Kunstenfestivaldesarts

A series of sound clips that take you closer to the creations of Kunstenfestivaldesarts 2022. Listen to Lia Rodrigues talk about her creation, 'Encantado'. EN - A carpet of variegated fabrics is slowly unrolled on stage, opening up a kaleidoscope of colours. Thus begins 'Encantado', the new and highly anticipated creation by Lia Rodrigues. With Covid-19 impacting particularly heavily on Brazil, the choreographer asked herself how we could “enchant our fears” in order to recreate a collective dynamic and bring individuals closer together. 'Encantado' is a mesmerising choreography for 11 dancers and countless fabrics, in which these forces – similar to the encantados – journey from one body to the other. FR - Un tapis de tissus bigarrés est lentement déroulé sur scène, ouvrant un kaléidoscope de couleurs. C’est ainsi que commence Encantado, la nouvelle création très attendue de Lia Rodrigues. La production porte les marques du contexte dans lequel elle a été créée : tandis que la Covid-19 touchait violemment le Brésil, la chorégraphe s’est demandée comment « enchanter nos peurs » afin de recréer une dynamique collective et rapprocher les individus. Encantado est une chorégraphie envoûtante pour onze danseur·ses et d’innombrables tissus, dans laquelle ces forces – comme les encantados – voyagent d’un corps à l’autre. Een tapijt, geweven uit verschillende stoffen, wordt langzaam uitgerold op het podium. Er komt een kaleidoscoop aan kleuren tevoorschijn. Zo begint Encantado, de nieuwe en langverwachte creatie van Lia Rodrigues. In Brazilië heeft het woord “encantado” verscheidene betekenissen. Het kan een synoniem zijn voor verwondering, of verwijzen naar de effecten van een betovering. Terwijl COVID-19 Brazilië bijzonder hard trof vroeg de choreografe zich af hoe we “onze angsten kunnen betoveren” om zo opnieuw een collectieve dynamiek te creëren en mensen dichter bij elkaar te brengen. Encantado is een fascinerende choreografie voor elf dansers en talloze stukken textiel, waarin krachten vergelijkbaar met de encantados reizen van het ene lichaam naar het andere. 'Encantado' was presented at Kunstenfestivaldesarts 2022. / Interview: Jose Huedo. More info and video interview: https://kfda.be/en/festivals/2022-edition/programme/encantado/

A series of sound clips that take you closer to the creations of Kunstenfestivaldesarts 2022. Listen to Wanjiru Kamuyu and Peter Born talk about the recreation of Okwui Okpokwasili's Bronx Gothic performance. EN - Okwui Okpokwasili debuted Bronx Gothic in 2014. In it, and alone on stage, she unveiled the hidden narrative of two black girls growing up in the Bronx in the 80s: in the space of a curtained room, the audience is drawn into their shared secrets. Built upon an exchange of notes between the two girls in the midst of a sexual awakening, Bronx Gothic looks to communicate what is essential about a body in transformation and the love, strangeness and terror that accompany it. FR - Okwui Okpokwasili a créé Bronx Gothic en 2014. Elle y dévoile le récit qui se cache derrière deux amies, deux jeunes filles noires, grandissant dans le Bronx des années 1980. Dans une pièce aux rideaux tirés, le public est témoin de leur intimité. Constitué de notes échangées entre les deux adolescentes au moment de leur éveil sexuel, Bronx Gothic cherche à transmettre ce qui est essentiel dans un corps en mutation et les énergies qui le traversent : l’amour, l’étrangeté et la terreur qui l’accompagnent. NL - Okwui Okpokwasili creëerde Bronx Gothic oorspronkelijk in 2014. Geïnspireerd op een briefwisseling tussen twee zwarte meisjes in vol seksueel ontwaken, communiceert de voorstelling het essentiële van een lichaam in transformatie en de energieën die daarmee gepaard gaan: liefde, vervreemding en angst. In een met gordijnen omwikkelde ruimte is het publiek getuige van een bijzondere intimiteit uit de Bronx van de jaren ’80. 'Bronx Gothic' was presented at Kunstenfestivaldesarts 2022. / Interview: Jose Huedo. More info & video interview: https://kfda.be/en/festivals/2022-edition/programme/bronx-gothic/

A series of sound clips that take you closer to the creations of Kunstenfestivaldesarts 2022. Listen to Castélie Yalombo talk about her new creation 'Water, l'atterrée des eaux vives'. EN - Everything in Castélie Yalombo’s choreography is unstable. She is alone on stage, but her body seems to be manipulated from the outside. Her movements are disjointed: suddenly, with her eyes closed in front of a basin of water, she shapes her limbs and movements as if her body is guided by conflicting forces. After graduating from ISAC and working as an interpreter for Louise Vanneste, Water, l’atterrée des eaux vives marks Yalombo’s first appearance at the festival. It is an ode to ambiguity from a rising voice in Belgian choreography. FR - Tout dans la chorégraphie de Castélie Yalombo est instable. Elle se tient seule sur scène mais son corps semble être transporté depuis l’extérieur. Ses mouvements sont décousus : soudain, les yeux fermés devant une bassine d’eau, elle façonne ses membres et ses mouvements de l’extérieur, comme si elle était guidée par des forces en conflit. Après avoir étudié à l’ISAC et travaillé avec Louise Vanneste, Castélie Yalombo marque avec "Water, l’atterrée des eaux vives" sa première présence au festival. Une voix montante de la chorégraphie belge et une ode à l’ambiguïté, à ne pas manquer. NL - In deze choreografie van Castélie Yalombo lijkt alles op losse schroeven te staan. Yalombo staat alleen op de bühne, maar haar lichaam wordt schijnbaar van buitenaf gedirigeerd. Haar bewegingen zijn ontwricht: met gesloten ogen laat ze haar ledematen bewegen alsof ze haar eigen poppenspeler is. Na haar studies aan het ISAC en haar werk als performer voor Louise Vanneste, is Castélie Yalombo met Water, l’atterrée des eaux vives voor het eerst te gast op Kunstenfestivaldesarts. Als rijzende ster en stem binnen de Belgische choreografie, brengt ze een pakkende ode aan de dubbelzinnigheid. 'Water, l'atterrée des eaux vives' was presented at Kunstenfestivaldesarts 2022. / Interview: Jose Huedo. More info and video interview: https://kfda.be/en/festivals/2022-edition/programme/water-latteree-des-eaux-vives/

