Los Vinilos de Barbarella

Ya estamos aquí. en un nuevo programa de Los Vinilos de Barbarella. Estamos en el esperado programa navideño que hacemos cada año. Hoy tenemos aquí a Carlos Buendía participando del programa, también hablando y al mando de la nave con todos los aparatos y todos los cables. En frente tengo a Isidro Soria. Eduardo, a su lado que nos desea Feliz Navidad. Y un servidor, Antonio Buendía. Después de 365 días, se ha desvelado el secreto de la Navidad con Bob Dylan cantando Villancicos. Un disco del 2009, que justamente esta semana ha salido en vinilo. O sea, que tenemos aquí el recién salido del horno. Había salido un CD en su momento. Es el número 34 en la carrera de Bob Dylan. El disco en cuestión se llama "Christmas in the Heart", o sea, algo así como "Navidades en el corazón”. Bob Dylan ha sido y es una de las figuras más importantes del folk contemporáneo y, de hecho, de los artistas más influyentes, tanto para el folk como para incluso del rock. Las letras y lo reivindicativo que era todo fue algo que marcó a una generación. Una de sus canciones más rockeros y recordadas "Like a rolling stone", fue considerada o está considerada como el mejor tema en todos los tiempos. Un músico a los que las generaciones. posteriores han usado como referente. Sin duda alguna, junto a The Beatles y Rolling Stones, Bob Dylan es una de las figuras más influyentes que ha habido en la historia de la música. Con una discografía tan extensa, tiene muchísimos altibajos. De hecho, la mitad de discografía de Dylan, o más de la mitad, es complicada. Este disco que vamos a escucharm está grabado en las épocas más bajas de Dylan. La recaudación de este disco iba destinado a dos causas benéficas como erradicar el hambre en Estados Unidos y luego un programa de la ONU de alimentos. A destacar la participación en el disco del músico David Hidalgo, de la banda de origen mexicano, Los Lobos, en el que ha tocado el acordeón, guitarra, mandolina y violín. Otra figura destacada es el bajista Tony Garnier, que hizo durante mucho tiempo de director musical del músico americano. Como bien sabéis, el hecho de ser judió no le impidió grabar esta serie de villancicos y canciones tradicionales de la cristiandad, algunas de ellas con arreglos efectuados por él mismo, tocando también la guitarra, teclados, cantando (con más bien poco acierto) y por supuesto, su conocidísima armónica. En Estados Unidos el disco llegó a alcanzar el número 23 en el Billboard 200 y el número 1 como disco navideño.

Han pasado dos años desde que el equipo de Los Vinilos de Barbarella inició su andadura en Ràdio Sant Feliu. Más de un año antes, el director de la emisora, había contactado con nosotros, que ya veníamos de una largo camino en el podcasting. Nos ofreció formar parte de la parrilla de Ràdio Sant Feliu para poder hacer llegar nuestra pasión por los vinilos musicales a los oyentes de esta emisora del Baix Llobregat. Por desgracia, la pandemia truncó esa primera entrada, pero una vez dejada atrás, volvimos a las conversaciones y se pudo poner fecha para el primer programa. Hemos tenido muchos invitados, amigos que se han pasado por el programa, para hablar de sus proyectos y de los  vinilos que más le gustaban.  Porque eso sí, no hemos dejado de hablar de música y vinilos. Hemos querido ser un bálsamo para los tiempos que nos han tocado vivir, intentado evitar cualquier distracción más allá de escuchar de lo que nosotros entendemos por buena música, con mejor o peor acierto. De esta corta pero provechosa estancia, nos llevamos buenas cosas: La experiencia de trabajar en radio, algo que desconocíamos. Esto nos ha servido para ser más metódicos, más rigurosos, marcarnos pautas y metas. Esto que parecen pequeños detalles, no lo son en absoluto y esperamos poder aplicarlos en el mundo del podcasting a partir de ahora. Conocer a gente del entorno radiofónico: a todo el equipo técnico y de comunicación.  A Jymy Jiménez, del programa BlackCorb Day, compañero con el que compartimos música y cervezas. Y a todos los que hemos podido ver por allí y con los que hemos podido coincidir. No quisiéramos olvidarnos de ninguno, perdón si al final lo hacemos. Como decíamos en la grabación de este último programa, con dos canciones icónicas como pueden ser 'The Next Goodbye' de The Rolling Stones y 'Hello Goodbye' de The Beatles, no es una despedida, es un hasta siempre, volvemos al sito de donde procedemos, al podcasting. Creemos que será un nuevo camino con nuevas formas de hacer las cosas, con más experiencia y algunos años más, y con unos conocimientos que sin este paso por Ràdio Sant Feliu no hubiese sido posible adquirir, excepto los de Carlos Buendía, que estuvo haciendo sus prácticas de sonido en esta casa. Y lo hemos hecho con un álbum que también fue una despedida.  Eso sí, una despedida inesperada, una despedida sin decir adiós, como lo hemos hecho nosotros. El gran guitarrista norteamericano Jimi Hendrix y su banda, The Jimi Hendrix Experience, grababa este último disco, 'Electric Ladyland', con muchas ideas para futuros trabajos que no se materializaron, porque desgraciadamente, pasaría a formar parte de ese terrible Club de los 27, donde también están otros grandes como Brian Jones, de los Stones, Janis Joplin, Kurt Kobain de Nirvana, Amy Winehouse o Jim Morrison de The Doors, entre otros. Este disco de casi despedida ha sido el que escogimos entre los colaboradores habituales del programa (Eduardo Antón, José María Arellano, Antonio Benete, Carlos Buendía, Juan Manuel Escrihuela, Albert García Carbó y Patricia Torres o la reciente incorporación de Isidro Soria), personas sin las que estos Vinilos de Barbarella, sería imposible llevar a cabo, y personas que se han comprometido para seguir adelante con lo que venga a continuación. Escoger este disco y poder hablar sobre él, ha sido una forma especial de despedida de Ràdio Sant Feliu.  Un adiós que es menos adiós si es Hendrix quien nos acompaña. A todos, gracias por todo. ¡Salud y Vinilos!

