hacer canciones, el podcast

Itunes iVoox Spotify En el episodio de hoy vamos a hacer un poco de autorreflexión e intentaremos hacernos conscientes de quién somos como artistas, como músicos o escritores de canciones y, muy especialmente, de qué ofrecemos en nuestras obras, en nuestras actuaciones, si las estamos haciendo, a qué sonamos y a qué no, en definitiva, cuál es nuestra propuesta artística. Algo muy útil e interesante sobre todo para seres ensimismados como acostumbramos a ser muchos de nosotros. Vamos allá. Por favor, deja este campo vacío ¿Escribes canciones o te gustaría hacerlo? He leído y acepto la Política de Privacidad Con las Guías «El viaje de una canción» y «El viaje del músico independiente» de regalo Revisa tu bandeja de entrada o la carpeta de spam para confirmar tu suscripción. 🎬 Notas del episodio En este episodio reflexionamos sobre algo esencial para cualquier músico o compositor: la propuesta musical. Analizamos qué significa realmente tener una identidad artística clara, cómo se construye un sonido propio y por qué es importante comprender qué ofrecemos al público. Ser conscientes de nuestro estilo, de lo que nos diferencia y de cómo nos perciben los demás es una de las claves para avanzar de forma coherente y auténtica en el mundo de la música. 📌 Temas tratados Qué es una propuesta musical y por qué es importante. La identidad artística y sonora como base de todo proyecto. Cómo se forma y evoluciona el estilo personal. Diferencia entre género, sonido y personalidad artística. El papel de las influencias y la fusión de estilos. La importancia del ritmo, la melodía, la armonía y el timbre. Las letras, la voz y la producción como rasgos distintivos. Autenticidad frente a tendencia. Ejemplos de artistas con identidades sonoras únicas. Consejos prácticos para desarrollar una propuesta propia. 🎬 Capítulos del episodio Introducción: la pregunta clave “¿qué ofrezco realmente como artista?” Identidad y sonido: dos caras de la misma moneda. Cómo el ritmo, la melodía, la armonía y el timbre construyen estilo. Letras, voz y actitud: el componente humano del sonido. Influencias, mezcla de géneros y evolución personal. Autenticidad y coherencia frente a las modas pasajeras. Producción y tecnología: nuevas herramientas para definir identidad. Ejemplos de artistas con propuestas singulares. Consejos prácticos para encontrar y pulir tu propuesta. Conclusión: conocerte a ti mismo para comunicar mejor. 💬 Citas del episodio “Tener una propuesta musical no es solo sonar diferente, es saber quién eres y qué quieres decir.” “La identidad artística no se elige, se descubre trabajando.” “El sonido es el vehículo a través del cual se expresa la identidad.” “Toda innovación es, en el fondo, una reinterpretación.” “Autenticidad y coherencia son la base de cualquier propuesta duradera.” 📚 Recursos mencionados Conceptos: identidad sonora, propuesta artística, timbre, ritmo, armonía, autenticidad. Artistas citados: David Bowie, Santana, Adele, Daft Punk. Herramientas: experimentación, colaboración, escucha activa, técnica y producción. Referencias históricas: evolución del sonido en distintas épocas y géneros. 🧠 Opinión del autor Creo que cada artista tiene una propuesta, aunque a veces no se haya detenido a formularla. Comprender quién eres, qué representas y cómo suenas es una forma de respeto hacia tu propio trabajo y hacia quien te escucha. Para mí, la autenticidad es la brújula y el sonido, el lenguaje. Una propuesta musical clara no se construye en un día, pero es el cimiento sobre el que se edifica toda una carrera artística sólida y significativa.