Samah Hijawi and Reem Shilleh took the Ramallah Clubs Network (of the Palestinian diaspora in the USA) as a starting point to reflect on the intricacies and complexities of the Palestinian diaspora and their manifestations. They will explore the experience of being in diaspora and exile and how this formulates one’s relationship to home and homeland. Often, members of the diaspora reconnect through community centres, festivals and events in order to continue their cultural practices, and keep the community connected. But beyond sharing food, dance and conversation, what intangible elements do these gatherings transmit? What are the other forms and tools that are used to understand this convoluted relationship between here and there? In the face of Palestine’s settler colonial reality how have they contributed to direct and indirect forms of resistance, narrative formations and acts of remembering? In a series of conversations broadcast online on Radio Al Hara every Thursday of the month of October, Hijawi and Shilleh will be speaking with colleagues, artists, filmmakers, social activists, and friends from different geographies, whose work is connected to or influenced by their diasporic/exilic experience and desire to reconnect. EN - In the final conversation of The Ramallah Club Network, Reem Shilleh and Samah Hijawi speak to Dr. Kathy Zarur, a curator and educator based in San Francisco, who explores concepts around place and landscape both as artistic genre and as lived experience of diasporic communities. By focusing on two exhibitions that Zarur has co-curated, Where is Here and Betweenscapes, they reflect on the nuances between the conditions of being in diaspora and exile, and how these frame the experiences of being away from the homeland. They also talk about what the social fabric of the United States offers in parallel experiences between the indigenous and diasporic communities, whose kaleidoscope identities complexifies their relation to place. FR - Pour ce dernier épisode de The Ramallah Club Network Reem Shilleh et Samah Hijawi s’entretiennent avec la Doctoresse Kathy Zarur, curatrice et enseignante à  San Francisco. Elle travaille à partir de concepts abordant l’espace et le paysage, autant comme pratique artistique que comme expérience vécue des communautés diasporiques. En se concentrant sur deux expositions montées par Kathy Zarur, Where is Here et Betweenscapes, elles explorent ensemble les différences entre l’exil et la diaspora et témoignent en quoi ces expériences déterminent le ressenti des personnes vivant loin de chez elles. Elles évoquent également le contexte social aux États-Unis qui génère des conditions de vie similaires au sein des communautés indigènes et diasporiques, leurs identités kaléidoscopiques complexifiant leur relation à leur lieu de vie. NL - In de laatste conversatie van The Ramallah Club Network, gaan Reem Shilleh en Samah Hijawi in gesprek met Dr. Kathy Zarur, curatrice en pedagoge, gevestigd in San Francisco. Zij onderzoekt concepten die verbonden zijn met plaats en landschap, beide als artistiek genre en als levenservaring van gemeenschappen in diaspora. De tentoonstellingen Where is Here en Betweenscapes die Zarur co-cureerde dienen als uitgangspunt voor het gesprek dat reflecteert op nuances tussen de omstandigheden van het leven in diaspora en ballingschap en hoe deze de ervaringen het weg zijn van het thuisland bepalen. Ze hebben het daarnaast over het sociale weefsel van de Verenigde Staten en de parallelle ervaringen tussen die van de autochtone bevolking en die van diaspora gemeenschappen. De caleidoscopische identiteiten van deze gemeenschappen maken hun relatie tot plaatsgebondenheid complexer. A project by Samah Hijawi and Reem Shilleh, initiated and coproduced by Kunstenfestivaldesarts 2020 in the context of The Diasporic Schools / Production: Kunstenwerkplaats More info: https://kfda.be/en/festivals/2020-edition/programme/the-ramallah-club-network/

Samah Hijawi and Reem Shilleh took the Ramallah Clubs Network (of the Palestinian diaspora in the USA) as a starting point to reflect on the intricacies and complexities of the Palestinian diaspora and their manifestations. They will explore the experience of being in diaspora and exile and how this formulates one’s relationship to home and homeland. Often, members of the diaspora reconnect through community centres, festivals and events in order to continue their cultural practices, and keep the community connected. But beyond sharing food, dance and conversation, what intangible elements do these gatherings transmit? What are the other forms and tools that are used to understand this convoluted relationship between here and there? In the face of Palestine’s settler colonial reality how have they contributed to direct and indirect forms of resistance, narrative formations and acts of remembering? In a series of conversations broadcast online on Radio Al Hara every Thursday of the month of October, Hijawi and Shilleh will be speaking with colleagues, artists, filmmakers, social activists, and friends from different geographies, whose work is connected to or influenced by their diasporic/exilic experience and desire to reconnect. EN - In the fourth conversation of the The Ramallah Club Network Reem Shilleh and Samah Hijawi are speaking with Rasha Salti and Kristine Khouri about the complex relationship between the diaspora and solidarity networks in the 1970’s that were built around, through and beyond the Palestinian struggle for liberation. Rasha and Kristine are curators of the documentary and archival exhibition Past Disquiet in its multiple iterations, which is based on their extensive research of the art and exhibition making in the 1960's and 1970's that exist well outside the canon, and namely the 1978 International Art Exhibition for Palestine, a number of museums in exile, Chilean and South African amongst others. FR - Dans cette quatrième conversation de The Ramallah Club Network Reem Shilleh and Samah Hijawi s’entretiennent avec Rasha Salti et Kristine Khouri à propos des relations complexes entre la diaspora et les réseaux de solidarité des années 1970 qui se sont construits autour, à travers et au-delà de la lutte pour la libération de la Palestine. Rasha Salti et Kristine Khouri sont les commissaires du documentaire et de l’exposition archivistique Past Disquiet, qui a connu différentes occurrences. Ce projet est basé sur leurs recherches à propos de l’art et des expositions produites en dehors des canons esthétiques en vigueur dans les années 1960 et 1970, et plus particulièrement sur l’International Art Exhibition for Palestine de 1978, ainsi que sur un certain nombre de musées en exil, chiliens et Sud-Africains notamment. NL - In het vierde gesprek van de The Ramallah Club Network onderhouden Reem Shilleh en Samah Hijawi zich met Rasha Salti en Kristine Khouri over de complexe relatie tussen de diaspora en solidaire netwerken die zich in de jaren ’70 rond, door en buiten de Palestijnse vrijheidsstrijd ontwikkelden. Rasha en Kristine zijn curatoren van de documentaire en archieftentoonstelling Past Disquiet die herhaaldelijk te zien was en die gebaseerd is op hun diepgaand onderzoek van de kunsten en de tentoonstellingsopbouw die zich ook buiten de canon ontwikkelden in de jaren ’60 en ’70.  Voorbeelden hiervan zijn de International Art Exhibition for Palestine uit 1978, een aantal museums in ballingschap, waaronder de Chileense en de Zuid-Afrikaanse. A project by Samah Hijawi and Reem Shilleh, initiated and coproduced by Kunstenfestivaldesarts 2020 in the context of The Diasporic Schools / Production: Kunstenwerkplaats More info: https://kfda.be/en/festivals/2020-edition/programme/the-ramallah-club-network/