A pesar de tener solo diecinueve años cuando grabó este trabajo, Mike Oldfield ya había sido músico profesional desde los quince años, cuando tocó con su hermana Sally Oldfield en el dúo Sallyangie. Con sólo 13 años, ya había actuado en algún que otro club de folk del área de Reading. En 1969, el dúo firmó con el sello Trasanlantic, grabando un único álbum ‘Children Of The Sun’, siendo sus representantes la agencia NEMS, que fue creada en su día por Brian Epstein, el que fuese mánager de The Beatles. Trasanlantic decidió no seguir con ellos, y el dúo como tal, desapareció. Sally Oldfield continuó en solitario (con algunas idas y venidas posteriores con Mike), y éste formó con Terry, otro de los hermanos, la banda de rock Barefoot. A través de dicha agencia NEMS, pasaron a trabajar para Blackhill Enterprises, dirigida por los primeros managers de Pink Floyd, Peter Jenner y Andrew King. En la agencia, además contaban con Syd Barret o el ex-bajista de Soft Machine, Kevin Ayers, con el que posteriormente Mike Oldfield tendría una dilatada carrera. Ayers ya había empezado su carrera en solitario con el álbum ‘Joy Of a Toy’. Como necesitaba una banda , Blackhill le puso en contacto con Mike Oldfield. En 1970 pasó a formar parte de dicha banda, Kevin Ayers and The Whole World como bajista. En 1970 ya compartirían cartel con Pink Floyd.

El pasado 30 de noviembre nos dejó Christine Anne Perfect, conocida como Christine McVie (1943-2020), a la edad de 79 años. Christine fue teclista, cantante y compositora de muchos de los éxitos de una de las bandas más legendarias y laureadas de la historia: Fleetwood Mac. Y el disco que traemos hoy, es nada más ni nada menos que Rumors, el undécimo disco de Fleetwood Mac, publicado en 1977, y uno de los discos más vendidos de la historia, exactamente está en el nº 7 del ranking, con más de 40 millones de copias vendidas en todo el mundo. Antes de hablar del primer tema del programa, un poco de cotilleo, ya que al hablar de Christine McVie y John McVie, hay quien se preguntará que relación habían entre ellos. Christie Ann Perfect se casó con John McVie en 1968, adoptó su apellido, y se divorciaron en 1976, aunque siguieron juntos en la banda. El primer tema que escucharemos en el programa, es el que abre el álbum: Second Hand News, “noticias de segunda mano”. Está compuesta por Lindsey Buckingham (guitarra y voz en esta formación), y según cuenta, la escribió después de escuchar el Jive Talkin de los Bee Gees. Trata de un amante despreciado, aunque las guitarras suenen un poco alegres y sugieran más un sentimiento de despedida. Cuenta también que como Mike Fleetwood, el batería, no daba con el ritmo, Buckingham lo tocó en una silla de oficina, para conseguir el efecto que quería. La línea de bajo la reescribió John McVie, usando solamente notas negras y haciéndola más sencilla de cómo la había pensado Buckingham

Dark Side of the Moon es el octavo disco de Pink Floyd, un hito en la historia de la música, y sin lugar a dudas, uno de los mejores discos de la historia de todos los tiempos. Es un álbum conceptual. Cada cara del álbum está formada por cinco temas unidos que representan varios estados de la vida humana: el estrés, el envejecimiento, el miedo a la muerte, la avaricia, la empatía, y también la locura, esto último inspirado por el deterioro mental de Syd Barrett, quien había sido el fundador de la banda, amigo, líder, compositor y letrista desde 1964 hasta 1968. Pero esa es otra historia. La contamos en nuestro podcast número 78, dedicado a su noveno disco, 'Wish You Were Here' (volverá a estar disponible en esta web en breve). Como en ese programa dimos un repaso a la biografía del grupo, en éste, nos vamos a centrar solamente en 'The Dark Side of the Moon', y os remito a escuchar quien no lo haya hecho ese podcast, que nos quedó muy chulo e interesante. El disco empieza y termina con los latidos del corazón. 'Speak To Me' es un tema firmado por Mason, y 'Breath (In The Air)', firmado por Waters, Gilmour y Wright donde se refieren a las cosas cotidianas y fútiles de la vida, pero con la amenaza de la locura y la importancia de vivir cada uno su propia vida Curiosamente, nunca llegó al número 1 en las listas inglesas, y solamente estuvo 1 semana en el número 1 en los Estados Unidos. En cambio, acumuló 19 años en la lista Billboard y vendió más de 50 millones de copias en todo el mundo, lo que lo convierte en uno de los discos más vendido de la historia.  Con motivo del 50 aniversario, además de la inevitable caja especial con el disco, CD y contenidos extras, que seguro son interesantes, resulta que en uno de esos delirios de grandeza a los que nos ha acostumbrado Roger Waters, ha regrabado de nuevo el disco, porque considera que fue una idea suya, que es suyo, y todo ese rollo. Pero antes de intentar desmontar la historia, hablaremos del siguiente tema 'On The Run',  que evoca el estrés y la ansiedad que provoca el transporte moderno, en donde trasladan en particular el miedo de Wright a volar, llevando la trama de la canción a un aeropuerto.