Itunes iVoox Spotify Bienvenidas y bienvenidos a este espacio dedicado a las canciones, por dentro y por fuera. Seguimos con nuestra misión sagrada, con nuestra cruzada en favor de las canciones, y te invito desde ya, sencillamente, a que cantes, a que inventes melodías o letras, a que, ¿por qué no?, escribas una canción. Y si ya lo has hecho, pues compón otra canción. Hay mucho que cantar, muchos temas, muchas formas de armarlas. Y, además, no hay muchas cosas mejores que hacer en esta vida.  En fin, en el episodio de hoy vamos a hablar de escuchar, pero no de escuchar llover, o escuchar el discurso mil veces oído de este o aquel, sino de la escucha profunda, de la escucha verdaderamente atenta, de la llamada escucha activa.  Veremos en qué consiste exactamente, qué beneficios podemos obtener de escuchar de esa manera tan particular y cómo ponerla en práctica para que nos ayude a conseguir nuestros objetivos. Por favor, deja este campo vacío ¿Escribes canciones o te gustaría hacerlo? He leído y acepto la Política de Privacidad Con las Guías «El viaje de una canción» y «El viaje del músico independiente» de regalo Revisa tu bandeja de entrada o la carpeta de spam para confirmar tu suscripción. 🎬 Notas del episodio En este episodio exploramos el concepto de escucha activa: una forma profunda y consciente de oír la música que transforma la experiencia del oyente. No se trata de dejar sonar una canción de fondo, sino de entrar en ella, percibir cada detalle, cada matiz, cada emoción. Veremos cómo practicarla, qué beneficios aporta y por qué puede cambiar nuestra relación con la música y con nosotros mismos. 📌 Temas tratados Qué es la escucha activa y en qué se diferencia de oír pasivamente. La atención plena como base de la escucha musical consciente. Escuchar sin prejuicios ni expectativas. Análisis y disfrute simultáneo: estructura, timbre, ritmo y letra. Empatía musical: escuchar con el corazón además del oído. Técnicas prácticas para desarrollar la escucha activa. Ejercicios de concentración y análisis musical. Beneficios: oído musical, inspiración y bienestar mental. Cómo aplicar la escucha activa a la creación de canciones. La música como forma de conexión y crecimiento personal. 🎬 Capítulos del episodio Introducción: escuchar de verdad. Qué es la escucha activa y por qué importa. Oír, escuchar, comprender. La atención plena como herramienta musical. Escuchar sin prejuicios ni distracciones. Análisis sobre la marcha: ritmo, melodía, armonía, letra. Empatía musical y conexión emocional. Técnicas y ejercicios prácticos de escucha activa. Beneficios y transformación personal. Conclusión: la música como espejo interior. 💬 Citas del episodio “Escuchar no es oír: es estar presente en la música.” “La escucha activa transforma cada canción en una experiencia nueva.” “Cuanta más atención prestamos, más capas descubrimos.” “Escuchamos con los oídos, pero también con la mente y el corazón.” “La música es el idioma que mejor enseña a escuchar.” 📚 Recursos mencionados Conceptos: atención plena, escucha activa, análisis musical. Ejercicios: escucha dirigida, enfoque por instrumentos, meditación musical. Ejemplo histórico: método de escucha de John Coltrane. Aplicaciones: análisis de canciones, comparación de versiones, juegos auditivos. 🧠 Opinión del autor Creo que la escucha activa es una de las herramientas más poderosas que tenemos para comprender y disfrutar la música. Nos obliga a detenernos, a concentrarnos y a conectar de verdad con lo que oímos. Para mí, escuchar activamente no solo mejora la percepción musical, sino que también mejora la vida: nos enseña a prestar atención, a empatizar y a disfrutar de los detalles. Si logramos escuchar así, todo —no solo la música— suena de otra manera.

Itunes iVoox Spotify Bien, bien, bien, aquí estamos de nuevo en el legendario podcast de hacercanciones.com, como me comentaba con fina ironía un suscriptor de la newsletter el otro día. Pues sí, en efecto, con leyenda o sin ella, aquí estamos de nuevo en el episodio número 159 y hoy tenemos un programa un poco especial. Dedicado a los músicos independientes y sus aventuras y desventuras, entre otras cosas. Por favor, deja este campo vacío ¿Escribes canciones o te gustaría hacerlo? He leído y acepto la Política de Privacidad Con las Guías «El viaje de una canción» y «El viaje del músico independiente» de regalo Revisa tu bandeja de entrada o la carpeta de spam para confirmar tu suscripción. 🎬 Notas del episodio En este episodio exploramos el camino del músico independiente, esa figura que decide construir su carrera desde abajo, con libertad, esfuerzo y sin depender de las estructuras tradicionales de la industria. Hablamos de las etapas que suelen atravesar, de los errores y aprendizajes comunes, y de lo que realmente significa ser independiente hoy: tomar decisiones, asumir riesgos y encontrar aliados sin perder la autenticidad. 📌 Temas tratados Qué significa realmente ser músico independiente. El impulso inicial y las primeras canciones. La importancia del aprendizaje continuo y la autoformación. El vértigo de publicar por primera vez. Identidad artística: qué quieres decir y cómo lo expresas. Relaciones, colaboraciones y comunidades creativas. El equilibrio entre libertad y sostenibilidad. La independencia como autonomía, no como soledad. Retos económicos, emocionales y profesionales. Cómo mantener la motivación a largo plazo. 🎬 Capítulos del episodio Introducción: músicos independientes y su odisea. El impulso inicial: la chispa que enciende el viaje. Primeras canciones y primeras torpezas. Publicar y exponerse: el vértigo del principio. Construir identidad: estilo, mensaje y propósito. Aprender a grabar, registrar y difundir. Aliados, comunidad y redes de apoyo. La independencia como autonomía, no aislamiento. Sostenerse en el tiempo: creatividad, salud y economía. Conclusión: libertad, colaboración y sentido. 💬 Citas del episodio “Ser independiente no es hacerlo todo solo, es hacerlo con conciencia y decisión.” “Toda gran figura fue alguna vez un proyecto independiente.” “La independencia no es soledad, es autonomía creativa.” “No necesitas una discográfica para tener apoyo, ni cifras para generar impacto.” “La música siempre cobra sentido cuando conecta con otros.” 📚 Recursos mencionados Conceptos: músico independiente, identidad artística, comunidad creativa. Materiales: ebooks de HacerCanciones.com sobre la vida de las canciones y el viaje del artista independiente. Herramientas útiles: plataformas de distribución digital, registro de obras, colaboración online. 🧠 Opinión del autor Creo que la independencia musical no es una moda ni una etiqueta, sino una actitud. Ser independiente significa asumir el timón del propio proyecto, aprender lo necesario para sostenerlo y aceptar que la libertad requiere también responsabilidad. Lo más inspirador es entender que no estás solo: otros recorren el mismo camino y juntos es más fácil construir una escena, una comunidad y un sentido de pertenencia real.