Samah Hijawi and Reem Shilleh took the Ramallah Clubs Network (of the Palestinian diaspora in the USA) as a starting point to reflect on the intricacies and complexities of the Palestinian diaspora and their manifestations. They will explore the experience of being in diaspora and exile and how this formulates one’s relationship to home and homeland. Often, members of the diaspora reconnect through community centres, festivals and events in order to continue their cultural practices, and keep the community connected. But beyond sharing food, dance and conversation, what intangible elements do these gatherings transmit? What are the other forms and tools that are used to understand this convoluted relationship between here and there? In the face of Palestine’s settler colonial reality how have they contributed to direct and indirect forms of resistance, narrative formations and acts of remembering? In a series of conversations broadcast online on Radio Al Hara every Thursday of the month of October, Hijawi and Shilleh will be speaking with colleagues, artists, filmmakers, social activists, and friends from different geographies, whose work is connected to or influenced by their diasporic/exilic experience and desire to reconnect. EN - In the third episode of The Ramallah Club Network, Samah Hijawi and Reem Shilleh are in conversation with the artist Basma Alsharif about their earliest memories and how shifting locations influences their invocation; about distance and image, and about Basma Alsharif's video and writing works, Gaza, metaphors and much more. FR - Pour le troisième épisode de The Ramallah Club Network, Samah Hijawi et Reem Shilleh rencontrent l’artiste Basma Alsharif. Ensemble, elles évoquent leurs tous premiers souvenirs et s’interrogent sur l'influence que peut avoir la déterritorialisation sur leur évocation. Il est question d’image et de distance, du travail vidéographique et d’écriture de Basma Alsharif, de Gaza, de métaphores et de bien d’autres choses. NL - In de derde aflevering van The Ramallah Club Network gaan Samah Hijawi en Reem Shilleh in gesprek met de kunstenares Basma Alsharif en samen hebben ze het over hun vroegste herinneringen en hoe verschuivende locaties hun aanroeping beïnvloeden; over afstand en beeld, en over Basma Alsharif's video- en schrijfwerk, Gaza, metaforen en nog veel meer.  A project by Samah Hijawi and Reem Shilleh, initiated and coproduced by Kunstenfestivaldesarts 2020 in the context of The Diasporic Schools / Production: Kunstenwerkplaats More info: https://kfda.be/en/festivals/2020-edition/programme/the-ramallah-club-network/

Samah Hijawi and Reem Shilleh took the Ramallah Clubs Network (of the Palestinian diaspora in the USA) as a starting point to reflect on the intricacies and complexities of the Palestinian diaspora and their manifestations. They will explore the experience of being in diaspora and exile and how this formulates one’s relationship to home and homeland. Often, members of the diaspora reconnect through community centres, festivals and events in order to continue their cultural practices, and keep the community connected. But beyond sharing food, dance and conversation, what intangible elements do these gatherings transmit? What are the other forms and tools that are used to understand this convoluted relationship between here and there? In the face of Palestine’s settler colonial reality how have they contributed to direct and indirect forms of resistance, narrative formations and acts of remembering? In a series of conversations broadcast online on Radio Al Hara every Thursday of the month of October, Hijawi and Shilleh will be speaking with colleagues, artists, filmmakers, social activists, and friends from different geographies, whose work is connected to or influenced by their diasporic/exilic experience and desire to reconnect. EN - In the second episode of The Ramallah Club Network, Samah Hijawi and Reem Shilleh are in conversation with the filmmaker Michel Khleifi about memory, collective and personal, its relationship to where we are geographically and his work, particularly his 1985 film Maaloul Celebrates Its Destruction. FR - Dans le second épisode de The Ramallah Club Network, Samah Hijawi et Reem Shilleh abordent avec le réalisateur Michel Khleifi la notion de mémoire, aussi bien personnelle que collective, et sa relation avec notre le lieu où nous nous trouvons. La conversation aborde aussi son travail cinématographique, et plus spécifiquement son film de 1985 Maaloul Celebrates Its Destruction. NL - In de tweede aflevering van The Ramallah Club Network gaan Samah Hijawi en Reem Shilleh in gesprek met de filmmaker Michel Khleifi over het geheugen, collectief en persoonlijk, en zijn relatie tot waar we ons geografisch bevinden. Dit gesprek zoomt eveneens in op zijn cinematografisch werk, meer specifiek op zijn film Maaloul Celebrates Its Destruction uit 1985. A project by Samah Hijawi and Reem Shilleh, initiated and coproduced by Kunstenfestivaldesarts 2020 in the context of The Diasporic Schools / Production: Kunstenwerkplaats More info: https://kfda.be/en/festivals/2020-edition/programme/the-ramallah-club-network/

Samah Hijawi and Reem Shilleh took the Ramallah Clubs Network (of the Palestinian diaspora in the USA) as a starting point to reflect on the intricacies and complexities of the Palestinian diaspora and their manifestations. They will explore the experience of being in diaspora and exile and how this formulates one’s relationship to home and homeland. Often, members of the diaspora reconnect through community centres, festivals and events in order to continue their cultural practices, and keep the community connected. But beyond sharing food, dance and conversation, what intangible elements do these gatherings transmit? What are the other forms and tools that are used to understand this convoluted relationship between here and there? In the face of Palestine’s settler colonial reality how have they contributed to direct and indirect forms of resistance, narrative formations and acts of remembering? In a series of conversations broadcast online on Radio Al Hara every Thursday of the month of October, Hijawi and Shilleh will be speaking with colleagues, artists, filmmakers, social activists, and friends from different geographies, whose work is connected to or influenced by their diasporic/exilic experience and desire to reconnect.   EN - In the first episode of The Ramallah Club Network, Samah Hijawi and Reem Shilleh are speaking with the artistic directors of the Kunstenfestivaldesarts - Dries Douibi and Daniel Blanga Gubbay - about the concept of The Diasporic Schools and their own origins. FR - Pour commencer la série de podcast de The Ramallah Club Network, Samah Hijawi et Reem Shilleh s'entretiennent avec les directeurs artistiques du Kunstenfestivaldesarts, Dries Douibi et Daniel Blanga Gubbay, à propos du concept de The Diasporic Schools et de leurs propres origines. NL - Om de reeks podcasts van The Ramallah Club Network te starten, praten Samah Hijawi en Reem Shilleh met de artistiek leiders van het Kunstenfestivaldesarts, Dries Douibi en Daniel Blanga Gubbay, over het concept van The Diasporic Schools en hun eigen afkomst. A project by Samah Hijawi and Reem Shilleh, initiated and coproduced by Kunstenfestivaldesarts 2020 in the context of The Diasporic Schools / Production: Kunstenwerkplaats More info: https://kfda.be/en/festivals/2020-edition/programme/the-ramallah-club-network/