Los Brincos se formaron en Madrid en 1964, su representante Luís Sartorius, consiguió que fueran fichados por la discográfica española Zafiro. Convenció a la compañía de que en España podía lanzarse con éxito un grupo al estilo de las bandas británicas del beat, pero con personalidad propia e interpretando sus propias composiciones. Sartorius murió en accidente de tráfico poco antes del lanzamiento de este disco, habiendo sentado las bases de un proyecto que se plasmó en el estudio de la mano de Marini Callejo, que había sido cantante y pianista de Los Brujos, grupo donde él fue el fundador. A Los Brincos se les llegó a conocer como Los Beatles españoles En la promoción anterior al disco, RTVE elaboró un reportaje llamado “Así se forma un conjunto”, donde se mostraba cómo se aplicaban los métodos que habían hecho grandes a The Beatles en la creación de Los Brincos. Se les conoció como Los Beatles españoles. Si bien en este primer trabajo el principal referente es el merseybeat. El mayor problema en la elaboración del disco surge en la mayoría de los temas cantados en inglés, ya que sin dominar todavía el idioma se les nota las carencias para componer de forma que suenen más propios. Su imagen en los primeros tiempos, aunque inspirada en los grupos beat británicos, incluía elementos más o menos castizos como podían ser las capas españolas o los cascabeles en sus zapatos.

Hoy vamos a dedicar el programa al 40 Aniversario de uno de los grandes discos del rock,  este caso, se trata del vinilo 'Synchronicity', quinto y último trabajo de la banda de rock inglesa The Police. La elección ha sido complicada dentro de su discografía. Es bien cierto que podíamos haber escogido alguno de sus dos primeros discos, que son también muy conocidos, pero hemos optado por este porque creemos que es el trabajo más maduro de la banda, que recoge un nuevo sonido y parecía abrir nuevas puertas y un gran futuro a The Police. Lamentablemente, no fue así. La banda se separó prácticamente al año de la salida de este disco, justo al terminar la gira de presentación del mismo. Fue una lástima porque nos The Police creer que tenían todavía mucho camino por delante y que el sonido y la creatividad estaban cogiendo gran fuerza, y que estaban preparados para ofrecer mucho más. El término 'Sincronicidad' fue creado por el psiquiatra, psicólogo y ensayista suizo Carl Gustav Jung. Dicho término se refiere a la "simultaneidad de dos sucesos vinculados por el sentido pero de manera casual." Es un término complejo para los que somos neófitos en la materia. Explicándolo en palabras más sencillas, la sincronicidad se da cuando ocurre una coincidencia sorprendente que se da de forma casi mágica.  Estos dos temas del disco (Synchronicity I y Synchronicity II) hablan en sí de estas teorías y de otras relacionadas con ellas. Sting desde luego es mucho más que un músico al uso, es una persona interesada en muchos otros aspectos ajenos a ésta. En estos dos temas tenemos a Sting a la voz, sintetizador y caja de ritmos. Andy Summers a la guitarra y teclados y Stewart Copeland a la batería.  'Synchrocity II' suena mucho más rockera que su primera parte, donde se hace más uso de los sintetizadores. La guitarra de Summers suena genial, con unos riffs impactantes. Fue lanzada como single del álbum alcanzando el puesto 17 en las listas del Reino Unido y el 16 en USA.

Hoy os vamos a traer un proyecto recién salido del horno, que es el ‘This Is Why’ de Paramore, que se trata del sexto álbum de la banda americana. Paramore ha pasado por varias épocas dentro de su discografía tal y como ya comentamos en un programa anterior, pero en esta ocasión nos vamos a centrar más en su evolución analizando de forma más o menos breve cada álbum de estudio, intentando ser lo más imparcial posible ya que es una banda que me encanta, pero como todas, no es perfecta. El primer disco de la banda fue el ‘All We Know Is falling’ del año 2005. Personalmente considero que sin ser un mal disco, y aunque en una época que me enganchó bastante, no es su mejor proyecto. En muchas de las canciones se nota ese sentimiento adolescente de «nadie me entiende y todo el mundo está en mi contra», y es algo que claramente, no ha envejecido bien. A nivel de general no está mal dentro de lo que fue el Pop Punk y el Emo Pop de la época, pero teniendo en cuenta que en el año 2005 ya habían salido discos como el ‘Three Cheers for Sweet Revenge’ de MCR que eran mucho mejores en todos los sentidos Su segundo disco fue el “Riot!” del año 2007, que fue el disco que les catapultó a la fama sobretodo gracias a su single ‘Misery Business’. Es un proyecto que, a pesar de que también varias de sus canciones, fueron escritas en una época muy temprana de su carrera, mejora en todo respecto al anterior. La producción se notaba más cuidada, del mismo modo la mezcla que era bastante mejor que su anterior proyecto, y el cambio hacía una dirección más cercana a lo que hicieron Blink-182 con su proyecto homónimo les sentó realmente bien. Sin entrar mucho más en detalles, tiene algunas de las mejores canciones de toda su discografía, pero también tiene otras que dejan que desear un poco por motivos parecidos al primer disco. El tercer disco de la banda fue el “Brand New Eyes” lanado el año 2009. Durante mucho tiempo fue mi disco favorito de la banda y la verdad es que no es para menos, porque aquí fue cuando el grupo empezó a despuntar a nivel creativo. El grupo tomo una dirección hacia el Rock Alternativo parecido al de bandas como Placebo o Anberlin, pero manteniendo parte del estilo más Emo, tanto a nivel lírico como en gran parte de la composición melódica de los temas, algo que les había caracterizado hasta la fecha, siendo así uno de los proyectos más interesantes de aquella década de dicho género. Entrando ya a principios de la década pasada, más concretamente en el año 2013 Paramore lanzó el que fue su cuarto album de título homónimo, ‘Paramore’ la banda ya se aleja totalmente de toda aquella escena Emo de la que les hizo brillar tanto en su primera época. Esta vez nos trajeron un disco doble de Pop Rock y Power Pop a medio camino entre lo que serían bandas como Weezer, pero con un toque algo ochentero. Era un disco con letras mucho más positivas y empoderadas en líneas generales y con una producción muchísimo más cuidada, además de tener temas realmente memorables. Sin duda la banda evolucionaba a pasos agigantados y los cambios de estilo les sentaba realmente bien.