Itunes iVoox Spotify Hola a todas y todos, de nuevo. Un día más aquí en el podcast con nuestras queridas canciones, por dentro y por fuera, como decimos a veces, repasando todos los detalles que les afectan de alguna manera, para ver, básicamente, si podemos aprender algo nuevo y útil para nuestros quehaceres compositivos o simplemente para recordar cosas que ya sabemos pero que tenemos un poco olvidadas. En fin, hoy vamos a tratar con una bestia parda, con un monstruo que acecha en el aprendizaje musical y que, tal vez, no lo sea tanto. Sí, me refiero al solfeo. Por favor, deja este campo vacío ¿Escribes canciones o te gustaría hacerlo? He leído y acepto la Política de Privacidad Con las Guías «El viaje de una canción» y «El viaje del músico independiente» de regalo Revisa tu bandeja de entrada o la carpeta de spam para confirmar tu suscripción. 🎬 Notas del episodio En este episodio hablamos del solfeo, ese supuesto monstruo del aprendizaje musical que muchos temen y pocos comprenden del todo. Revisamos qué es realmente el solfeo, cómo se aprende, para qué sirve y por qué sigue siendo una herramienta útil incluso en un mundo dominado por la tecnología. Desde su origen como sistema de notación hasta sus aplicaciones prácticas, descubrimos que aprender solfeo no es un castigo, sino una puerta hacia una comprensión más profunda de la música. 📌 Temas tratados Qué es el solfeo y de dónde viene el término. Mitos y prejuicios sobre el aprendizaje del solfeo. Solfeo como lenguaje musical: leer, escribir y escuchar. Tipos de solfeo: silábico, melódico y rítmico. Cómo se enseña y qué beneficios tiene. El solfeo y la notación musical como sistema de comunicación. Ventajas prácticas: lectura, interpretación, composición y colaboración. ¿Es necesario saber solfeo hoy en día? Músicos autodidactas que no leen partituras. El valor del solfeo como herramienta de conexión con la música. 🎬 Capítulos del episodio Introducción: el mito del monstruo del solfeo. Qué es el solfeo y su función como lenguaje musical. Breve historia y etimología del término. Tipos de solfeo: silábico, melódico y rítmico. Cómo se aprende a solfear. Beneficios prácticos del solfeo. ¿Es necesario saber solfeo para hacer música? Músicos famosos que no leen partituras. El solfeo como superpoder auditivo. Conclusión: perderle el miedo y disfrutar de la música desde dentro. 💬 Citas del episodio “El solfeo es el arte de leer y reproducir la música escrita.” “Aprender solfeo es como aprender un nuevo idioma: el idioma de la música.” “No es un castigo ni una obligación, sino una herramienta para disfrutar más de lo que amamos.” “Muchos músicos no leen partituras, pero todos se benefician de escuchar con atención.” “El solfeo nos da un superpoder: escuchar la música escrita sin tocarla.” 📚 Recursos mencionados Conceptos: solfeo, notación musical, pentagrama, entrenamiento auditivo, lectura a vista. Tipos: solfeo silábico, melódico y rítmico. Referencias: Paul McCartney, Hans Zimmer. Prácticas: canto a vista, lectura rítmica, análisis auditivo. 🧠 Opinión del autor Creo que el solfeo es una de las herramientas más infravaloradas de la educación musical. No hace falta dominarlo para disfrutar de la música, pero sí puede ampliar enormemente nuestra comprensión de ella. Para mí, el solfeo es un idioma que nos conecta con los músicos de todos los tiempos y lugares. Es cierto que exige paciencia, pero también recompensa con una nueva forma de oír, entender y sentir la música. Y eso, en sí mismo, ya vale la pena.