For two decades, Bouchra Khalili’s work has articulated contemporary migratory trajectories, colonial continuum, and the politics of memory of internationalist struggles and collective emancipation. In An Audio Family Album, Bouchra Khalili continues her investigation of Al Assifa’s methodology based on the dying tradition of Al-halqa, the oldest performing art in North Africa. Collaborating with a younger generation of members of the same communities living nowadays in Europe, she proposes an online archive of voices, bringing together stories of emancipation that have helped shape the memories and contemporary strategies of diaspora struggles and that, through this process, are passed on from one generation to the next. Episode #7: Allo, mon père avec Fatima-Zohra Ait El Maâti EN - First-generation immigration was often undertaken by men on their own, leaving their wives and children behind in their home countries. It could take years before these families reunited. Fatima-Zohra is a filmmaker born and raised in Brussels in a Moroccan family. She recalls a story often told by her own mother: Fatima-Zohra’s mother not recognising her own father when he returned from Belgium for the first time. Taking that family story as her departure point, Fatima-Zohra meditates on migration, separation and loneliness. FR - Les premières générations d’immigrés sont souvent constituées d’hommes seuls. Les femmes et les enfants étant resté·e·s dans leur pays d’origine, cela prend parfois de longues années avant que les familles ne puissent se reconstituer. Fatima-Zohra est réalisatrice, née et ayant grandi à Bruxelles dans une famille marocaine. Elle nous fait le récit d’une histoire mainte fois racontée par sa mère : elle n’a pas reconnu son propre père lorsque celui-ci est revenu pour la première fois au Maroc. Partant de cette histoire de famille, Fatima-Zohra redonne un sens qui lui est propre aux notions d’immigration, de séparation et de solitude. NL - De eerste immigratiegeneratie bestond dikwijls uit individuele mannen, van wie de vrouw en kinderen in het thuisland bleven. Het kon jaren duren vooral de families herenigd werden. Fatima-Zohra is een filmmaakster geboren en opgegroeid in Brussel in een Marokkaanse familie. Ze herinnert zich regelmatig een verhaal dat haar moeder haar vertelde: Fatima-Zohra's moeder herkende haar eigen vader niet na zijn eerste terugkeer uit België naar zijn thuisland. Deze herinnering vormt het startpunt van Fatima-Zohra’s verhaal over migratie, afscheiding en eenzaamheid. A project by Bouchra Khalili, initiated and coproduced by Kunstenfestivaldesarts 2020 in the context of The Diasporic Schools. More info: https://kfda.be/en/festivals/2020-edition/programme/an-audio-family-album/

For two decades, Bouchra Khalili’s work has articulated contemporary migratory trajectories, colonial continuum, and the politics of memory of internationalist struggles and collective emancipation. In An Audio Family Album, Bouchra Khalili continues her investigation of Al Assifa’s methodology based on the dying tradition of Al-halqa, the oldest performing art in North Africa. Collaborating with a younger generation of members of the same communities living nowadays in Europe, she proposes an online archive of voices, bringing together stories of emancipation that have helped shape the memories and contemporary strategies of diaspora struggles and that, through this process, are passed on from one generation to the next. Episode #6: Notes for an Introduction to an Amazigh Epistemology with Radouan Mriziga EN - Radouan is a Moroccan-born, Brussels-based choreographer. Tafukt (2020) is a dance solo and the first part of a trilogy focused on epistemologies and mythologies of the Tamazigh – the indigenous population of North Africa. For his contribution to An Audio Family Album, Radouan interrogates new forms of Amazigh epistemology and its potential for diasporic communities. FR - Radouan Mriziga est un chorégraphe marocain vivant et travaillant à Bruxelles. Tafukt (2020) est un solo de danse créé par Radouan, il constitue le premier volet d’une trilogie dans laquelle le chorégraphe explore les mythologies et épistémologies de la culture Tamazigh (une population indigène de l’Afrique du Nord). Pour sa participation à An Audio Family Album, Radouan aborde de nouvelles formes d’épistémologies Amazigh et questionne leur potentiel pour les communautés diasporiques. NL - Radouan is een in Marokko geboren en in Brussel gevestigde choreograaf. Tafukt (2020) is een danssolo en het eerste deel van een trilogie die de epistemologieën en mythologieën van de Tamazigh – een autochtone bevolking in Noord-Afrika - behandelt. Voor zijn bijdrage aan An Audio Family Album, bevraagt Radouan nieuwe vormen van Amazighepistemologie en de mogelijkheden die het gemeenschappen in diaspora kan bieden. A project by Bouchra Khalili, initiated and coproduced by Kunstenfestivaldesarts 2020 in the context of The Diasporic Schools. More info: https://kfda.be/en/festivals/2020-edition/programme/an-audio-family-album/

For two decades, Bouchra Khalili’s work has articulated contemporary migratory trajectories, colonial continuum, and the politics of memory of internationalist struggles and collective emancipation. In An Audio Family Album, Bouchra Khalili continues her investigation of Al Assifa’s methodology based on the dying tradition of Al-halqa, the oldest performing art in North Africa. Collaborating with a younger generation of members of the same communities living nowadays in Europe, she proposes an online archive of voices, bringing together stories of emancipation that have helped shape the memories and contemporary strategies of diaspora struggles and that, through this process, are passed on from one generation to the next. Episode #5: Notes on Oral Feminist Storytelling avec Ikram Ettarrahi EN - Ikram is a visual artist exploring the legacy of oral storytelling from the Rif region of northern Morocco. Starting from the work of Fatima Sadiqi – a Moroccan feminist scholar – Ikram meditates on the many anonymous women who “orally” wrote and perpetuated the memory of anticolonial struggles. Among the most famous epic poems on anticolonial history, and the Rif War in particular, is Dhar Ubharran. Ikram concludes with a performance of fragments of the poem in its original language of Tarifit. FR - Ikram est artiste. Elle explore dans son travail l’héritage des cultures narratives orales de la région nord-marocaine du Rif. Se basant sur les recherches de Fatima Sadiqi (une universitaire féministe marocaine), Ikram entame une réflexion sur les apports des nombreuses femmes qui ont “écrit” oralement, et donc perpétué, la mémoire des luttes anticoloniales. Dhar Ubharran est l’un des poèmes les plus épique et connu célébrant l’histoire anticoloniale, et plus particulièrement la Guerre du Rif. Ikram termine son intervention en récitant des fragments de ce poème dans sa langue originelle : le Tarifit. NL - Ikram is een beeldend kunstenares die de erfenis van de orale tradities uit de Rif-regio in Noord-Marokko onderzoekt. Ze buigt zich over de vele anonieme vrouwen die “mondeling” schreven en zo de antikoloniale strijd bestendigden. Ze neemt hiervoor het werk van Fatima Sadiqi, een Marokkaanse feministische academica als startpunt. Eén van de meest bekende en epische gedichten over antikoloniale geschiedenis en meer bepaald over de Rif Oorlog is Dhar Ubharran. De performance waarmee Ikram afsluit bevat fragmenten van het gedicht in de originele taal Tarifit. A project by Bouchra Khalili, initiated and coproduced by Kunstenfestivaldesarts 2020 in the context of The Diasporic Schools. More info: https://kfda.be/en/festivals/2020-edition/programme/an-audio-family-album/