Aunque el título original del disco es 'Medina Azahara', se le conoce popularmente como 'Paseando por la mezquita'. Los músicos que grabaron este disco son: Manuel Martinez voz, Miguel Galán guitarra, Manuel Salvador Molina bajo, Jose Antonio Molina batería y a los teclados Pablo Rabadán. Medina Azahara está reconocida como una de las agrupaciones más emblematicas del Rock Andaluz, se formaron en 1979 en Córdoba. El nombre de la banda viene de la ciudad califal cercana a la ciudad. Fueron lanzados al gran público por Rafael Martín Parraga, en la feria de septiembre de Córdoba. Poco después de su formación tuvieron la oportunidad de entrar en los estudios de CBS para grabar su primer el album, que contenía 'Paseando por la mezquita', que se convirtió en un himno del grupo. Este primer trabajo recoge las influencias de la banda, mezclando el Hard Rock de nombres como Deep Purple o Rainbow con caracteristicas propias del Rock Sinfónico. También del mencionado Rock Andaluz que practicaban grupos como Triana, el cual ha sido una de las mayores influencias en su estilo. Aunque el título original del disco es 'Medina Azahara', se le conoce popularmente como 'Paseando por la mezquita' Siguen grabando nuevos álbumes de estudio, 'Dónde está la luz' , 'Arabe' y 'Tánger' entre otros. Aparece su segundo disco en directo, 'A toda esa gente' donde se muestran como un grupo potente sobre los escenarios . Con la entrada del nuevo siglo, siguen grabando algunos discos, rindiendo homenaje con sus versiones a Triana, Miguel Ríos, Los Módulos o Los Salvajes. También se atrevieron con una versión en castellano del tema de Scorpions, 'Wind of Change'. En la actualidad siguen activos a día de hoy, sacando algún que otro disco de estudio, pero su fuerte sigue siendo los conciertos en directo. El guitarrista Paco Ventura, que entró en la banda en 1989, les ha dado mucha garra en los escenarios.

Hace unos días, nos vino a visitar al estudio Rubén Rois, un buen amigo, que aprovechó para presentarnos su libro 'La Desbanalización de los Videojuegos', de la Editorial Autografía. Rubén tiene su propio Podcast,  “Co-oP 2 Players”  así como co-productor del programa “El Raccoon del Joc”, tanto en Youtube como en Ivoox. Asimismo, ha participado en política y en activismo social, habiendo sido voluntario de organizaciones como Cruz Roja y Banc d’Aliments. Actualmente, colabora con la protectora de animales 7Vides en Òdena (Igualada). En el libro "La Desbanalización de los videojuegos" Rubén argumenta que los videojuegos han sido banalizados en la cultura popular, y que esto ha llevado a una falta de comprensión de los videojuegos como una forma de arte y entretenimiento legítima. Asimismo, aborda la idea de que los videojuegos son a menudo considerados como una forma de entretenimiento infantil o inmaduro, y que esta percepción ha llevado a una falta de respeto hacia el medio en la cultura popular. El libro también explora la idea de que los videojuegos pueden ser una forma de contar historias y transmitir mensajes importantes. Los videojuegos pueden ser una herramienta poderosa para abordar temas sociales y políticos, y que su capacidad para involucrar al jugador puede hacer que estos temas sean más accesibles y significativos. En definitiva, "La banalización de los Videojuegos" es un libro interesante y provocativo que desafía la idea de que los videojuegos son una forma de entretenimiento inferior. Para amenizar dicha entrevista, hemos pinchado la banda sonora original del videojuego 'The Last Of June', del músico inglés Steven Wilson.

Para ilustrar este programa tenemos en nuestras manos el doble LP editado en 1997 por el sello Strange Fruits Records, que lleva por título BBC In Concert 1972-1973, también contaremos con EP y un single promos de Japón. Hoy vamos a hablar de Badfinger banda de power rock originaria de Gales, que a pesar de ser grandes músicos y excelentes compositores no tuvieron especial reconocimiento, siendo hoy son una banda de culto. A lo largo de su carrera vieron como a pesar de ser una banda prometedora, una serie de circunstancias de las que más tarde hablaremos, los llevó a una serie de desgracias que truncaron su carrera.  En los años 60 y 70, la política de las emisoras de radio inglesas era la de no pinchar vinilos. Los músicos accedían al estudio a cantar en directo el éxito que querían promocionar. La BBC disponía de algunos teatros donde se grababan conciertos para su posterior emisión. El disco que nos ocupa consta de dos conciertos de siete temas cada uno de ellos grabados en el Paris Theatre de Londres. El primero se grabó el 8 de junio de 1972 y el segundo 14 meses después, el 10 de agosto de 1973. Molland y Pete Ham muestran sus dotes con las guitarras solistas en estas grabaciones. El grupo se formó en los 60 con el nombre de The Iveys en Swansea, Gales, por el guitarrista Pete Ham, el bajista Ron Griffiths y Dai Jenkins a la guitarra. El sello de The Beatles, Apple Records que había sido creado para promocionar nuevos talentos les firmó un contrato. Grabaron el single 'Maybe Tomorrow', para posteriormente grabar su primer álbum con el mismo título que no tuvieron repercusión alguna. A pesar de ello, McCartney vio algo en ellos y les cedió su canción 'Come and get it', que grabaron como sencillo, teniendo un éxito apabullante. El tema formó parte de la banda sonora del film 'The Magic Christian'. Lennon bautiza al grupo como Badfinger, inspirado en una canción de The Beatles, 'With a Little Help From my Friends', que en sus inicios se llamaba 'Bad Finger Boogie'. Entra Joey Molland guitarrista y cantante rudo, lo que sirve a la banda para encontrar nuevos sonidos. Graban su primer álbum con el nuevo nombre de título 'Magic Christian Music', con canciones de la película 'Magic Christian' y remezclas de los temas de su debut como Iveys. El siguiente álbum, el que está considerado el mejor de la banda salió al mercado en 1970 con el nombre No dice, incluyo su éxito No matter what y la preciosa balada Without you, que se convertiría en un hit mundial a cargo de Harry Nilsson.