Itunes iVoox Spotify Bien, aquí estamos de nuevo, un día más, investigando las entrañas de las canciones y también su entorno, su ecosistema, todo aquello que hace posible que lleguen a nuestras orejas y,  a veces, también entren en nuestros oídos, cerebro, corazón, … Hoy, precisamente, vamos a examinar un asunto periférico a la música y las canciones pero sin el cual no tendríamos acceso ni a una centésima parte de lo que podemos escuchar habitualmente en la actualidad. Me refiero a la distribución, a los engranajes, soportes y medios de reproducción y difusión que hacen posible todo eso. Un asunto y un conocimiento, por cierto, que en un momento donde la música independiente tiene la posibilidad de abrirse paso hasta oyentes del otro extremo del mundo desde una habitación, es tal vez más relevante que nunca. Por favor, deja este campo vacío ¿Escribes canciones o te gustaría hacerlo? He leído y acepto la Política de Privacidad Con las Guías «El viaje de una canción» y «El viaje del músico independiente» de regalo Revisa tu bandeja de entrada o la carpeta de spam para confirmar tu suscripción. 🎬 Notas del episodio En este episodio exploramos el viaje de la música hasta nuestros oídos: desde los primeros tiempos en que solo podíamos escuchar canciones en directo hasta el acceso inmediato y global que nos brindan hoy las plataformas digitales. Repasamos la evolución de los soportes, el papel de la industria discográfica, los cambios que trajo la era digital y los nuevos retos que plantea la distribución musical en la actualidad. 📌 Temas tratados Definición y función de la distribución musical. La evolución de los formatos: partituras, vinilo, cassette, CD, digital. El papel de las discográficas en el modelo tradicional. La revolución del internet y el streaming. Ventajas y limitaciones del modelo digital. El impacto en artistas independientes y emergentes. Ejemplo de éxito: Billie Eilish y la producción casera. Problemas de monetización en las plataformas de streaming. Nuevas tecnologías: blockchain, NFTs, metaverso. Reflexión final: la música siempre encuentra su camino hacia nosotros. 🎬 Capítulos del episodio Introducción: la importancia de la distribución. Primeros medios: partituras y conciertos en vivo. El salto al vinilo y los discos físicos. Cassettes y CDs: portabilidad y calidad. La digitalización de la música. Plataformas pioneras: iTunes y la compra por canción. El streaming como nuevo paradigma. Ventajas y problemas del modelo digital. Nuevas tecnologías: blockchain, NFTs y metaverso. Conclusión: el futuro de la distribución musical. 💬 Citas del episodio “La distribución musical es el camino que recorre una canción desde el estudio hasta tus oídos.” “Un vinilo era música que podías tener en tus manos; el streaming es música alquilada.” “Hoy una canción puede pasar del dormitorio de un artista al mundo entero en cuestión de horas.” “En Spotify, mil reproducciones generan muy poco o nada para el artista.” “La música siempre encuentra la manera de llegar a nosotros.” 📚 Recursos mencionados Formatos: partituras, vinilos, cassettes, CDs, mp3, WAV. Plataformas: iTunes, Spotify, Apple Music, YouTube. Casos: Billie Eilish y la producción casera. Tecnologías emergentes: blockchain, NFTs, metaverso. 🧠 Opinión del autor La distribución musical es el puente entre la creación y la escucha. Creo que entender cómo ha cambiado nos ayuda no solo a valorar más la música que oímos, sino también a cuestionar los modelos actuales y pensar en alternativas más justas para los artistas. La historia demuestra que la música siempre encuentra su camino, pero el reto está en que ese camino beneficie a todos los que lo recorren.

Itunes iVoox Spotify Bienvenidas y bienvenidos todos. Aquí estamos, de nuevo, en el podcast de hacercanciones.com , un día más con el veneno de la música y las canciones recorriendo nuestras venas.  Como podéis comprobar, estoy inspirado, demasiado tal vez, (no me lo tengáis muy en cuenta) y, en cualquier caso, este estado de ánimo me va a venir bien para hablar del tema de hoy, de una técnica moderna, pero que ya tiene unas buenas décadas a sus espaldas, una técnica y unos dispositivos con los que podemos crear música de una forma distinta a las tradicionales. Me refiero a los samplers, a los dispositivos que utilizan muestras de audio para crear música nueva, lo que se suele llamar generalmente, sampling. Por favor, deja este campo vacío ¿Escribes canciones o te gustaría hacerlo? He leído y acepto la Política de Privacidad Con las Guías «El viaje de una canción» y «El viaje del músico independiente» de regalo Revisa tu bandeja de entrada o la carpeta de spam para confirmar tu suscripción. 🎬 Notas del episodio En este episodio exploramos el fascinante mundo de los samplers y el sampling, una técnica que revolucionó la forma de componer y producir música desde mediados del siglo XX. Desde la música concreta de Pierre Schaeffer hasta el beatmaking actual con librerías digitales e inteligencia artificial, el sampler ha demostrado ser una herramienta capaz de transformar sonidos grabados en nuevas creaciones musicales. 📌 Temas tratados Primeros experimentos de música concreta en los años 40. El nacimiento de los samplers digitales en los 70 y 80 (Fairlight CMI, Akai MPC). El papel del sampling en el nacimiento del hip hop y la música electrónica. El Amen Break como ejemplo paradigmático de loop convertido en clásico. Sampling como arte: ¿plagio o reimaginación? Instrumentos virtuales y librerías de samples. Loops, beats e instrumentales en el mercado global (beat leasing). Aplicaciones en diseño sonoro, cine y videojuegos. Problemas legales y casos famosos de copyright. El futuro del sampling con inteligencia artificial. 🎬 Capítulos del episodio Introducción: qué es un sampler. La música concreta y los primeros experimentos. Fairlight CMI y los inicios de la era digital. El Akai MPC y la democratización del sampling. El papel del hip hop y los géneros derivados. El Amen Break y los bucles inmortales. Sampling y dilemas: plagio vs. arte. Librerías, loops y el mercado de instrumentales. Del cine al diseño sonoro con samplers. El futuro: IA, texturas y nuevas fronteras sonoras. 💬 Citas del episodio “La música empezó a brotar directamente de la música: de sonidos grabados que renacían en nuevas obras.” “El Akai MPC cambió el juego para siempre: democratizó el sampling.” “El hip hop nació y creció gracias al sampler.” “Unos pocos segundos de audio pueden convertirse en la base de miles de canciones.” “El sampling nos recuerda que la música no surge de la nada: puede renacer de lo que ya existe.” 📚 Recursos mencionados Pioneros: Pierre Schaeffer, Pierre Henry. Samplers históricos: Fairlight CMI, Akai MPC. Obras clave: Introducing… de DJ Shadow. Conceptos: sampling, loops, librerías, beat leasing. Casos legales: Ice Ice Baby (Vanilla Ice), Bittersweet Symphony (The Verve). Plataformas: Splice, Loopmasters. Artistas: Rosalía, Kanye West, Daft Punk, J Dilla. 🧠 Opinión del autor Los samplers representan una de las mayores revoluciones creativas en la música. Lo que empezó como experimentación con cintas magnéticas se convirtió en un lenguaje musical global. Para mí, el valor del sampling no está en si es original o prestado, sino en la capacidad de dar nueva vida a sonidos ya existentes. En un mundo saturado de música, el sampler demuestra que siempre hay formas de reinventar y sorprender.