For two decades, Bouchra Khalili’s work has articulated contemporary migratory trajectories, colonial continuum, and the politics of memory of internationalist struggles and collective emancipation. In An Audio Family Album, Bouchra Khalili continues her investigation of Al Assifa’s methodology based on the dying tradition of Al-halqa, the oldest performing art in North Africa. Collaborating with a younger generation of members of the same communities living nowadays in Europe, she proposes an online archive of voices, bringing together stories of emancipation that have helped shape the memories and contemporary strategies of diaspora struggles and that, through this process, are passed on from one generation to the next. Episode #4: Kecskemét-Oran avec Mohamed Mimoun EN - Mohamed is an activist who was born and is based in Brussels. Raised in an Algerian working-class family, his activism focuses on anticolonial strategies and awareness-raising campaigns on police brutality. Mohamed narrates the stories of two soldiers – Joseph Otto Klems and Joseph Dobos – who deserted from the French Foreign Legion and joined anticolonial movements of liberation in North Africa. FR - Mohamed est un activiste engagé pour la lutte anticoloniale et mène des campagnes de sensibilisation pour dénoncer les violences policières. Mohamed est né et a grandi dans une famille ouvrière d’origine algérienne, il vit encore aujourd’hui à Bruxelles. Pour sa contribution à An Audio Family Album, Mohamed raconte l’histoire de deux soldats français (Joseph Otto Klems et Joseph Dobos) ayant déserté la Légion étrangère pour rejoindre les mouvements anticoloniaux de libération de l’Afrique du Nord. NL - Mohamed is een in Brussel geboren en gevestigd activist. Hij groeide op in een Algerijns arbeidersgezin en zijn activisme bestaat voornamelijk uit antikoloniale strategieën en sensibiliseringscampagnes over politiegeweld. Mohamed vertelt de verhalen van twee soldaten – Joseph Otto Klems en Joseph Dobos, die van het Franse Vreemdelingenlegioen deserteerden en zich aansloten bij de antikoloniale vrijheidsbewegingen in Noord-Afrika. A project by Bouchra Khalili, initiated and coproduced by Kunstenfestivaldesarts 2020 in the context of The Diasporic Schools. More info: https://kfda.be/en/festivals/2020-edition/programme/an-audio-family-album/

For two decades, Bouchra Khalili’s work has articulated contemporary migratory trajectories, colonial continuum, and the politics of memory of internationalist struggles and collective emancipation. In An Audio Family Album, Bouchra Khalili continues her investigation of Al Assifa’s methodology based on the dying tradition of Al-halqa, the oldest performing art in North Africa. She proposes an online archive of voices, bringing together stories of emancipation that have helped shape the memories and contemporary strategies of diaspora struggles and that, through this process, are passed on from one generation to the next. Episode #3: Ceux de l’Exil avec Joachim Ben Yakoub EN - Joachim is a writer and researcher based in Brussels. The son of a Tunisian father and a Belgian mother, Joachim shares his investigation of the first generation of North African activism in Belgium. In his contribution, he explores the work and legacy of Ahl El Hijra – a music band of North African immigrants in Brussels that was active in the mid-70s to early 80s. Ahl El Hijra’s work was committed to North African communities, using music to bear witness to the living conditions of migrant communities in Belgium. Ahl El Hijra mirrors the work of Al Assifa, which provided inspiration to Bouchra Khalili for The Tempest Society and her contribution to The Diasporic Schools. Like Ahl El Hijra, Al Assifa (1972-1978) united a group of North African factory workers in Paris who used theatre, music, street performance and audio recordings to organise migrant communities in France and raise awareness of migrants’ living conditions. FR - Joachim est un écrivain et chercheur basé à Bruxelles. Fils d'un père tunisien et d'une mère belge, Joachim partage son enquête sur la 1re génération d'activisme nord-africain en Belgique. Dans sa contribution, il fouille le travail et l'héritage d'Ahl El Hijra - un groupe de musique composé d'immigrants nord-africains à Bruxelles, actif au milieu des années 70 et au début des années 80. Le travail d'Ahl El Hijra s'est engagé en faveur des communautés nord-africaines, en utilisant la musique pour témoigner des conditions de vie des communautés d'immigrés en Belgique. Ahl El Hijra reflète l'œuvre d'Al Assifa, qui a inspiré à Bouchra Khalili The Tempest Society et cette contribution à The Diasporic Schools. Comme Ahl El Hijra, Al Assifa (1972-1978) a réuni à Paris un groupe d'ouvriers d'usine nord-africains qui ont utilisé le théâtre, la musique, les spectacles de rue et les enregistrements audio pour organiser les communautés d'immigrés en France et susciter des attentes quant à leurs conditions de vie. NL - Joachim is schijver en onderzoeker gevestigd in Brussel. Hij is de zoon van een Tunesische vader en een Belgische Moeder en deelt zijn onderzoek over de eerste generatie van Noord-Afrikaans activisme in België. In zijn bijdrage duikt hij in het werk en de erfenis van Ahl El Hijra – een muziekgroep die actief was in het midden van de jaren ’70 tot de vroege jaren ’80, bestaande uit Noord-Afrikaanse immigranten in Brussel. Ahl El Hijra’s repertoire verwijst naar Noord-Afrikaanse gemeenschappen en gebruikt muziek om getuigenissen over te brengen van de levensomstandigheden van migrantengemeenschappen in België. Ahl El Hijra weerspiegelt het werk van Al Assifa, dat Bouchra Khalili inspireerde voor The Tempest Society en deze bijdrage aan The Diasporic Schools. Zoals Ahl El Hijra in Brussel, kwam in Parijs Al Assifa (1972-1978) samen, een groep Noord-Afrikaanse arbeiders die theater, muziek, straatperformances en audio-opnames gebruikten om de migrantengemeenschappen in Frankrijk te organiseren en om de aandacht te vestigen op de levensomstandigheden van migranten. A project by Bouchra Khalili, initiated and coproduced by Kunstenfestivaldesarts 2020 in the context of The Diasporic Schools. More info: https://kfda.be/en/festivals/2020-edition/programme/an-audio-family-album/