Una vez más nos visita Juan Manuel Escrihuela, escritor y dibujante, que tiene en su haber entre otros, 'Marc bolan - el Guerrero electrico de los 70', el único libro en español escrito sobre Marc Bolan y la que fuese su banda, T. Rex. Hoy nos acompaña para conmemorar los 50 años de la aparición de 'The Slider', uno de los mejores discos de la banda. En mayo de 1971, la fama de Marc Bolan había alcanzado su punto álgido, tanto que los sucesivos intentos –entre febrero y junio de 1971 por parte de dos discográficas, Fly Records y Vision of Britain Records– de que firmara un contrato discográfico resultaron fallidos ya que Marc decidió lanzar su propia compañía discográfica con la ayuda de Tony Secunda, para que él mismo pudiera regular sus propios materiales. T.Rex Wax Co. fue noticia porque, a partir de enero de 1972, la empresa la distribuyó para grabar toda la discografía de Marc Bolan y T. Rex. EMI era el sello discográfico encargado de producir discos y enviarlos a todo el Reino Unido (aquí en España era la compañía Ariola). Bolan también establecióque  Wizard Publishing, administraría la edición y publicación de sus nuevas canciones. Antes de que todo el mundo quedase encantado del primer álbum de estudio lanzado por el grupo con este nombre, el 13 de enero de 2019, los lectores de New Musical Express votaron a T. Rex como el grupo número 1. El día 21 salió a la venta "Telegram Sam", el nuevo sencillo de T. Rex, con una funda especial azul marino con un agujero en su centro -coincidiendo con la parte de la etiqueta-, en la funda se podía ver la cara de Marc, de color rojizo, y el nombre del grupo, en letras también más grandes que las de EMI, en rojo. El sello discográfico recién establecido de Bolan vendió 200.000 copias del álbum el 5 de febrero y permaneció en esta posición favorable durante los siguientes quince días. Así que estaba claro quién era el jefe y quién ganó la mayor parte del pastel del contrato; en este caso, Marc Bolan. Un adelanto de su próximo álbum, 'The Slider', con su ritmo trepidante, las voces ganadoras de premios Grammy de Howard Kaylan y Mark Volman cantando la música pop más pura, los arreglos simplemente excelentes de Toni Visconti, y las habilidades con la guitarra de Marc, alcanzaría el número 1 en las listas. El sello discográfico recién establecido de Bolan vendió 200.000 copias del álbum el 5 de febrero y permaneció en esta posición favorable durante los siguientes quince días. Además, Europa también se rindió al encanto de “Telegram Sam”, alcanzando el Top Ten en varios países europeos. Aquí en España fue un éxito de ventas en El Corte Inglés. No siguió su ejemplo en las listas estadounidenses, permaneciendo en el número 67.

Pepe Dana, el dueño de la tienda de discos Riff Raff Discos en Hospitalet de Llobregat (Barcelona), recientemente volvió a grabar con nosotros. Pepe Dana y José Pérez-Vico han publicado un libro que trata sobre la soledad en la sociedad contemporánea, cómo nos influyen las creencias religiosas o cómo se manifiestan los síntomas de la exclusión social. Durante la entrevista, Pepe Dana pudo comentar cómo se ha utilizado el cine para abordar de manera efectiva temas privilegiados, e incluso fue más allá al afirmar que las imágenes en movimiento nos permiten relacionarnos con las personas desde muchos puntos de vista diferentes. Al mismo tiempo, hablamos sobre el poder de contar historias para ayudar a otros a comprender cómo es lidiar con problemas de salud mental a diario. Los autores también han hecho hincapié en cómo ciertas tradiciones sociales pueden limitar nuestra capacidad de relacionarnos con quienes buscan consuelo a través de sus creencias o creencias religiosas. A lo largo de su libro, han examinado cómo estos patrones culturales pueden dificultar nuestra interacción con aquellos que no se sienten seguros debido a sus creencias o costumbres religiosas. El libro fue creado durante la primera parte de un período de epidemia, cuando estaban comenzando otros proyectos. El planeta entero estaba aprensivo y los individuos buscaban una salida, que es el objetivo de este libro. El trabajo analiza el uso personal para presentar al espectador una perspectiva reflexiva y una perspectiva de los detalles de los eventos representados, sus creadores y el medio en su conjunto. También nos tomamos el tiempo para escuchar música de Chaplin, Bowie, Marc Bolan (T. Rex) y muchos otros, que han formado parte de las bandas sonoras de las películas que aparecen en 'Aislados en el Cine'.