Itunes iVoox Spotify Bueno, aquí estamos una vez más en el podcast que quiere saber todo de la música y las canciones. Anda que no nos queda nada todavía.  Pero como también nos gusta vivir en el presente vamos al tema de hoy que no es ni más ni menos que nuestras queridas letras, los versos que cantamos una y otra vez, que nos seducen y nos sorprenden, que nos entienden de alguna manera, que a menudo incluso nos estremecen.  Pero en esta ocasión, vamos a hablar de cómo sacarle partido a esas letras que nos han tocado especialmente, que parece que hablan de nosotros o que han sido escritas directamente para nuestros oídos y nuestro corazón. Vamos a ver cómo, analizándolas, podemos añadir herramientas y recursos a nuestra propia escritura, para hacerla más efectiva, más expresiva o, en definitiva, mejor para nuestros propósitos como compositores de canciones. Vamos allá Por favor, deja este campo vacío ¿Escribes canciones o te gustaría hacerlo? He leído y acepto la Política de Privacidad Con las Guías «El viaje de una canción» y «El viaje del músico independiente» de regalo Revisa tu bandeja de entrada o la carpeta de spam para confirmar tu suscripción. 🎬 Notas del episodio Este episodio está dedicado al análisis de letras de canciones como herramienta para crecer como compositores. Escuchar como fans nos emociona, pero escuchar como escritores nos enseña. Veremos cómo pasar de la admiración a la observación consciente, qué elementos conviene tener en cuenta, errores comunes al analizar letras y cómo aplicar lo aprendido a nuestra propia escritura. 📌 Temas tratados Diferencia entre escuchar como oyente y como compositor. La utilidad de analizar letras que ya nos gustan. Elementos básicos del análisis: tema, voz narrativa, emoción principal, relación con la música. Recursos clave: vocabulario, tono, metáforas, estructura, repetición, métrica y rima. Ejemplos de análisis: Mediterráneo (Serrat) y La bicicleta (Shakira y Carlos Vives). Errores comunes: sobreanalizar, compararse en exceso, olvidar la emoción. Cómo crear un cuaderno personal de recursos y ejercicios prácticos. Propuesta de reto semanal de análisis ligero. 🎬 Capítulos del episodio Introducción y propósito del análisis de letras. Escuchar como fan vs. escuchar como compositor. Elementos básicos: tema, narrador, emoción, música. Recursos específicos: vocabulario, imágenes, estructura, ritmo y rima. Ejemplos comparativos: Serrat y Shakira/Vives. Errores comunes al analizar letras. Estrategias prácticas: banco de recursos, reescritura y método del espejo. Propuesta de reto semanal para entrenar el análisis. Conclusión: aprender sin perder la emoción. 💬 Citas del episodio “Pasar de escuchar como admiradores a escuchar como compositores es un cambio sencillo, pero muy poderoso.” “Las letras que nos atrapan suelen tener imágenes que nos sorprenden y nos hacen ver algo de otra manera.” “El análisis tiene que equilibrar forma y fondo.” “Escuchar como fans nos emociona, pero escuchar como compositores nos enseña.” 📚 Recursos mencionados Canciones analizadas: Mediterráneo (Joan Manuel Serrat), La bicicleta (Shakira y Carlos Vives). Conceptos: tema central, narrador, emoción principal, vocabulario, metáforas, estructura, rima. Ejercicios: banco de recursos, reescritura de versos, método del espejo, rutina semanal de análisis. 🧠 Opinión del autor Analizar letras no es un ejercicio académico, sino una manera de disfrutar más y mejor de lo que ya nos emociona. Mirar con calma lo que otros han escrito nos da herramientas para ampliar nuestro repertorio expresivo y crecer como compositores. Lo esencial es no perder la chispa de la música, sino usarla como punto de partida para aprender y escribir con más recursos, más conciencia y más ganas.