For two decades, Bouchra Khalili’s work has articulated contemporary migratory trajectories, colonial continuum, and the politics of memory of internationalist struggles and collective emancipation. In An Audio Family Album, Bouchra Khalili continues her investigation of Al Assifa’s methodology based on the dying tradition of Al-halqa, the oldest performing art in North Africa. Collaborating with a younger generation of members of the same communities living nowadays in Europe, she proposes an online archive of voices, bringing together stories of emancipation that have helped shape the memories and contemporary strategies of diaspora struggles and that, through this process, are passed on from one generation to the next. Episode 2: Histoire de Hamoudi avec Maja Ajmia Yde Zellama EN - Maja is a filmmaker and an activist who was born in Brussels. The daughter of a Tunisian father and a Danish mother, Maja grew up among men of Arab and Muslim descent: her brothers, cousins and uncles. As an attentive observer, she shares her views on masculinities in diaspora – as constructed by society – and as imposed on the men in her family. Here, Maja’s story is interwoven with Faiza Guene’s descriptions of Hamoudi, a secondary character from her novel Kiffe Kiffe Demain. FR - Maja est une cinéaste et une activiste née à Bruxelles. Fille d'un père tunisien et d'une mère danoise, Maja a grandi parmi des hommes d'origine arabe et musulmane : ses frères, ses cousins, ses oncles. Observatrice attentive, elle partage ses réflexions sur les masculinités en diaspora – telles qu'elles sont construites par la société - et telles qu'elles sont imposées aux hommes de sa famille. Ici, l'histoire de Maja est tissée avec les descriptions de Faiza Guene sur Hamoudi, un personnage secondaire de son roman Kiffe Kiffe Demain. NL - Maja is een filmmaakster en activiste geboren in Brussel. Ze is de dochter van een Tunesische vader en een Deense moeder en groeide op omgeven door Arabische en moslimmannen: haar broers, neven, nonkels. Ze deelt haar blik op verschillende vormen van mannelijkheid in de diaspora, door de samenleving vormgegeven en opgelegd aan de mannen van haar familie. Maja’s verhaal is hier verweven met de beschrijvingen die Faiza Guene maakt van Hamoudi, een personage uit haar boek Kiffe Kiffe Demain. A project by Bouchra Khalili, initiated and coproduced by Kunstenfestivaldesarts 2020 in the context of The Diasporic Schools. More info: https://kfda.be/en/festivals/2020-edition/programme/an-audio-family-album/

For two decades, Bouchra Khalili’s work has articulated contemporary migratory trajectories, colonial continuum, and the politics of memory of internationalist struggles and collective emancipation. In An Audio Family Album, Bouchra Khalili continues her investigation of Al Assifa’s methodology based on the dying tradition of Al-halqa, the oldest performing art in North Africa. Collaborating with a younger generation of members of the same communities living nowadays in Europe, she proposes an online archive of voices, bringing together stories of emancipation that have helped shape the memories and contemporary strategies of diaspora struggles and that, through this process, are passed on from one generation to the next. Episode #1: Abbas et le sociologue avec Abdellali Hajjat EN - Abdellali Hajjat is a Brussels-based sociologist and political scientist, the son of a Moroccan migrant worker living in France. In this examination of an interview between Abdelmalek Sayad – who was central to the introduction of the study of migration in French sociology – and Abbas, an Algerian immigrant, Abdellali meditates on exile and conflicted feelings generated by the lives in transit of first-generation immigrants. Finally, after reading this interview, Abdellali invites us to reflect on the silenced and untold stories of his father’s generation. FR - Abdellali Hajjat est sociologue et politologue. Fils d’un travailleur marocain immigré en France, Abdellali Hajjat vit quand à lui à Bruxelles. À partir de l’analyse d’une interview entre Abdelmalek Sayad (le fondateur en France de la sociologie de l’immigration) et Abbas (un immigré algérien), Abdellali Hajjat propose une réflexion sur l’exil et les sentiments contradictoires engrangés par les vies en transit des immigrés de première génération. Mais à travers son interprétation de cette interview, c’est à repenser l’invisibilité des histoires, jamais racontées, de la génération de son père qu’Abdellali Hajjat nous invite. NL - Abdellali Hajjat is socioloog en politiek wetenschapper die in Brussel gevestigd is en zoon van een Marokkaanse gastarbeider die in Frankrijk leeft. In deze analyse van een interview tussen Abdelmalek Sayad – de oprichter van de Franse sociologie van migratie – en Abbas, een Algerijns immigrant, reflecteert Abdellali over ballingschap en de conflictueuze gevoelens die ontstonden in de levens van onderweg-zijn van de eerste generatie immigranten. Door het lezen van dit interview nodigt Abdellali ons tot slot uit om na te denken over de ongekende en verzwegen verhalen van zijn vaders generatie. A project by Bouchra Khalili, initiated and coproduced by Kunstenfestivaldesarts 2020 in the context of The Diasporic Schools. More info: https://kfda.be/en/festivals/2020-edition/programme/an-audio-family-album/

Ikọ is a podcast conceived by artist Otobong Nkanga and curator Sandrine Honliasso in the framework of Nkanga’s ongoing work Carved to Flow, started in 2017 and acting as a support structure for initiatives engaged in nurturing social, cultural and economic life in distant and connected geographies. Ikọ is thought as an elastic space that stretches towards multiple geographies, encompasses distinct fields of study and relate heterogenous practices to arouse new readings and modes of creating meanings, relations and goods. Bringing together a wide range of voices intermingling with various audio proposal, Ikọ seeks to expand approaches to contemporary cultural and artistic practices and to allow a plurality of voices to be heard. EN - In this episode, Otobong Nkanga will be hosting a conversation between Felwine Sarr Professor of Romance Studies at Duke University and Shela Sheikh,  Lecturer in the Department of Media, Communications and Cultural Studies at Goldsmiths, University of London. The discussion draws parallels between ways of understanding and engaging with living and more than living entities that inform economic processes and production of knowledge. Our guests share their reflection on alternative modes of thinking pluralities of tangible and immaterial resources as a way to build communities of living. For the Ikọ Zone (Part 2) we will be listening to an Ibibio song and a poem written by Utibe-Abasi Nkanga, polyglot and conference interpreter living in Nigeria.  FR - Dans cet épisode en deux parties, Otobong Nkanga est l’hôte d’une conversation entre Felwine Sarr, Professeur dans le département d'Études Romanes à l’Université de Duke, et Shela Sheikh, conférencière au département Média, Communication et études culturelles de l’Université de Goldsmiths. La discussion établi un parallèle entre les manières, distinctes, de comprendre et d'appréhender le vivant, d’une part, et le “plus-qu’-humain” d’autre part, dans leur capacité à influencer les processus économiques et de production de savoir. Nos invités partagent leurs réflexions quand aux possibilités de conceptualiser de nouvelles manières de penser les ressources matérielles et immatérielles en tant que moyens de construction de nouvelles communautés du vivant. Dans l’Ikọ Zone (Partie 2), nous écoutons un chant Ibibio et un poème écrit par Utibe-Abasi Nkanga, polyglotte et interprète vivant au Nigéria.  NL - In deze tweedelige aflevering presenteert Otobong Nkanga een gesprek tussen Felwine Sarr Professor Romaanse talen aan de Duke University en Shela Sheikh, docente in het Department of Media, Communications and Cultural Studies aan Goldsmiths, University of London. In de discussie komt de vergelijking naar voren tussen de verschillende manieren om enerzijds het leven en anderzijds het “boven-menselijke” te begrijpen en te vatten en de mogelijkheid die ze hebben om economische processen en kennisproductie te beïnvloeden. De genodigde sprekers delen hun gedachten over de conceptualiseringsmogelijkheden om materiele en immateriële bronnen te herdenken als bouwmethodes voor nieuwe gemeenschappen van leven. Voor de Ikọ Zone (deel 2) luisteren we een Ibibio-lied en een gedicht geschreven door Utibe-Abasi Nkanga, polyglot en conferentietolk, gevestigd in Nigeria.  Ikọ podcast is co-produced and supported by Kunstenfestivaldesarts 2020 in the framework of The Diasporic Schools and Carved to Flow. Founders: Otobong Nkanga, Sandrine Honliasso / Curator: Sandrine Honliasso / Sound designer: Giocomo Turra / Graphic designer: Antonin Faurel / Sound editor: Octave Broutard