The Clash va ser una de les bandes clau del punk britànic, un gènere que renegava de la tècnica d’altres estils del rock per a portar una proposta agressiva i contestatària, amb grans influències del rock de garatge dels anys 60, amb molt de tall però mantenint part del component més melòdic i sobretot expressant un sentiment de ràbia, rebel·lia i crítica social i política, que és una cosa que va ser intrínsec del punk de Gran Bretanya. The Clash, que es va formar en 1976, estava compost per quatre membres: Joe Strummer en la veu principal i la guitarra rítmica, Mick Jones en la guitarra principal i els cors, Paul Simonon en el baix i els cors, i Topper Headon en la bateria i la percussió. Van ser inspirats per grups americans de l’època tant dins del paradigma del punk com els Ramones com del rock de garatge com The Stooges. Durant la seva curta però intensa carrera junts, van llançar sis àlbums d’estudi i molts d’ells continuen sent dels discos més icònics de la història de la música. La potent veu de Joe, els cors potents, i especialment el caràcter crític i combatiu de les seves líriques enfront de la injustícia de les classes altes davant el proletariat i d’una joventut de classe obrera amb poques oportunitats, tot això al costat de la gran actitud que tenien tots els membres de la formació va fer elevar a la banda als cànons més alts de la història de la música. L’impacte de la banda es va estendre molt més enllà de la cultura punk, ja que el seu so característic va combinar aspectes de reggae, ska, dub, funk i rap pel que es coneixeria com «L’única banda que importa».

¡Las vacaciones están de Navidad se acercan y qué mejor manera de entrar en el espíritu navideño que transmitiendo un podcast especial! Este diciembre, el ícono de la música Mariah Carey retorna con su primer disco navideño. Con su icónico álbum Merry Christmas de 1994 , los oyentes ahora pueden disfrutar de un nuevo podcast donde la ponemos a caer de un burro. Ah, Navidad: la temporada de regalar, decorar y escuchar el éxito de 1994 de Mariah Carey "All I Want For Christmas Is You" una y otra vez. Si eres como nosotros, unos rockeros despiadados, que no se cansa de escucharla, ¡estás de suerte! . Disfruta con Los Vinilos de Barbarella de este podcast para despedir el año, que ya tocaba. ¡Salud y vinilos!

En este programa vamos a hablar de uno de los grupos más importantes del rock progresivo y sinfónico que se hacía en la piel de toro. Módulos se formó en Madrid en el año 1969. Sus miembros originales eran Pepe Robles (Guitarra y voz), Tomás Bohórquez (Órgano Hammond y piano), Juan Antonio García Reyzabal (Batería) y Emilio Bueno (Bajo). Editaron cinco álbumes de estudio y varios sencillos, para acabar disolviéndose en 1979. Para ilustrar este programa, traemos su primer álbum de estudio, Realidad, editado en 1970 y algunos singles anteriores. Sus influencias musicales eran muy diversas, Beatles, Vanilla Fudge, The Young Rascals, Bach o Keith Emerson. Módulos quiso perfilarse como un grupo diferente, algo que se vio reflejado en la búsqueda de profesionalidad Este álbum debut destaca por sus pasajes románticos y melancólicos, su cadencia, sus cambios de ritmo, la interacción de todos los instrumentos, los escalofríos que producen algunas notas del Hammond B-3 de Bohórquez y, en general, por esa sensación de que Módulos habían conseguido construir una contundente "muralla de sonido". Desde un primer momento, Módulos quiso perfilarse como un grupo diferente, algo que se vio reflejado en la búsqueda de profesionalidad. Aseguraban ensayar 8 horas diarias. Supieron aprovechar la onda del pop, su gran referencia The Beatles, de los cuales hicieron dos versiones en su primer trabajo, Yesterday y Hello Goodbye, amén de dedicarles un tema propio de nombre 'Beatles', en su último disco de 1979, de nombre Módulos y editado por el sello Mercurio. En 1978, graban para la modesta compañía Mercurio un álbum homónimo, con mayor libertad compositiva, con nueva temática en las letras y algunos pasajes ciertamente experimentales. Tras algunas galas actuando con el nombre de TAO, Módulos comprobaron que su carrera no tendría ya mucha continuidad y se separaron en 1979. En 1999, todos menos Robles (con Pibe Iglesias en su lugar), deciden unirse de nuevo para regrabar temas, hacer algunas galas y aprovechar la ola nostálgica editando el disco Pensado y hecho... en la intimidad (2000), el cual incluye nuevas versiones de viejos éxitos, y 6 temas nuevos. Tras abandonar Módulos, Robles en los 80 montó un efímero dúo con Teddy Bautista, dejando registrado un único disco que vio la luz en 1981, Radioactivo, donde solo hay que destacar su single 'Beatriz', que alcanzó cierta popularidad en las listas de ese año.

No son pocos los músicos que han puesto banda sonora a la gran obra del escritor norteamericano Edgar Allan Poe, un escritor que tuvo una vida realmente complicada y que es sobre todo conocido por sus libros de terror, aunque su bibliografía es mucho más amplia. Vamos hoy a ocuparnos de un disco donde se pone música a la obra de este escritor. Empezaremos hablando brevemente sobre lo que fue el Proyecto Alan Parsons. Dicho proyecto fue en realidad una banda británica de rock progresivo que estuvo activa desde 1975 hasta 1990, aunque de hecho sigue haciendo giras, lo que no sabemos es hasta qué punto tienen relación o no con la idea original, ya que Alan Parsons no parece que participe en las mismas, aunque en la página web del músico y productor sí que habla abiertamente de las giras del proyecto, por lo que es de suponer que, como mínimo cuenta con su beneplácito. Como más adelante veremos, el proyecto fue creado por él mismo y por el también productor y músico Eric Woolfson, que tristemente desapareció en 2009. La banda contaba en sus discos con una serie de músicos que iban y venían, la mayoría de ellos músicos de sesión, como lo fue el mismo John Miles. Aun así, contaban con algunos miembros más o menos estables como el guitarrista Ian Bairson, el bajista y vocalista David Paton, el batería Stuart Elliot o el cantante Lenny Zakatek. Las composiciones siempre iban firmadas por ambos, Parsons y Woolfson, como han hecho otros grandes del rock como Lennon y McCartney o Jagger y Richards. En total lanzaron 11 discos de estudio de los que llegaron a vender más de 50 millones de copias.