Itunes iVoox Spotify Bien, aquí estamos de nuevo en el episodio número 154 del podcast de hacercanciones.com . Espero que todas y todos esteis bien o mejor que bien, ¿por qué no? Hoy vamos a ocuparnos de un asunto importante si aspiráis a que vuestras composiciones sean escuchadas efectivamente y valoradas como se merecen. Ya sea que te dediques exclusivamente a escribir canciones o grabes o des conciertos y seas, digamos, un artista público, a menudo existe una confusión acerca de quién va a escuchar nuestras canciones.  Cuando empiezas en este mundo de la composición o del arte musical o del puro espectáculo, es posible que ante la pregunta ¿para quién es tu música? se responda “para todo el mundo” o “para quien quiera escucharla”. Si bien esto es parcialmente cierto y potencialmente posible, la realidad es que cualquier propuesta musical que hagamos sólo tenga posibilidades reales de ser escuchada y valorada con justicia por una parte de la población con orejas y ganas de oír música. Puede ser un grupo de personas pequeño, mediano o grande, puede ir cambiando de tamaño o de perfil durante el tiempo, … pero nunca jamás será “todo el mundo”.  Esto , que parece obvio, tiene consecuencias más allá de la sociología musical o los estudios de mercado y de eso vamos a hablar en este programa. Por favor, deja este campo vacío ¿Escribes canciones o te gustaría hacerlo? He leído y acepto la Política de Privacidad Con las Guías «El viaje de una canción» y «El viaje del músico independiente» de regalo Revisa tu bandeja de entrada o la carpeta de spam para confirmar tu suscripción. 🎬 Notas del episodio En este episodio reflexionamos sobre la relación entre quienes crean canciones y quienes las reciben. Diferenciamos los conceptos de oyente individual, audiencia colectiva y público activo, y exploramos cómo cada uno influye en la manera en que concebimos, interpretamos y compartimos la música. 📌 Temas tratados Diferencias entre oyente, audiencia y público. La experiencia íntima de escuchar una canción a solas. El impacto de la audiencia como grupo, incluso cuando no está físicamente presente. El público en vivo: interacción directa, energía compartida y retroalimentación inmediata. Cómo estos tres planos condicionan el proceso creativo del compositor. 🎬 Capítulos del episodio 00:00 Introducción: escuchar, compartir y experimentar música. 03:10 El oyente individual y la escucha íntima. 07:20 La audiencia como conjunto de oyentes. 12:00 El público en vivo y la dimensión social de la música. 17:40 Reflexión final: crear con los tres en mente. 💬 Citas del episodio “Un oyente se sumerge en la canción, la hace suya, en soledad.” “La audiencia es más que la suma de oyentes: es un fenómeno colectivo.” “El público transforma la música en un acto social inmediato.” 📚 Recursos mencionados Experiencias personales en conciertos y grabaciones. Ejemplos de canciones que cambian según el contexto de escucha. 🧠 Opinión del autor Me parece fascinante cómo una misma canción puede mutar radicalmente dependiendo de si la escuchas a solas con auriculares, como parte de una audiencia anónima, o frente a un público en directo. Como compositor, esto me recuerda que no solo escribo para mí, sino también para esas distintas formas de recepción.

Itunes iVoox Spotify Bueno, aquí estamos de nuevo, un episodio más, hablando sobre las canciones, cómo no, por dentro y por fuera, como suelo decir, y, en esta ocasión, vamos a hablar un poco de la música en general y de la música que contienen las canciones. En concreto, hoy hablaremos de un lugar, una institución como se les llama a veces, un espacio en definitiva donde muchos de nosotros hemos aprendido música o, más bien, algunos aspectos determinados de la experiencia musical. Veremos cuándo y cómo surgieron, su evolución y tipos, qué nos pueden aportar y finalmente os daré mi opinión sobre ellas, basada en mi experiencia personal. Vamos allá Por favor, deja este campo vacío ¿Escribes canciones o te gustaría hacerlo? He leído y acepto la Política de Privacidad Con las Guías «El viaje de una canción» y «El viaje del músico independiente» de regalo Revisa tu bandeja de entrada o la carpeta de spam para confirmar tu suscripción.

Itunes iVoox Spotify Bienvenidas y bienvenidos todas y todos a un nuevo episodio del Podcast de hacercanciones.com. Hoy vamos a hablar de un asunto técnico, de una tecnología, vamos, y de los muchos aparatos que la han utilizado en las últimas décadas para crear, interpretar y grabar música y canciones. Me refiero al MIDI. Supongo que muchos ya lo conocéis perfectamente o habéis oído hablar alguna vez de él, pero, si no es así, en los próximos minutos vamos a remediarlo. Vamos a ello. Por favor, deja este campo vacío ¿Escribes canciones o te gustaría hacerlo? He leído y acepto la Política de Privacidad Con las Guías «El viaje de una canción» y «El viaje del músico independiente» de regalo Revisa tu bandeja de entrada o la carpeta de spam para confirmar tu suscripción.

Itunes iVoox Spotify Bueno, bueno, bueno, un episodio más del Podcast de hacercanciones.com . Después de la resaca del número 150 las cosas vuelven a la normalidad, más o menos, y seguimos adelante. Quiero agradecer, lo primero, las felicitaciones que me habéis enviado por correo, me genuflexo ante vosotras y vosotros por ello. Sois unas buenas personas, lo percibo claramente. Hoy hablaremos de algo esencial para conseguir cualquier cosa en el mundo de la música y en cualquier trabajo o aventura, en realidad: la constancia.  Algo que cabe remarcar en una época donde se venden todo tipo de soluciones milagrosas, casi instantáneas, para cualquier asunto u objetivo y, peor aún, que mucha gente espera que suceda, en efecto, de la noche a la mañana. Vamos allá. Por favor, deja este campo vacío ¿Escribes canciones o te gustaría hacerlo? He leído y acepto la Política de Privacidad Con las Guías «El viaje de una canción» y «El viaje del músico independiente» de regalo Revisa tu bandeja de entrada o la carpeta de spam para confirmar tu suscripción.