Ikọ is a podcast conceived by artist Otobong Nkanga and curator Sandrine Honliasso in the framework of Nkanga’s ongoing work Carved to Flow, started in 2017 and acting as a support structure for initiatives engaged in nurturing social, cultural and economic life in distant and connected geographies. Ikọ is thought as an elastic space that stretches towards multiple geographies, encompasses distinct fields of study and relate heterogenous practices to arouse new readings and modes of creating meanings, relations and goods. Bringing together a wide range of voices intermingling with various audio proposal, Ikọ seeks to expand approaches to contemporary cultural and artistic practices and to allow a plurality of voices to be heard. In this episode, Otobong Nkanga will be hosting a conversation between Felwine Sarr Professor of Romance Studies at Duke University and Shela Sheikh,  Lecturer in the Department of Media, Communications and Cultural Studies at Goldsmiths, University of London. The discussion draws parallels between ways of understanding and engaging with living and more than living entities that inform economic processes and production of knowledge. Our guests share their reflection on alternative modes of thinking pluralities of tangible and immaterial resources as a way to build communities of living. Within the Ikọ Zone (Part 1) we will listen to two poems written and read by Kechi Nomu, a poet and writer living in Nigeria. Dans cet épisode en deux parties, Otobong Nkanga est l’hôte d’une conversation entre Felwine Sarr, Professeur dans le département d'Études Romanes à l’Université de Duke, et Shela Sheikh, conférencière au département Média, Communication et études culturelles de l’Université de Goldsmiths (Londres). La discussion établi un parallèle entre les manières, distinctes, de comprendre et d'appréhender le vivant, d’une part, et le “plus-qu’-humain” d’autre part, dans leur capacité à influencer les processus économiques et de production de savoir. Nos invités partagent leurs réflexions quand aux possibilités de conceptualiser de nouvelles manières de penser les ressources matérielles et immatérielles en tant que moyens de construction de nouvelles communautés du vivant. À l’intérieur de l’Ikọ Zone (Partie 1), nous écoutons deux poèmes écrits et lus par Kechi Nomu, poétesse et écrivaine vivant au Nigéria. In deze tweedelige aflevering presenteert Otobong Nkanga een gesprek tussen Felwine Sarr Professor Romaanse talen aan de Duke University en Shela Sheikh, docente in het Department of Media, Communications and Cultural Studies aan Goldsmiths, University of London. In de discussie komt de vergelijking naar voren tussen de verschillende manieren om enerzijds het leven en anderzijds het “boven-menselijke” te begrijpen en te vatten en de mogelijkheid die ze hebben om economische processen en kennisproductie te beïnvloeden. De genodigde sprekers delen hun gedachten over de conceptualiseringsmogelijkheden om materiele en immateriële bronnen te herdenken als bouwmethodes voor nieuwe gemeenschappen van leven. In de Ikọ Zone (deel 1) luisteren we naar twee gedichten geschreven en voorgelezen door Kechi Nomu, een dichteres en schrijfster die in Nigeria woont. Ikọ podcast is co-produced and supported by Kunstenfestivaldesarts 2020 in the framework of The Diasporic Schools and Carved to Flow. Founders: Otobong Nkanga, Sandrine Honliasso / Curator: Sandrine Honliasso / Sound designer: Giocomo Turra / Graphic designer: Antonin Faurel / Sound editor: Octave Broutard

Ikọ is a podcast conceived by artist Otobong Nkanga and curator Sandrine Honliasso in the framework of Nkanga’s ongoing work Carved to Flow, started in 2017 and acting as a support structure for initiatives engaged in nurturing social, cultural and economic life in distant and connected geographies. Ikọ is thought as an elastic space that stretches towards multiple geographies, encompasses distinct fields of study and relate heterogenous practices to arouse new readings and modes of creating meanings, relations and goods. Bringing together a wide range of voices intermingling with various audio proposal, Ikọ seeks to expand approaches to contemporary cultural and artistic practices and to allow a plurality of voices to be heard. EN - In this episode Otobong Nkanga engages a conversation with organic Urban Food Grower Ashna Afroze Ahmed, founder of Prakriti Farming an organization working towards sustainable urban farming in Dhaka, Bangladesh. As Covid-19 has worldwide increase social inequalities and further exposed growing unequal access of individual to vital needs, this episode leans on the case Prakriti Farming to think about the actions of solidarity initiatives in situation of crisis. Within the Ikọ Zone we will listen to a story written and read by Skye Arundhati Thomas a writer and editor living in Mumbai. Dans cet épisode Otobong Nkanga s’entretient avec Ashna Afroze Ahmed, agricultrice urbaine et fondatrice de Prakriti Farming. Prakriti Farming est une coopérative agricole qui développe des cultures urbaines et durables dans la ville de Dhaka, au Bangladesh. Comme partout dans le monde, la crise du Covid-19 a creusé les inégalités sociales et exacerbé les difficultés qu’ont les plus pauvres à se procurer des biens de première nécessité. Cet épisode nous présente les initiatives et les actions de solidarité entreprises par Prakriti Farming en réponse à cette situation critique. Dans l’Ikọ Zone, nous écoutons un récit écrit et lu par Skye Arundhati Thomas, qui est autrice et éditrice à Mumbai. In deze aflevering knoopt Otobong Nkanga een gesprek aan met de biologische Urban Food Grower Ashna Afroze Ahmed, oprichtster van Prakriti Farming, een organisatie die werkt rond duurzame landbouw in Dhaka, Bangladesh. Covid-19 deed wereldwijd sociale ongelijkheden toenemen en legde de groeiende, ongelijke toegang tot individuele, levensbelangrijke noden bloot. Deze aflevering neemt het voorbeeld van Prakriti Farming om na te denken over de solidariteitsacties en -initiatieven in crisissituaties. In de Ikọ Zone zullen we luisteren naar een verhaal dat geschreven en voorgelezen wordt door Skye Arundhati Thomas, een schrijfster en uitgeefster die in Mumbai woont. Ikọ podcast is co-produced and supported by Kunstenfestivaldesarts 2020 in the framework of The Diasporic Schools and Carved to Flow. Founders: Otobong Nkanga, Sandrine Honliasso / Curator: Sandrine Honliasso / Sound designer: Giocomo Turra / Graphic designer: Antonin Faurel / Sound editor: Octave Broutard

