el mundo.En ese contexto llegó el primer trabajo de la banda liderada por Jay Kay, un chaval sin rumbo que encontró en la música un camino hacía el éxito, la fama y la riqueza. Las primeras canciones de la banda retrataban de una manera una tanto naif los problemas que afrontaba el mundo hace treinta años. Hoy aquella emergencia suena todavía más aterradora y preocupante que entonces. Pero no fueron las palabras, sino el sonido lo que captó la atención del público. Jamiroquai partía de una manera evidente del funk y de la música de Stevie Wonder, pero supo actualizar, barnizar y hacer propia aquella fórmula para llegar a millones de personas y abrir una tercera vía entre el grounge de EEUU y los sonidos que irrumpían del britpop.Esta semana nos acompañan Manuel Recio y Lucía Taboada para recordar el contexto, las historias y las canciones de aquel debut que el fue el primer paso de una carrera fascinante que convirtió a su creador en una de las grandes figuras de la música de los años noventa.

Esta semana dedicamos el Sofá Sonoro a recordar 'Básico', el concierto acústico del 2000 que captó a Antonio Vega en su mejor momento recorriendo las canciones de su carrera. Para este episodio nos acompañan Arancha Moreno, directora de Efe Eme, y Lucía Taboada.

El 10 de septiembre de 1970 una decena de guardias escoltaron a BB King al interior de la cárcel del condado de Cook, el tercer mayor presidio de los Estados Unidos. Dentro le esperaban 2.800 presos. 125 guardias estaban repartidos entre el patio y las torres de vigilancia. Aquella tarde el bluesman grabó, sobre un escenario que antaño se usó para las ejecuciones, unos de los mejores conciertos de su carrera.BB King tenía 45 años cuando entró en la prisión de Cook. Aquella sería la primera de muchas actuaciones carcelarias del bluesman, que inició un compromiso fuerte con los afroamericanos encarcelados en EEUU, muchos en la zona de Chicago que había experimentado en las décadas anteriores un tremendo incremento de la población negra que migraba desde el sur escapando del racismo de aquellos estados. La grabación de Live in Cook County Jail fue uno de los mejores discos de la carrera de BB King que se sumaba a esa tradición de conciertos carcelarios, pero no fue el único.BB King dio decenas de conciertos en cárceles, en 1971 hizo incluso una gira por presidios y a lo largo de su carrera dio más de 70 conciertos en cárceles por todo EEUU mostrando un fuerte compromiso con la reinserción, pero aquella tarde en Cook fue el primer paso de aquel viaje y nuestro disco de esta semana que compartimos con Ricardo de Querol, Lucía Taboada y Jimena Marcos.

En 1961 tuvieron lugar varios eventos claves de la música. Ese año los Beatles dieron su primer concierto en The Cavern, Frank Sinatra creó el sello Reprise, en el que luego grabarían los Kinks o Hendrix, ese año Fracoise Hardy firmó su primer contrato profesional para grabar su debut y también tuvo lugar la grabación de nuestro disco de de esta semana.El 28 de octubre de 1961 un Jacques Brel de 32 años llenó el teatro Olympia de París para un concierto que cambió su carrera.Desde mediados de los años 50 Jacques Brel, que había dejado Bélgica para conquistar Francia, se había hecho un nombre en la música gracias a sus letras y a sus intensas interpretaciones. En esos años había girado intensamente por países lejanos, había compartido escenario con los grandes nombres de la época y había firmado un contrato para editar sus discos en EEUU, la vida marchaba bien, sin embargo, su grabación en el Olympia y sobre todo el éxito de su Ne Me Quitte Pass de 1959 lo convirtieron en una estrella de los sesenta.En este episodio recorremos aquella histórica actuación y la importancia de Brel en la música francesa de la mano de Igor Paskual y con los reportajes de Lucía Taboada, Jimena Marcos y Griselda Pastor.