Itunes iVoox Spotify Bien, pues aquí estamos de nuevo, y en un abrir y cerrar de ojos, unos 5 años ya, hoy llegamos al programa número 150 del podcast de hacercanciones.com ¿Qué puedo decir? Muchas horas delante del micrófono, preparando los programas, editando, bla bla bla …  miles de suscriptores, cientos y cientos de mensajes, …  Bueno y ahora también el otro podcast híbrido con inteligencia artificial, Escritores de canciones, que sigue sumando episodios. Una locura, vamos. En fin, gracias, no se me ocurre nada mejor ni más apropiado para un momento como este. Tengo que reconocer que no soy mucho de celebrar, ni de eventos, ni de viajes, ni de tantas otras cosas y, bueno, tal vez sea tan sólo un tío soso, un introvertido, no sé, lo que sea. Prefiero el día a día, sinceramente y, tal vez por eso, de una manera u otra, hemos pasado ya un buen tiempo hablando sobre las canciones, sobre lo que son y representan para la inmensa mayoría de los humanos en cualquier parte del mundo, de cómo escribirlas, de las letras, de la música, de darse a conocer, si uno quiere, de ser ambicioso también, ¿por qué no? e intentar dedicarnos a este oficio como profesión.  Bueno, tratando a las canciones como se merecen, en definitiva, por lo importantes que son, porque están con nosotros a las buenas y las malas, como se suele decir, porque no son ciencia ficción sino una especie de artefactos mágicos llenos de vida, de nuestras vidas, porque resuenan en tantas gargantas y estremecen y …, en fin, por tantas buenas razones. Bueno, ya está bien de jolgorio y festejos. Vamos al grano. Un oyente, no sé si de Spotify o del canal de YouTube, me preguntaba hace unas semanas sobre técnicas de canto y cómo encontrar a un profesor para aprender y, de pronto, me di cuenta de que para llevar 150 episodios habíamos hablado más bien poco del hecho de cantar. En el episodio número 35,  titulado Cantar o no cantar, en el 53, La voz como instrumento, el canto, y en el 111, Cómo se aprende a cantar, tocamos este asunto desde diferentes ángulos, pero creo que le debía algo más a este acto maravilloso que todos deberíamos hacer a diario. Lo primero que tengo que decir antes de continuar, es que yo no soy cantante, no me considero vocalista y ni siquiera tengo una buena voz en absoluto.  Nada de esto es necesario para escribir canciones pero sí me limita para decir exactamente cómo deberíamos afrontar idealmente el canto en cualquiera de sus formas. De todas maneras, puedo aportar algunas cosas básicas y mi enfoque general a la hora de ponernos a cantar una canción, ya sea para aprenderla, para analizarla o como parte de un proceso compositivo. Y este va a ser el punto de partida para el episodio de hoy. Por favor, deja este campo vacío ¿Escribes canciones o te gustaría hacerlo? He leído y acepto la Política de Privacidad Con las Guías «El viaje de una canción» y «El viaje del músico independiente» de regalo Revisa tu bandeja de entrada o la carpeta de spam para confirmar tu suscripción.

Itunes iVoox Spotify Bienvenidas y bienvenidos al podcast de hacercanciones.com en el programa 149 ya, cómo pasa el tiempo. En el episodio de hoy vamos a hablar de dinero, sí, amigas y amigos, del vil metal, en concreto, de la parte burocrática que puede dar lugar a que el uso comercial de nuestras composiciones se transforme en algunas monedas en nuestros bolsillos. Vamos a repasar qué son realmente y cómo funcionan las sociedades que se dedican a gestionar estos asuntos, los derechos que abarcan y también las vicisitudes que asolan a los socios de esas entidades. Al lío. Por favor, deja este campo vacío ¿Escribes canciones o te gustaría hacerlo? He leído y acepto la Política de Privacidad Con las Guías «El viaje de una canción» y «El viaje del músico independiente» de regalo Revisa tu bandeja de entrada o la carpeta de spam para confirmar tu suscripción.

Itunes iVoox Spotify Bueno, seguimos con el podcast de hacercanciones.com y nuestra fiebre por la música y las canciones. En el episodio de hoy vamos a hablar de un asunto espinoso, de algo que a menudo se convierte en complicado y confuso sin necesidad, en una especie de muro en lugar de en un camino interesante y enriquecedor.  Me refiero a la enseñanza musical, a cómo aprender lo necesario para poder tocar un instrumento o cantar con cierta comodidad, al nivel que cualquiera ambicione conseguir. Voy a repasar algunos métodos conocidos y practicados ampliamente en escuelas y clases particulares y, al final del programa, daré mi opinión sobre el asunto y os explicaré cómo enfoco yo este proceso con mis alumnos. Vamos allá. Por favor, deja este campo vacío ¿Escribes canciones o te gustaría hacerlo? He leído y acepto la Política de Privacidad Con las Guías «El viaje de una canción» y «El viaje del músico independiente» de regalo Revisa tu bandeja de entrada o la carpeta de spam para confirmar tu suscripción.