Ikọ is a podcast conceived by artist Otobong Nkanga and curator Sandrine Honliasso in the framework of Nkanga’s ongoing work Carved to Flow, started in 2017 and acting as a support structure for initiatives engaged in nurturing social, cultural and economic life in distant and connected geographies. Ikọ is thought as an elastic space that stretches towards multiple geographies, encompasses distinct fields of study and relate heterogenous practices to arouse new readings and modes of creating meanings, relations and goods. Bringing together a wide range of voices intermingling with various audio proposal, Ikọ seeks to expand approaches to contemporary cultural and artistic practices and to allow a plurality of voices to be heard. In this episode, Otobong Nkanga introduces a discussion between fashion designer Gozi Ochonogor and multidisciplinary artist and designer Aboubakar Fofana. The conversation will explore how each one articulates their textile practice and inclusion in the fashion industry and sustainable mode of production. It will furthermore reflect on their conceptions of fabric and fashion as a site for community building and support. Within the Ikọ Zone we listen to Nola Cherri, a singer, songwriter and visual artist living in Paris. Dans cet épisode Otobong Nkanga initie une rencontre entre la styliste Gozi Ochonogor et l’artiste pluridisciplinaire, lui aussi styliste, Aboubakar Fofana. La conversation met en lumière la manière dont chacun·e aborde son travail textile, l’inscrit dans une filière de production durable et l’insert dans l’industrie de la mode. Mais l’échange valorise surtout leurs pratiques comme étant des espaces pour bâtir des entreprises communes et de soutiens mutuels. Dans l’Ikọ Zone nous écoutons la chanteuse, parolière et artiste visuelle, parisienne d’adoption, Nola Cherri. In deze aflevering leidt Otobong Nkanga een gesprek in tussen mode-ontwerpster Gozi Ochonogor en multidisciplinair artiest en designer Aboubakar Fofana. In het gesprek zullen ze dieper ingaan op hoe ze elk hun eigen textielpraktijk vormgeven en integreren in de mode-industrie en in een duurzaam productieproces. In het gesprek komen ook hun opvattingen over stoffen en mode als een plaats voor gemeenschapsvorming en -ondersteuning aan bod. In de Ikọ Zone luisteren we naar Nola Cherri, een zangeres, songwriter en visueel artieste uit Parijs. Ikọ podcast is co-produced and supported by Kunstenfestivaldesarts 2020 in the framework of The Diasporic Schools and Carved to Flow. Founders: Otobong Nkanga, Sandrine Honliasso / Curator: Sandrine Honliasso / Sound designer: Giocomo Turra / Graphic designer: Antonin Faurel / Sound editor: Octave Broutard

Ikọ is a podcast conceived by artist Otobong Nkanga and curator Sandrine Honliasso in the framework of Nkanga’s ongoing work Carved to Flow, started in 2017 and acting as a support structure for initiatives engaged in nurturing social, cultural and economic life in distant and connected geographies. Ikọ is thought as an elastic space that stretches towards multiple geographies, encompasses distinct fields of study and relate heterogenous practices to arouse new readings and modes of creating meanings, relations and goods. Bringing together a wide range of voices intermingling with various audio proposal, Ikọ seeks to expand approaches to contemporary cultural and artistic practices and to allow a plurality of voices to be heard. EN - In this first episode, we meet Aisha Conté, founder of Nyara a brand and store of phyto-aromatherapy products and jewelry based in Senegal. Otobong Nkanga will be in discussion with Aisha Conté, a doctor in Pharmacy who will take us on her personal journey, from working with the pharmaceutical industry to developing and exploring skin and health care products made from local ingredients. Aisha Conté will expand on different aspects of Nyara and how they connect with the social, environmental and economic structures within the Senegalese context and beyond. In the second part of this podcast, Sandrine Honliasso presents Ikọ Zone – for each episode, a musician, poet or writer share with us a part of their world. In this first episode we will listen to a sound intervention by Adelle Nqeto, singer and songwriter from South Africa living in Berlin. FR - Dans ce premier épisode nous rencontrons Aisha Conté, fondatrice de Nyara, une marque et des magasins de produits de phyto-aromathérapie et de bijoux basée au Sénégal. Otobong Nkanga s’entretien avec Aisha Conté qui nous relate son parcours : Doctoresse en pharmacie, elle a d’abord été employée dans l’industrie pharmaceutique, pour prendre ensuite son indépendance et entamer un travail de recherche afin de développer des cosmétiques et des soins pour la peau élaborés à partir de produits locaux. Aisha Conté éclaire différents aspects de la démarche entreprise avec Nyara et la manière dont cette activité est connectée avec les structures et les dimensions sociales, économiques et environnementales autant au niveau sénégalais que mondial. Dans la seconde partie du podcast, Sandrine Honliasso nous présente Ikọ Zone, une capsule au sein de laquelle un·e musicien·ne, un·e poète·étesse, un·e écrivain·e partage avec nous son univers. Dans ce premier épisode nous écoutons une intervention sonore de la chanteuse et parolière Sud-Africaine basée à Berlin Adelle Nqeto. In deze eerste aflevering maken we kennis met Aisha Conté, oprichtster van Nyara, een merk en een winkel van fyto-aromatherapeutische producten en juwelen, gevestigd in Senegal. Otobong Nkanga gaat in gesprek met Aisha Conté, doctor in de farmaceutische wetenschappen die ons haar levensverhaal onthult. Waar ze aanvankelijk in de farmaceutische industrie aan het werk was, onderzoekt en ontwikkelt ze naderhand huid- en gezondheidsproducten gemaakt van lokale ingrediënten. Aisha Conté licht de verschillende aspecten van Nyara toe en hoe ze verweven zijn met sociale, economische en milieugerelateerde structuren, zowel in de Senegalese context als op wereldschaal. In het tweede deel van deze podcast presenteert Sandrine Honliasso Ikọ Zone – een onderdeel van de aflevering, waarin een muzikant.e, dichter.es of schrijver ons in hun wereld uitnodigt. In deze eerste aflevering luisteren we naar een geluidsinterventie van de Zuid-Afrikaanse, in Berlijn wonende zangeres en tekstschrijfster Adelle Nqeto. Ikọ podcast is co-produced and supported by Kunstenfestivaldesarts 2020 in the framework of The Diasporic Schools and Carved to Flow. Founders: Otobong Nkanga, Sandrine Honliasso / Curator: Sandrine Honliasso / Sound designer: Giocomo Turra / Graphic designer: Antonin Faurel / Sound editor: Octave Broutard