Bienvenidos a un nuevo programa de Los Vinilos de Barbarella, en esta ocasión queríamos sorprenderos con un disco y un grupo vulgar, poco conocido y pero evolucionando. Bromas aparte, hoy tenemos a uno de los más grandes de este estilo musical. 28 de febrero del año 2000, llega Stiff Upper Lip, el decimocuarto álbum de estudio realizado en dicho año por la banda australiana de hard rock AC/DC. 'Give It Up' y 'Can't Stop Rock n' Roll'. Fue esa su vuelta a los estudios de grabación, después de años de ausencia. Hablemos de la banda, aunque creo que no es muy necesario: AC/DC es una banda de hard rock británico-australiana, formada en 1973 en Australia por los hermanos escoceses Malcolm Young y Angus Young. Sus actuaciones en vivo, vibrantes y exultantes espectáculos de primer orden se debe al extravagante estilo de su guitarrista principal y símbolo visual, Angus Young, y sus despliegues escénicos uniformado de colegial callejero. En 1974, la llegada del cantante Bon Scott se convertiría en una pieza clave del éxito del grupo. Su presencia en escena, lo convirtió en uno de los personajes más carismáticos de la historia del hard rock. La formación se estabilizaría con Cliff Williams (bajo) y Phil Rudd (baterista). Con cuatro décadas de trayectoria, la banda ha superado los cambios en la alineación, la pérdida de históricos miembros, la controversia sobre su imagen y letras, y el constante cambio de las tendencias musicales, para convertirse en la actualidad en una de las bandas más importantes e influyentes de la historia. La idea por parte de DRO Eastwest era convocar ese día a todos los fans en el Madrid Rock de Gran Vía (ya desaparecido) con la golosina de que, por cada CD que se comprase, te entregaban un formulario donde, poniendo tus datos, podías entrar en el sorteo de una Gibson SG firmada y... ¡¡atención!!, esto es lo importante: una estatuilla en dos dimensiones muy, muy rara (existen muy pocas), de donde, a partir de ella y una litografía en una dimensión, los diseñadores sacaban la portada del álbum como producto final.

Oliver Taylor Hawkins (17 de febrero de 1972 - 25 de marzo de 2022) fue un músico estadounidense, ampliamente conocido como el baterista de la banda de rock Foo Fighters, con quien grabó nueve álbumes de estudio entre 1999 y 2021. Antes de unirse a la banda en 1997, fue el baterista de gira de Sass Jordan y Alanis Morissette, así como el baterista de la banda experimental progresiva Sylvia. En 2004, Hawkins formó su propio proyecto paralelo, Taylor Hawkins and the Coattail Riders, en el que tocó la batería y cantó, lanzando tres álbumes de estudio entre 2006 y 2019. Formó el supergrupo NHC con los miembros de Jane's Addiction Dave Navarro y Chris Chaney en 2020, donde también asumió tareas de voz principal y batería. Después de una gira durante la primavera de 1996, Foo Fighters ingresó a un estudio de Seattle con el productor Gil Norton para grabar su segundo álbum. Según los informes, estalló un conflicto durante la grabación entre Dave Grohl y el baterista William Goldsmith, lo que finalmente provocó que Goldsmith dejara la banda. La banda se reagrupó en Los Ángeles y volvió a grabar casi por completo el álbum con Grohl en la batería. El álbum, The Color and the Shape, fue lanzado el 20 de mayo de 1997. Grohl llamó a Hawkins, un conocido en ese momento, buscando sus recomendaciones para que un nuevo baterista se uniera a la banda. Grohl tenía la impresión de que Hawkins no dejaría la banda de gira de Morissette, dado que ella era un acto más grande que Foo Fighters en ese momento. Sin embargo, para sorpresa de Grohl, Hawkins se ofreció como voluntario para unirse a la banda, explicando que quería ser baterista en una banda de rock en lugar de actuar como solista. La banda anunció que Hawkins sería su nuevo baterista el 18 de marzo de 1997. Hawkins apareció por primera vez con los Foo Fighters en el video musical del sencillo de 1997 "Monkey Wrench", aunque la canción fue grabada antes de unirse a la banda. Además de tocar la batería con Foo Fighters, Hawkins también proporcionó voz, guitarra y piano en varias grabaciones. Interpretó la voz principal en una versión de "Have a Cigar" de Pink Floyd. Se lanzaron dos versiones de la canción, una como cara B de "Learn to Fly" y otra en el álbum de la banda sonora de Mission: Impossible 2. Más tarde cantó la voz principal en "Cold Day in the Sun" de In Your Honor, que luego se lanzó como sencillo, así como una versión de "I Feel Free" de Cream, que apareció como cara B de "DOA". y en el EP Five Songs and a Cover. Hawkins también cantó la voz principal para la versión de la banda de "Life of Illusion" de Joe Walsh. Más tarde, cantó la voz principal de "Sunday Rain", una pista del álbum Concrete and Gold de Foo Fighters de 2017. Cantó la voz principal en algunas canciones durante los shows en vivo de Foo Fighters, como una versión de "Somebody To Love" de Queen en su último concierto con la banda. También contribuyó a la composición de canciones de la banda y fue incluido como coautor en todos los álbumes desde There Is Nothing Left to Lose. La última actuación de Hawkins con los Foo Fighters antes de su muerte fue en el festival Lollapalooza Argentina el 20 de marzo de 2022. Hawkins ganó póstumamente tres premios Grammy con los Foo Fighters el 3 de abril de 2022.