Itunes iVoox Spotify Bueno, aquí estamos de nuevo con el podcast de hacercanciones.com y en esta ocasión, como se indica en el título, vamos a echar un vistazo a la historia de nuestras queridas canciones, a cómo han evolucionado a lo largo del tiempo porque, aunque estemos acostumbrados a escuchar los éxitos de la radio, del streaming o de las redes sociales, o incluso distintos géneros musicales de las últimas décadas, la composición de canciones se remonta en el tiempo hasta hace muchos pero que muchos años. Sé que muchos de vosotros pensáis que poco se puede aprender de músicas compuestas hace uno, dos o 10 siglos pero, amigos míos, estáis equivocados. En el episodio de hoy, además de repasar las diferentes formas, actitudes y funciones de las canciones desde la antigüedad, sin profundizar mucho, no os preocupéis, descubriremos detalles mucho más familiares y, de alguna manera, mucho más actuales de lo que, probablemente, os imagináis. Vamos allá. Por favor, deja este campo vacío ¿Escribes canciones o te gustaría hacerlo? He leído y acepto la Política de Privacidad Con las Guías «El viaje de una canción» y «El viaje del músico independiente» de regalo Revisa tu bandeja de entrada o la carpeta de spam para confirmar tu suscripción.

Itunes iVoox Spotify En el episodio de hoy del podcast tenemos un tema apasionante, algo que preocupa muchas veces a los aprendices e incluso a profesionales. Me refiero a la técnica instrumental, a los movimientos e incluso accesorios que utilizamos para hacerlos sonar. ¿Toco lo suficientemente bien? ¿Soy expresivo? ¿Tengo los recursos necesarios para hacer sonar mi instrumento como me gustaría? En el programa de hoy intentaremos responder a este tipo de preguntas, como siempre, intentando desmitificar un poco todo este asunto. Vamos allá. Por favor, deja este campo vacío ¿Escribes canciones o te gustaría hacerlo? He leído y acepto la Política de Privacidad Con las Guías «El viaje de una canción» y «El viaje del músico independiente» de regalo Revisa tu bandeja de entrada o la carpeta de spam para confirmar tu suscripción.

Itunes iVoox Spotify Bien. Episodio 145 ya de este modesto podcast y seguimos empecinados en conocer cada detalle de las canciones, por dentro y por fuera, como suelo decir.  Hoy cerramos una pequeña trilogia básica acerca de por dónde empezar a escribir canciones.  Junto al episodio número 125, llamado “La letra primero”, y el episodio 130, llamado “La música primero”, en esta ocasión examinaremos otra manera de componer canciones que consiste en componer música y letra al mismo tiempo. Muy interesante y mi forma preferida de hacerlo, por si a alguien le interesa saberlo. Vamos allá. Por favor, deja este campo vacío ¿Escribes canciones o te gustaría hacerlo? He leído y acepto la Política de Privacidad Con las Guías «El viaje de una canción» y «El viaje del músico independiente» de regalo Revisa tu bandeja de entrada o la carpeta de spam para confirmar tu suscripción.

Itunes iVoox Spotify En el programa de hoy vamos a hablar de una herramienta musical antigua pero que, a través de los siglos y hasta hoy, ha demostrado ser de gran utilidad para músicos de todo tipo y pelaje. Me refiero a la partitura, como ya habréis visto en el título, a ese código misterioso que almacena música, por decirlo así, entre sus signos, anotaciones, símbolos, notas y demás. Veremos qué es, de donde salió y por qué se inventó algo así, además de valorar su utilidad y su uso actualmente. Vamos allá. Por favor, deja este campo vacío ¿Escribes canciones o te gustaría hacerlo? He leído y acepto la Política de Privacidad Con las Guías «El viaje de una canción» y «El viaje del músico independiente» de regalo Revisa tu bandeja de entrada o la carpeta de spam para confirmar tu suscripción.

Itunes iVoox Spotify En el episodio de hoy vamos a tratar de un asunto importante, por diversas razones, para la vida musical de cualquiera de nosotros.  Me refiero a los covers o las versiones de canciones que, sin duda, es uno de los caminos ideales para conseguir ciertas cosas en el aprendizaje y la difusión artística, además de un fin creativo y expresivo en sí mismo. Ya hablé de qué eran en el episodio número 59 de este podcast, hace bastante tiempo, y ahora vamos a desgranar algunas maneras o enfoques que podemos usar a la hora de hacer el cover de una canción cualquiera. En fin, vamos al grano. Por favor, deja este campo vacío ¿Escribes canciones o te gustaría hacerlo? He leído y acepto la Política de Privacidad Con las Guías «El viaje de una canción» y «El viaje del músico independiente» de regalo Revisa tu bandeja de entrada o la carpeta de spam para confirmar tu suscripción.

Itunes iVoox Spotify Hoy trataremos de un tema que duele, que molesta, que nos gustaría que no existiese o fuera más fácil de lo que es, un asunto que, a pesar de todo, debemos conocer y ejecutar por diversas razones. Me refiero a la propiedad intelectual, al registro de nuestras creaciones, de nuestras música y canciones. Vamos a hablar un poco de ese instrumento que acredita la autoría de obras de todo tipo, de cómo y porqué debemos hacerlo. Por favor, deja este campo vacío ¿Escribes canciones o te gustaría hacerlo? He leído y acepto la Política de Privacidad Con las Guías «El viaje de una canción» y «El viaje del músico independiente» de regalo Revisa tu bandeja de entrada o la carpeta de spam para confirmar tu suscripción.