Mientras bandas como Muse o U2 se diluyen en giras interminables y discos venidos a menos, Placebo ha sorprendido a propios y extraños, con un disco increíble, muy potente y que demuestran que tras 22 años de carrera pueden volver a estar en lo más alto de las listas de ventas y ser una verdadera sorpresa para los que ya los conocíamos o los que gracias a esta nueva entrega que este larga duración ‘Never Let Me Go’ han podido empezar a conocer. Las bandas crean bastante ‘hype’ con los lanzamientos de adelantos de sus discos, y no se equivocan con ellos, casi siempre esas primeros tanteos con el público denotan de qué va a ir el resto del trabajo. No solemos equivocarnos: cuando esas entregas son flojas, cuando el disco sale a la luz, sigue siendo flojo. Placebo son un dúo londinense, aunque en algunos momentos de su carrera llegaron a ser 3 componentes. La banda se creó en 1994, formada inicialmente por el cantante y guitarrista Brian Molko y el bajista y guitarrista Stefan Olsdal. Brian y Stefan coincidieron en el American International School of Luxembourg, por lo visto sin conocerse personalmente. Justo en el año de formación de la banda fue cuando ambos por fin coincidieron en la estación del metro de South Kensington. Oldslad volvía de tomar unas clases de guitarra. Molko le vio con la guitarra y le invitó a ir a un concierto suyo. En ese concierto nació la semilla de Placebo, aunque en esos primeros pasos se llamaron Ashtray Heart, que era una canción de la banda Capitan Beefheart. Ese nombre lo tuvieron por poco tiempo, para pasar a llamarse definitivamente Placebo. Brian escogió como baterista a Steve Hewitt, que era su amigo, aunque con fecha de caducidad porque tenía otros compromisos con la banda local Breed. Al final, Hewit y otro baterista, Robert Schultzberg iba turnándose en la banda. Fue éste último quien grabó el disco homónimo de Placebo. El primero y el último, volviendo de nuevo Hewitt. El punto álgido de su carrera llegaría en 1997, participaron en el concierto homenaje del 50 cumpleaños de David Bowie que se realizó en el Madison Square Garden. Ese año empezarían gira e incluso llegaron a telonear a U2. Sólo un año después, en 1998 aparecía su segundo disco ‘Without You I’m Nothing’. En ese larga duración aparecería uno de sus grandes temas ‘Every Me Every You’, que tantas alegrías les ha dado. Este tema pasó a formar parte de la banda sonora de la película ‘Crueles Intenciones’, en el que el propio Bowie hace dúo con Molko a las voces. Ese año grabarían otro tema icónico del rock de todos los tiempos: ‘20th Century Boy’ de Marc Bolan y T. Rex. Recordemos que el fallecido Marc se codeaba con Bowie en la década de los 70 por el disputado puesto de Rey del Glam-Rock, aunque ambos eran muy amigos. Dicho tema se incluyó en la banda sonora de la película ‘Velvet Goldmine’, además de hacer un cameo en la misma. También tocaron ese tema junto a su mentor, Bowie en los Brit Awards. Llega el cambio de milenio y aparecen con otro disco bajo el brazo: ‘Black Market Music’, donde cambian radicalmente de estilo, alejándose de ese sonido melancólico de sus baladas. En 2003 aparecería ‘Sleeping With Ghosts’, donde experimentaron abiertamente con la electrónica. Nuevamente, 3 años después aparece ‘Meds’, en el que aparecen como músicos Mosshart de The Kills y Stipe de R.E.M. Era 2006 y Placebo cumplían sus 10 años juntos, por lo que aprovecharon para reeditar su primer disco incluyendo además rarezas y un DVD de ellos mismos presentando los temas. En 2008 se preparan para grabar nuevo disco, con nuevo batería, Steve Forrest, batería de Evaline que les había telefoneado en alguna gira. El disco aparecería un año después, ‘Battle for the Sun’. Hizo falta una espera de 4 años para que sacaran otro trabajo, ya sin ninguno de los baterías hasta ahora mencionados. El disco ‘Loud Like Love’, es considerado por Molko como el mejor hasta entonces. Estaban preparando nuevo álbum cuando nos cogió a todos por sorpresa la pandemia, posponiéndose hasta 2021. En mayo de ese año, aparecería la primera entrega con el tema ‘Beautiful James’, que es con el que hemos abierto el programa. En noviembre ‘Sorrounded by Spies’, con el que desvelarían el nombre de su nuevo disco ‘Never Let Me Go’ que hoy nos ocupa. Al final, fue en 2022 cuando apareció, aunque esas dos primeras entregas dejaron buen sabor de boca y dieron lugar a que fuese realmente un disco muy esperado. El sonido de Placebo es fácilmente reconocible por la voz nasal de Molko y las cadencias oscuras de sus composiciones. Es una banda que, al igual que su mentor, David Bowie, no ha tenido miedo al experimentar con nuevos instrumentos o sonoridades. Sus letras y su puesta en escena, sobre todo por las reconocibles camisetas de tiras de Molko, les ha permitido hablar sobre la homosexualidad (Olsdal es homosexual y Molko bisexual) y el uso de drogas.